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sábado, 10 de agosto de 2013

After Life... Un recuerdo

Has muerto. ¿Y ahora qué? ¿La nada, el limbo, el infierno, el paraíso? ¿Cuál es el premio por una vida virtuosa, el castigo por una vida de maldad? ¿Qué apariencia tendrás cuando hayas muerto? ¿Podrás redimirte? ¿Un retorno expiatorio, la reencarnación? Y los sentimientos, ¿es cosa de este mundo? Nuestros odios, nuestras pasiones, ¿se quedarán aquí con tu cuerpo fenecido?

After Life (1998) es el segundo largometraje de ficción del aclamado director Hirokazu Koreeda. ¿Y después de la vida, qué? Koreeda nos pone en la piel de un grupo de recién fallecidos, que son recibidos por un grupo de personas (de momento, poco sabemos de ellas) con la intención de ayudarlos. Este grupo de "consejeros" les explican a los recién llegados que pasarán juntos una semana, tiempo durante el cual deberán elegir un recuerdo, sólo uno, con el que "vivirán" el resto de su existencia. 

Así que vamos a responder algunas preguntas:

Pasen primero por ventanilla...
Has muerto. Hoy es lunes, y entras junto a otros fallecidos a un viejo edificio. Estás desorientado. Te recibe un pequeño grupo que os reúne a todos en una habitación. Uno a uno, os van llamando aparte. Es tu turno. Te recibe un chico joven que te explica que él también está muerto, y que su tarea aquí es la orientarte. Te da un plazo de tres días para meditar sobre tu propia vida. Transcurridos esos tres días, deberás decirle con cuál de todos los momentos de tu vida te quedas... Piénsalo bien, sólo debes elegir uno. El resto de la semana, él se dedicará a recrear ese momento con la mayor exactitud posible y lo plasmará en una película.

Puede ser que decidas no elegir... ¡es una opción! ¿Quién en su sano juicio descartaría todos los buenos momentos de una vida para quedarse sólo con uno? Recuerdas una canción de Rush que decía:

"if you choose not to decide, you still have made a choice"

Es absurdo quedarse con un único recuerdo
Puede ser que no tengas ni un sólo momento tan significativo en tu vida que merezca la pena ser recordado ad infinitum. Que tus actos sean una fuente de remordimientos, o que tu vida sea de una pasmosa mediocridad. ¿Quién querría recordar  una y otra vez lo ruin que fuiste en vida, o tu anodina existencia?

No hay nada que quiera recordar. ¿No es eso lo más parecido al infierno?
Puede ser que la senectud haya hecho mella en tu cerebro, y no estás capacitado ya para decidir.

Puede ser, tal vez, que lo tengas claro... ¡Afortunado tú!

Cuando era pequeña...
Koreeda nos muestra un amplio abanico de posibilidades.

La misión de los "consejeros" (¿ángeles? Sin duda, no), es confeccionar una película con el recuerdo elegido, un momento condenado a repetirse una y otra vez. Pondrán todo su empeño, con los medios a su alcance, para "captar" las sensaciones de ese recuerdo: una brisa fresca en un día de calor, la vista del ala del avión, la vez que permaneciste sentado en el parque con el/la que iba a ser tu gran amor.

¿Quién iba a suponer que el final de todo era ver una película?
Y una vez proyectada, los recién fallecidos se irán, con la memoria de esa película, al... ¡paraíso! Atrás quedan los consejeros, dispuestos a recibir a un nuevo grupo de fallecidos, sintiendo como un fracaso las indecisiones de la semana anterior.

¿Y nosotros? ¿No hay un paraíso para nosotros?


¿Paraíso?


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sábado, 13 de julio de 2013

El Chef, la receta de la felicidad

El chef, la receta de la felicidad, o lo que es lo mismo, Ratatouille en versión francesa y sin dibujos animados, es una comedia ligera, ideal para disfrutar en una calurosa noche de verano, aprovechando que el tema de los Chef está de moda.

Jacky Bonnot (Michaël Youn) es un joven aspirante a cocinero que sueña con triunfar en las cocinas de un gran restaurante, pero ni siquiera logra conservar sus trabajos de cocina y se ve obligado a aceptar otros trabajos. Alexandre Lagarde (Jean Reno) es un acomodado Chef con tres estrellas Michelin cuyo restaurante se ve amenazado por el grupo empresarial al que pertenece y por el heredero de este grupo, detractor de la cocina tradicional y partidario de la cocina molecular. En plena crisis creativa y acuciado por los problemas con su hija, a la que no dedica el tiempo que debería y que come comida basura, Alexander conoce a Jacky y juntos intentarán salvar el restaurante, una estrella Michelin y el matrimonio de Jacky, dando lugar a una serie de situaciones cómicas manejadas con exquisita precisión . Entre estas situaciones cabría destacar la breve intervención de Santiago Segura como representante de la cocina molecular.


Dirigida en 2012 por Daniel Cohen, es una película sencilla, honesta, divertida, fácil de digerir y sin personajes complicados. Los actores cumplen su tarea con eficacia y ni el director ni el guión se meten en más complicaciones de las necesarias. Puede considerarse una muestra del cine comercial francés actual, que busca acercarse al gran público y poco a poco se aleja de las complicaciones de la Nouvelle Vague.


Es una variación de la vieja receta "Reputado chef en apuros logra salvar la cara gracias a un novato" que tantas veces se ha utilizado, pero su sencillez y sobre todo, su honestidad, pues no aparenta ser más de lo que es, la convierten en un producto ideal para pasar un rato agradable y sin complicaciones, alejado de las actuales superproducciones de Hollywood.

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sábado, 6 de julio de 2013

Los ladrones


Me gustaría comenzar este comentario con una cita del libro de memorias de David Mamet, "Una profesión de putas", pues me parece bastante descriptiva del tipo de película a la que nos vamos a enfrentar: 

"No es al tema de la obra a lo que respondemos, sino a su acción: el desarrollo de las acciones del protagonista y el apoyo concomitante de los personajes secundarios, un apoyo que se expresa por medio de las acciones pertinentes

"Los ladrones" es una película escrita y dirigida por André Téchiné en 1996, dos años después de su aclamada Los juncos salvajes. Un ruido en mitad de la noche despierta a Justin. Su madre llora la muerte de su padre, Ivan, un ladrón de coches que opera en los alrededores de Lyon y cuya banda lidera su padre. Al funeral acude también su hermano Alex (Daniel Auteuil), que es policía en Lyon, con su novia Juliette (Laurence Côte). Juliettte es una joven cleptómana con una personalidad autodestructiva y hermana de Jimmy (Benoît Magimel), uno de los miembros de la banda de ladrones de coches. Marie (Catherine Deneuve) es una profesora de filosofía, separada de un médico y enamorada de Juliette.


 


A lo largo de la película el director describe las complicadas relaciones personales y emociones de este grupo tan heterogéneo de personajes con una narrativa un tanto particular, ya que la película está estructurada en varios capítulos, cada uno de ellos narrado desde el punto de vista de uno de los personajes, sin que exista una continuidad en el tiempo entre ellos, saltando de un periodo de varios meses antes de la muerte de Ivan a los días posteriores o a unos días antes. Esta estructura puede llegar a complicar la comprensión de la historia al espectador, pero como ya he dicho antes, la historia es simplemente la justificación a un exhaustivo retrato de los personajes, cada uno con una personalidad muy compleja y condicionada por el entorno.



Según consta en el libro "André Téchiné: La estrategia de la tensión" de Kent Jones, la película se rodó en dos partes separadas varios meses entre si, por un lado para reflejar los cambios de estación y por otro, para adaptarse a las agendas de los protagonistas. Durante ese tiempo, Téchiné reescribió gran parte del guión original aún no rodado.  La película recibió también un cambio en el final con respecto a la versión estrenada en el Festival de Cannes, ya que en el montaje original, Justin corría a por un arma que había escondido y simulaba disparar, lo que daba lugar a interpretar que Justin acabaría convertido en un gangster.

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jueves, 6 de junio de 2013

The Man From Earth

Cuando oímos "película de ciencia-ficción", automáticamente pensamos en una película de naves espaciales, con fantásticos decorados, actualmente renderizados por miles de ordenadores, maravillosos efectos especiales y presupuestos absolutamente galácticos. Normalmente, y como ya hemos expuesto en este blog en otras ocasiones, estas películas suelen tener mucho de ficción y poco de ciencia. Con "The man from Earth" nos encontramos, pues, ante un producto atípico: No hay decorados. Toda la acción transcurre en un habitación con un sofá, una caja a modo de mesa y unas sillas. Tampoco hay efectos especiales. La iluminación proviene de una chimenea y una pocas velas. Y tampoco hay acción ni luchas, salvo las que cada uno mantiene interiormente contra la razón y sus propias creencias.

La historia comienza mientras el profesor de universidad John Oldman (David Lee Smith) está preparando la mudanza para trasladarse a otro ciudad. Sus amigos y colegas de la universidad se reúnen es su casa, en una especie de fiesta improvisada, para despedirle. Todo comienza como una conversación banal entre amigos y compañeros que le preguntan por los motivos de su marcha, hasta que John les pregunta "¿Qué pasa si un hombre, desde el Paleolítico superior sobrevive hasta el día de hoy?". Inicialmente, suponen que John está trabajando en un libro de ciencia-ficción y debaten sobre la idea. A medida que la película avanza, John lentamente revela que él es el 'cavernícola', menciona que se le dio la oportunidad de navegar con Cristóbal Colón en el siglo XV. La charla se torna mas seria cuando les revela que en realidad él es un hombre de Cro-Magnon que nació hace 14.000 años y que no envejece, permaneciendo su aspecto inalterado y aparentando tener siempre 35 años. Por este motivo debe cambiar de residencia cada diez años, antes de que sus conocidos descubran que no envejece. Cada uno de sus amigos le formula preguntas relativas a su especialidad. El biólogo trata de explicar el proceso celular por el cual no envejece. El paleontólogo le interroga sobre sus primeros años de vida. John cuenta que fue sumerio durante 2000 años, luego babilonio bajo el mando de  Hammurabi y llegó a ser discípulo de Gautama Buda. Posteriormente fue etrusco en Roma y debido a la corrupción imperante, intentó trasmitir las enseñanzas de Buda en Oriente Medio. Preguntado por sus vivencias durante la época bíblica, cuenta cómo fue crucificado y gracias a las enseñanzas budistas pudo hacerse pasar por muerto, despojando de toda mitología y adorno a la religión cristiana, lo que le provoca unos momentos de gran tensión con su amiga Edith, experta en Teología y literatura cristiana.




El guión de la película lo concibió Jerome Bixbi durante los años 60 y lo escribió en su lecho de muerte en 1998. Después de su muerte le entregaron el guión a Richard Schnekman para hacer la película, que contó con un presupuesto de 56.000 dólares.


La película estuvo ausente de los circuitos habituales de distribución y se ha convertido en una película de culto gracias a las redes de intercambio P2P, llegando a pasar del  puesto 11.235 al número 5 en la clasificación de IMDb en tan sólo dos semanas, provocando que el productor agradeciera su distribución a los canales Torrent.
  
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jueves, 7 de marzo de 2013

El contrato del dibujante (1982)

El otro día un amigo me pedía explicaciones de esta pasión que siento por Greenaway. Obviamente, él no la tiene. Y ya se sabe, Greenaway es uno de esos directores que levantan pasiones, perfectamente comprensibles, y también odios inexplicables.

Pues bien, vamos a tratar de explicar qué hay en la película de Greenaway, que a mí me apasiona, y que él no ve.

Posiblemente, todo lo que escriba a continuación esté lleno de spoilers

El guión: La acción transcurre en una mansión rural, propiedad del señor Herbert. Su mujer, durante una ausencia de éste, contrata a un dibujante, el señor Neville para que haga seis dibujos de la mansión. Éste acepta, añadiendo como cláusula del contrato que deben mantener relaciones sexuales. Durante la realización de estos dibujos, aparecen objetos que no están en sus sitios habituales, relacionados con el señor Herbert, y que presagian su muerte.
Una vez terminados los dibujos, la señora Talmann, hija del señor Herbert, le propone al dibujante otro contrato, en los mismos términos que el de su madre. Seis dibujos en los que seguirán apareciendo indicios de la muerte del señor Herbert, como finalmente ocurre.
Al terminar los dibujos, el señor Neville abandona la mansión. Volverá a ella más tarde, y algunos cambios se habrán producido. Descubre, además, que la señora Talmann está embarazada, y puesto que su marido es estéril, él es el padre. El dibujante les propondrá a las damas realizar un último dibujo, el número trece, en el mismo lugar donde se encontró el cadáver del señor Herbert. Dibujo que quedará inacabado, pues se produce un asesinato. Y fin. ¿Genial, verdad?

¿Guión? Ya sé que no se trata de un guión muy tradicional. De hecho, la idea de la película no se forjó a partir de un guión, estrictamente hablando, sino de unas localizaciones, unos diálogos inconexos unos con otros, una música, unos dibujos... Ni siquiera los personajes eran "de carne y hueso", sino que funcionaban como arquetipos. Y como tales, su funcionamiento debe interpretarse en código de artificiosidad. Lo adivinaremos las pelucas, completamente exageradas. El ropaje: el señor Neville vestirá de negro cuando los habitantes de la mansión visten de blanco durante la primera parte; en la segunda parte de la película, ocurrirá al contrario. La afinidad: no existe. Ningún personaje es un héroe. Ninguno despertará nuestra simpatía. La música: el minimalismo de Nyman forja un duro contraste con la época que se recrea (la película está ambientada en el año 1694, durante el barroco tardía), época que se caracterizó igualmente por luchas incesantes entre católicos y protestantes. La cámara estática (sólo utiliza un ligero travelling en las escenas de las comidas). El lenguaje hablado, extremadamente literario, redunda en esta idea de que asistimos a una película antinatural.

¿Es esto lo que no gusta? Tal vez. Si queremos ver luz natural, diálogos acordes al desarrollo de una acción, escasa contemplación intelectual, estructura literaria sobre la que asienten los demás elementos fílmicos, resolución afirmativa de los enigmas planteados, etc., si queremos ver todo eso en una película, repito, tal vez no nos guste esta película ni, en general, el cine de Greenaway. Pero así como no le pedimos a un pintor que "repita" la fórmula de Velázquez o Goya, ¿por qué exigimos del cine que repita los modelos de Hitchcock o Wyler?

Pero, aparte de todas las consideraciones intelectuales de la película, por las que profesaremos mayor admiración o aversión, está el componente plástico, fundamental en Greenaway. Cada fotograma es un cuadro. Podemos imaginarnos este aspecto museístico del director galés como la llave maestra que abre su cine al entendimiento. Imaginemos que entramos en cualquier museo. Imaginemos que todas las imágenes que allí se reúnen, en realidad inconexas unas de otras, cuentan una historia que está por descubrir. Imaginemos que eso puede ser el guión de una película.


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lunes, 5 de noviembre de 2012

El candidato

Mañana es el "gran martes", ese martes en que se decide quien va mandar en el mundo los próximos cuatro años, y como a pesar de que nos afecta, no nos van a dejar votar,  creo que es un buen momento de repasar alguna peli que trate sobre la política norteamericana.
"El candidato", película  escrita por Jeremy Larner, dirigida por Michael Ritchie en 1972 e interpretada por Robert Redford y Peter Boyle y Melvin Douglas, narra los entresijos e interioridades de la campaña  de un aspirante a Senador por el partido demócrata.


La película comienza con la derrota del candidato demócrata en unas elecciones. Nada mas asumir la derrota, la maquinaria del partido se vuelve a poner en marcha para ganar las siguientes. Después de un minucioso examen de los candidatos, la maquinaria escoge a un joven e idealista abogado Bill McKay (Robert Redford), que ejerce en un pueblo perdido de California, hijo de un politico retirado y le embauca convence para que se presente aún a sabiendas de que no tiene nada que hacer contra el candidato republicano. La carrera hacia el senado ha comenzado. A partir de este momento la maquinaria del partido se pone en marcha para lograr la victoria. A lo largo de la película se muestran los métodos y argucias de las que se vale la maquinaria, encarnada por Peter Boyle, para alcanzar esa victoria, como es la preparación de sus apariciones en televisión, la negociación de apoyos con otros agentes sociales, como los sindicatos, la elaboración de un programa electoral, etc. También queda perfectamente retratada la evolución del joven McKay a lo largo de la campaña. Cómo pasa de ser un idealista a ser un animal mediático, que busca el rédito electoral en cualquier aparición pública.

Habrá quien tome la película desde un punto de vista propagandístico y se quede simplemente en la difrencia de posiciones políticas entre el joven candidato demócrata y el "perro viejo" de la política del senador republicano. En este sentido, es cierto que la película parece un documental sobre las distintas posiciones políticas entre demócratas y republicanos, pero la frase final resulta totalmente demoledora: "Ya soy senador ¿y ahora que?"


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miércoles, 26 de septiembre de 2012

La casa más divertida de Texas

Como veíamos en "American Cuisine", hasta al chef mas exigente, de vez en cuando, le apetece comerse una hamburguesa. En este caso, la hamburguesa es "La casa mas divertida de Texas", dirigida por Colin Higgins en 1982. A esta película se la puede definir como el típico producto americano destinado al mercado americano. En mi caso, como aficionado a la música Country, la película cuenta con el aliciente adicional de estar protagonizada por la gran cantante Dolly Parton.

Basada en la obra de Broadway del mismo título escrita por  Larry L. King y Peter Masterson, que a su vez se basa en la historia real de un burdel llamado "Chicken Ranch", situado cerca de La Grange, en Texas. La película cuenta de la historia de una centenaria casa de citas llamada "Chicken ranch" ("La granja de pollos", en el doblaje español), situada en el tranquilo condado de Lanville, Texas, regentada por  Mona Stangley (Dolly Parton). La vida en el pequeño pueblo transcurre con tranquilidad. Todos conocen la casa y a sus chicas y estas a su vez, son buenas vecinas, no causan problemas y colaboran con la comunidad. Por si esto fuera poco, Mona es la amante del sheriff Ed Earl Dodd (Burt Reynolds). Todo marcha bien hasta que un presentador sensacionalista de TV, Melvin P. Thorpe (Dom DeLouise), que se autoproclama defensor del consumidor y de la moral pública, emite un programa dedicado a la granja de pollos, y su existencia, que hasta entonces había pasado inadvertida, salta a la actualidad. 

La película, además de humor y buena música (country), destila una ácida critica a esa parte la sociedad americana que se escandaliza cuando se hace público algo que se conoce de siempre, al poder de influencia de determinados personajes tele-visivos, indiferentemente de cuan grotescos sean. Y en este caso, el personaje encarnado por Dom DeLouise es realmente grotesco, disfrazado con un traje típico tejano, un pelucón ridículo e incluso  poniéndose un calcetín en, en...., sí, "ahí mismo", y sin embargo, tiemblan los cimientos de la sociedad cada vez que alguien sale en su programa. No es más que un fantoche, pero maneja la opinión pública a su antojo. La casta política, como era de esperar, tampoco sale demasiado bien parada, empezando por el alcalde del pueblo, que acepta gustosamente los donativos de Mona para su campaña hasta que estalla el escándalo, hasta el propio gobernador de Texas, que es incapaz de tomar una decisión sin antes ver las encuestas de opinión,  pasando por el Senador del estado, que tiene la costumbre de llevar a la "granja de pollos" a los vencedores de un encuentro de football y cuando es descubierto allí, trata de eludir su responsabilidad acusando "los comunistas de haberle drogado y llevado hasta la casa".

Dicen los que conocen la obra teatral que la película se queda corta. Por mi parte, pienso que se le podía haber sacado más partido a las situaciones cómicas, pero a cambio, nos encontramos con unas estupendas canciones a cargo de Dolly Parton y unos números musicales bastante buenos, entre los que hay que mencionar el de Charles Durning, que interpreta al gobernador de Texas y que es un prodigio de escurrir el bulto y hablar sin decir nada. Su actitud queda reflejada en la conversación de dos periodistas que le acaban de preguntar:

- Eso es un "SI" o un "NO".
- Es un posible "TAL VEZ..."



Otra curiosidad de está película es que se puede ver a Dolly Parton interpretando "I always love you",  tema compuesto y grabado por la propia Dolly Parton en 1973,  que luego haría famoso Whitney Houston en "El guardaespaldas".



Una película sin demasiadas complicaciones, ideal para pasar un rato divertido y disfrutar de las canciones y  los números musicales.

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viernes, 7 de septiembre de 2012

Chico y Rita



Chico y Rita es, sin duda, un producto atípico dentro de la industria del cine español. Es una película de animación, musical y para adultos. Dirigida por Tono Errando y Fernando Trueba en 2010 y dibujada por Javier Mariscal cuenta con una banda sonora que rezuma Jazz y ritmos cubanos, a los que ambos son muy aficionados. En el año 2000 Fernando Trueba ya nos obsequió con Calle 54, un magnífico documental sobre el Jazz latino .En cuanto a Javier Mariscal,  reconozco mi incultura y entono el "mea culpa", pero desde aquel perrito tan moderno con el que nos obsequió hace unos años, no había vuelto a interesarme por sus diseños, y lo cierto es, con semejante precedente, no me enfrentaba a la película con demasiado ánimo. Nada mas comenzar la película mis peores temores se vieron disipados. Los dibujos y paisajes de La Habana y Nueva York son, sencillamente, fantásticos y los personajes... ¡¡¡Tienen un ojo a cada lado de la nariz!!!!



Bromas aparte, la película narra una historia de amor entre los dos personajes principales, Chico, un pianista de Jazz y Rita, una cantante. La historia comienza en La habana actual, con Chico ya anciano,  y a través de una canción antigua, nos transporta, mediante un flash-back a la Habana de 1948, con sus grandes luces de neón y sus animados cabarets nocturnos. Allí Chico conoce a Rita, dando comienzo a la historia de amor. Tras diversos amores y desamores, ambos terminan en Nueva York, iniciando carreras por separado. Rita se convierte, en solitario, en una cantante de éxito y Chico trabaja con las distintas bandas de Jazz de Nueva York. Conoce a Chano Pozo, cuya asesinato está perfectamente retratado y toca con Dizzy Gillespie. Cuando todo parece ir sobre ruedas, Chico es traicionado y deportado a Cuba (en un DC-3). La película acaba con un "Happy End", pero no lo desvelaré, pues tal vez, esta humilde entrada, anime a alguien a ver la película.



En cualquier caso, la historia de amor, bastante sencilla, no es lo que hace grande a esta película. Su grandeza está en la banda sonora, que corre a cargo de Bebo Valdés, a quien está dedicada la película, y en su integración en la historia. La banda sonora está plagada de los ritmos latinos que estuvieron de moda en los años 50, el mambo, la conga, etc., fusionados con el Jazz americano. A lo largo de la película se hace referencia a grandes figuras del jazz de los años 50, como Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Tito puente o Nat King Cole. Sin embargo, no recurre a las grabaciones de antaño, sino a músicos actuales, a los cuales se les pidió interpretar como estos viejos músicos. Así, por ejemplo, la voz de Nat King Cole está interpretada por su hermano Freddie Cole, Charlie Parker por German Velazco, Dizzy Gillespie por Michael P. Mossman y Chico está interpretado por Bebo Valdés.

Todas las escenas de la película se rodaron en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños, Cuba, con actores reales y sobre estas tomas se hicieron los dibujos a fin de poder dar a los movimientos la mayor naturalidad posible.


Chico y Rita estuvo nominada a los Oscars en la categoría de Mejor película de animación y ganó el Goya en la misma categoría. 
Es una película imprescindible para cualquier aficionado al Jazz y muy recomendable en general. Muchas veces hemos debatido en este blog sobre la calidad que ofrece el cine español y creo que esta película es una prueba de que, cuando el cine español se olvida de esa guerra que tanto le gusta, es capaz de ofrecer mucho y muy bueno.



Trailer de la película:


Chico & Rita - Tráiler español por
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lunes, 13 de agosto de 2012

Vacaciones de ferragosto

Aprovechando la época estival en la que nos encontramos, y con la que está cayendo ahí fuera, os traemos una propuesta de la que disfrutar en un lugar fresquito y con una copita de vino blanco bien frío: Vacaciones de Ferragosto.

En Italia se conoce como "Ferragosto" a la festividad del 15 de Agosto, es decir, ya mismo. En Roma suele ser una de las épocas mas calurosas del año y por norma general, durante esos días sólo quedan en la cuidad los turistas.

Gianni es un romano del Trastevere, el barrio antiguo de Roma, sin trabajo, acuciado por las deudas, que vive en casa de su anciana madre, cuidándola. Debido a sus escasos medios, es uno de los pocos romanos que no va a salir fuera durante el puente, circunstancia que aprovechará el administrador de la finca donde vive para dejarle encargado del cuidado de su madre a cambio de condonarle algunas deudas. Llegado el día, el administrador se presenta, no solo con su madre, sino también con su tía. La situación se complica aún mas cuando su amigo y médico de cabecera tiene que dejarle también a su madre para estar de guardia en el hospital. El resultado es que ve transformada la vivienda de su madre en una improvisada residencia de ancianas. Como es de esperar, y a pesar de la paciencia y los esfuerzos de Gianni por contentarlas a todas, las tensiones entre la anfitriona y sus huéspedes no tardan en aflorar.


Escrita en tono de comedia, la película refleja cierta acidez a la hora de tratar el tema de soledad de la tercera edad. Es una comedia costumbrista, con unos diálogos frescos, que en ciertos momentos parecen improvisados.Estamos ante una película que recupera la mejor tradición de la comedia italiana, sin descuidar ni un ápice el retrato de los personajes, que comienzan enfrentados por sus distintas formas de ser y terminan aceptándose para vencer la soledad de la tercera edad. En poco mas de hora y cuarto, y a juzgar por la puesta en escena, con escaso presupuesto, el director logra una película sencilla pero efectiva, que transmite perfectamente las situaciones y los sentimientos de los personajes.


Es el primer largometraje como director del actor y guionista Gianni di Gregorio, co-guionista de "Gomorra". El guión se basa en un hecho real, ya que el propio Gianni recibió una propuesta similar, que no aceptó, pero a cambio imaginó como hubiera sido esa situación y la plasmó en el guion.
Obtuvo el premio a la mejor opera prima en el Festival de Venecia de 2008.
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domingo, 17 de junio de 2012

El padrino I y II

Admirada por todos los cinéfilos, la adaptación que hizo Coppola de la novela de Mario Puzo, constituye no solo una ópera sobre el mundo de los gángsters sino una épica sobre el patriarcado, la familia y sobre la propia America. Obra maestra sin reservas merece todo el aluvión de elogios y criticas de adoración. Revolucionó por completo la concepción que el cine había dado del mafioso hasta entonces. 

La Paramount se hizo con los derechos de la novela, inicialmente pensó en Perter Yates y Costa Gravas para llevar a cabo el proyecto, pero las connotaciones italoamericanas de los personajes hicieron que finalmente el proyecto recayese en Francis Ford Coppola y Marlon Brando para el personaje de Con Vito. Sin embargo los productores con veían con buenos ojos la designación de Brando, decían estar hartos de las excentricidades del acto. Sin embargo una prueba "in estremis" con Brando maquillado convenció absolutamente a los altos cargos de la Paramount, que al principio ni siquiera reconocieron al actor.

La película constituye una influencia sobre los fundamentos del cine de la década de los 70, en lo que a técnica de rodaje se refiere. Escenas dramáticas, audaces, viscerales y majestuosas, ¿Quien no recuerda la escena de la cabeza del caballo?, el asesinato de Sonny, la contraposición del banquete de bodas, soleado en el exterior de la casa y lúgubre y sórdido el interior donde Don Vito recibe las prebendas de sus "amigos".


La película también supuso el resurgimiento de una nueva generación de actores por entonces casi desconocidos, tales como Al Pacino, James Caan y Diane Keaton para los que supuso la consagración como actores de primera linea. Destacable el consiguiere interpretado pro metódico y disciplinado Robert Duvall cuyo papel le supuso el espaldarazo definitivo en su carrera como actor.Para el papel de Connie la hermana del Clan mafioso, Coppola pensó en su propia hermana Talia Shire, que veríamos unos años mas tarde como la novia de Stallone en Rocky. En el plano técnico se cuidaron escrupulosamente el que no existiesen anacronismos en la historia, Gordon Willis se encargó de la iluminación que hoy en día sigue siendo materia de estudio en las escuelas de cine y Nino Rota compuso una de las bandas sonoras mas importantes de la historia del cine.

Como anécdota contaros que Brando no se llenó las mejillas con algodón para adquirir esa forma de su mandíbula, sino que fijó unas bolas de resina en las muelas de atrás, el niño que bautizan no es otro que Sofia Coppola y en la ceremonia de entrega de los Oscars, Marlon Brando mandó a recoger el premio a un falso indio "Parcheen Pequeña Pluma" como rechazo a su premio.

La Paramount dobló las recaudaciones de sus anterior exito, Love Story, Coppola que había aceptado reducir su salario a cambio de cobrar parte de los beneficios que diera la cinta, hizo una fortuna.

En 1974 se estrenó la segunda parte de la secuela, para esta continuación los términos habían cambiado sensiblemente, ahora era la Paramount quien prácticamente suplicó a Coppola que la realizase, para ello no dudo en darle una parte considerable de los beneficios, así como el total control artístico.

Esta segunda parte es más oscura y compleja que la primera, la corrupción abarca todos los niveles sociales, políticos y familiares y se hace patente hasta llegar a la total decadencia moral.

Lo que hizó de esta segunda parte una de las mejores películas de la historia del cine y donde radica gran parte de su éxito, fue la audacia del director y coguionista y el atrevimiento de hacer una obra de mas de 3 horas, combinando las dos historias el presente la vida de Mike, el hijo del padrino y la vida anterior de Don Vito, sus orígenes y su llegada a America. Se trata de un ejercicio de profundización de la historia de los gángster en America y la evolución de la Cosa Nostra.


Hoy en día sigo pensando que es un enigma como está construida la cinta, en mi opinión es uno de los trabajos mas increíbles de la elipsis cinematográfica, consiguiendo un equilibrio milimetrico entre lo que decide mostrar y lo que no, basta fijarse en que existen mas asesinatos que en la primera parte, pero apenas si hay escenas sangrientas.

Esta segunda parte se introducen muchas más ambigüedades morales, frente al primer padrino en la que la familia aparecía como una especie de colectivo heroico, en esta segunda parte la familia Coleone aparece más tenebrosa y administradora de muerte. En la primera parte todo se hacia mas por honor en esta continuación no hay otro motivante que el dinero.


Yo destacaría un recurso narrativo en toda la película, aparece un contrapunto entre los dos padrinos, en la primera parte los asesinatos eran visualmente mas violentas con escenas más brutales, sin embargo el espectador se identifica mejor con estos crímenes, en ellos existe una especie de sentido catártico, en cambio la violencia de Michael en la segunda parte, es una violencia insana y superflua.




Verdaderamente es una película extraordinaria, su montaje paralelo y la secuencia alternativa de las dos historias la dota de un ritmo y un sentido inigualable. La parte dedicada a la juventud de Vito esta rodada en tono sepia, desde que era niño huye de Corleone donde su familia es aniquilada por el capo local y su llegada a los Estados Unidos a través de una especie de triage humano en la isla de Ellis.

Un aspecto a destacar en esta segunda parte , es la degeneración de los vínculos familiares que habían presidido la primera parte, hasta el punto de llegar a mostrarnos la propia separación entre Michael y su mujer. También considero que es la involución del honor, durante el mandato de Michael todo se hace por dinero, en definitiva es el ocaso de una estirpe de una saga familiar, los Corleone.



En cualquier caso se trata de un clásico, quizás el ultimo de los clásicos, habria que ir hacia atras en el tiempo, a Casablanca, Perdición, La diligencia, para encontrar una película ten intensa, tan electrica, está en la linea de un cine que por desgracia está en desuso, en la que si no ha desaparecido está a punto de desaparecer en cuanto al empeño de las productoras de hacer este tipo de obras.

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martes, 5 de junio de 2012

A vueltas con los Goya

Con bastante retraso, pero obligaciones mandan, me puse a visionar las películas nominadas este año a la categoría de mejor película en los tan espolvoreados premios Goya de nuestro país y tengo que reconocer que algunas cositas de nuestro denostado, según intereses, cine me han sorprendido gratamente. Comenzaré, como no, por la ganadora, la cinta de Enrique Urbizu tiene un ritmo frenético sobre todo al principio, me recuerda alguna película de Peckinpah con todos mis respetos, eso sí con la factura autóctona de su director, sus tonos negruzcos, sus ambientes cargados de humo y “olor” a alcohol. Mantiene dignamente la tensión, si bien el guión flojea a la mediación, deja demasiadas cosas para que el espectador las interprete y este recurso termina pasándole factura. El personaje de Santos Trinidad está conseguido por Coronado eso es irrefutable, aunque se sostiene por un triangulo constituido por la fuerza de sus diálogos (guión), su fachada salvaje (caracterización) y en menor medida por su interpretación notable siendo lo mas justos posible con José Coronado. La película es una amalgama de thriller negro, con aderezos de cine de acción y trama terrorista. No es lo que venden, pero si es una película recomendable. 


Una gratísima sorpresa me supuso EVA la primera película de Kike Maillo, da gusto ver como nuestro cine evoluciona a estos niveles. Me pareció una obra con muchísima creación imaginativa e innovadora en lo que al cine español se refiere. El guión nos muestra un drama montado alrededor de un conflicto amoroso, con algunos bajones argumentales, todo sea dicho, pero con un final deslumbrante a costa de ser previsible para los espectadores mas diestros.
Entre el elenco de actores cabe destacar el personaje de Lluis Homar que está fabulosamente interpretado en mi opinión es un personaje difícil dado que de no estar bien conseguido podría caer en el mas aparatoso de los ridículos. En resumen la película funciona y consigue emocionar a parte de los impresionante de sus efectos especiales, mención aparte de la osadía de un director nuevo para con semejante proyecto, solo nos quedaría decirnos lo de siempre podemos....


Aterradora sería la palabra que define la película de Balagueró, un thriller con bastantes tintes de terror que consigue mantener eficien- temente el pulso de la historia y el interés del espectador. A destacar el papel de Luís Tosar, representa la maldad personificada, en su papel describe al portero de un bloque de pisos de vecinos, del que el tiene acceso a través de las llaves de seguridad. Conoce todos y cada uno de los problemas de los vecinos, sus secretos y sus puntos débiles, de manera ingeniosa que va moviendo las piezas para conseguir hacer daño a todos los vecinos. La película sin duda gira alrededor de este personaje tan nocivo, vil, infame, perverso y cobarde y eso también es su punto mas débil, aunque el soberbio trabajo de Tosar bien vale su visionado. En definitiva Balagueró sigue con paso firme evolucionando con cada película, haciéndose cada vez mas grande entre el panorama cinematográfico español. Como apunte obsérvese la forma de rodar la escena de la huida del César del piso de la vecina cuando está con su novio, simplemente magnifico. Y por ultimo la película del manchego mas internacional Pedro Almodóvar, no pasará a la historia como una de sus mejores películas, aunque si por ser su primera incursión en el cine de este genero, basada en la novela Tarántula de Thierry Jonquet. El film no termina de funcionar del todo, no sabría definiros donde exactamente está el problema, si el abuso del recurso de los Flashbacks, si demasiada situación surrealista o que quizás el toque marujón que Almodóvar usa en muchas de sus pelis y que tan bien ha sido aceptada por la critica y el público, en este tipo de historias mas sombrías no consiga empastarla. En el aspecto técnico la factura es imponente, pocos cineastas en nuestro país y quizás tampoco en Europa sean capaces de estar a este nivel, la fotografía, el maquillaje y sobre todo el vestuario son una obra de arte. 


Como ciertamente decepcionante calificaría el papel de Antonio Banderas, máxime cuando creo que el personaje del cirujano Mad Doctor era una ocasión para haberse lucido y con el que Banderas podría haber sido recordado, sin duda su amistad con Pedro Almodóvar ha sido su mejor aval para conseguir el papel que después no ha sabido defender y es que Antonio se nos ha americanizado y apenas queda ya nada de aquel que en su día interpretaba al personaje de Ricky en Atame. Del resto de actores se salva una mas que digna Elena Anaya y fracasan una forzadísima Marisa Paredes y un Roberto Alamo que no puede escapar del personaje que Almodóvar reinventa y que en nada tiene que ver con la novela (vease vestido de tigre y hablando en brasileño).
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lunes, 21 de mayo de 2012

Cowboy de medianoche

Es la única cinta calificada X que ganó el Oscar a la mejor película, a mi particularmente Schlesinger me gusta mucho, sabe como contar historias con la realidad y crudeza que requiere un drama como el que nos plantea. Una película adelantada a su tiempo donde se tocan muchos y variados temas hasta entonces tabúes para la remilgada e puritana sociedad americana. El tema principal de la historia en mi opinión es la desmitificación del sueño americano y donde el fracaso de las fantasías de sus protagonistas es mitigada por la amistad, pero hay que extraerla de una maraña de espinosos asuntos como la homosexualidad, la prostitución, el abuso sexual o los traumas infanto-juveniles.

El lavaplatos tejano Joe Buck se va a Nueva York en busca de una vida de mantenido ga cambio de sus supuestos favores sexuales a mujeres de la alta sociedad y que según su forma de pensar estarían poco menos que esperándolo llegar a la gran manzana en el puente de Brooklyn. No tardará en darse cuenta de que las cosas no son así y pagará un alto precio debido a su inocencia puebleril.



Joe desamparado se asocia con el estafador Enrico “Ratso” Rizzo, interpretado magníficamente por Dustin Hoffman, un timador lisiado y tísico que le invita a compartir el cuchitril en el que sobrevive. Joe mientras se mueve por la ciudad de fracaso en fracaso, poco a poco la realidad se apodera de la conciencia de Joe y este abandona su sueño de ser un semental mantenido (momento crucial en la cinta), por el bien de la relación humana real. A partir de este instante Joe se dedicará a cuidar a su tullido amigo y a intentar hacer real el sueño de este, llegar al Florida.



La música de Harry Nilsson pegadiza y rítmica es un canto a la esperanza en medio de este intensísimo drama, donde la desesperanza y el retrato complejo de los personajes de la historia dejan al espectador claro la crueldad de la ciudad para con los protagonistas, magníficamente interpretados por Jon Voight y Dustin Hoffman ambos en su justa medida pagan sus fantasías de grandeza con la mísera e inclemente indigencia. Lo que puedo garantizaros a aquellos que la hayáis o no visto que su visionado sigue conmoviendo y haciéndonos reflexionar sobre el mundo en el que vivimos y sobre la necesidad del ser humano de sentirse amado.

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domingo, 13 de mayo de 2012

Judá Ben-Hur

Solo unos estudios como la Metro Goldwyn Mayer puede permitirse una empresa con una espectacularidad como esta y que suponía llevar a la gran pantalla de la adaptación de la novela de Wallace, señores estamos ante cine épico de lujo. Quizás el éxito de Qvo Vadis en 1951 les sugirió que las películas de romanos estaban de moda. Aún así el estudio sabia que era un proyecto costosísimo y lo preparó a conciencia, tardaron ocho años en decidirse a hacerlo realidad. Podéis imaginaros que si hablamos de los datos de producción que surgieron del proyecto no terminaríamos porque son un exceso con mayúsculas hasta caer en la extravagancia. Solo la escena final de la carrera de cuadrigas costó un millón de dólares. El centro de operaciones se estableció en Roma en los estudios de Cinecittá, se construyo una tubería de varios kilómetros para surtir a las 45 fuentes que formaban parte de la Villa romana de Quinto Arrio, se diseñaron 15000 pares de sandalias, 3000 espadas y mas de 5000 piezas de joyería, miles de togas y uniformes romanos y se transportaron 40.000 toneladas de arena de playas del mediterráneo para el suelo del circo romano. Los manifiestos excesos de la producción fue objeto de criticas de algunos intelectuales, como Mort Sahl “Loved him, hate hur” (Amado él, odiado Hur).


En el fondo es una película sobre la historia de Jesucristo, aunque el guión cuenta la historia de amistad, rivalidad y venganza que se forja desde la infancia hasta la madurez entre Judá Ben-Hur (Charlton Heston) y romano Messala (Stephen Boyd). Este ultimo acusa e instiga la condena injusta contra Ben-Hur y su familia, que tiene su epopeya final en la famosísima carrera de cuadrigas donde se consagra la venganza. Existen multitud de interpretaciones del guión, una de las mas conocidas es la de que la relación entre Messala y Ben-Hur está basada en el amor y que la relación entre ambos podría tener aspectos de homosexualidad, quizás la interpretación de Boyd en determinados instantes si lo deja entrever con la sutileza con la que hacia entonces. 


La MGM sabia lo que se jugaba en esta empresa tan ambiciosa y quería minimizar los riesgos, así que puso a dos pesos pesados de la dirección y la producción al frente del proyecto, William Wyler y Sam Zimbalist. Al frente del reparto Charlton Heston que ya había interpretado unos años antes a Moisés en Los diez Mandamientos, convirtiéndose de esta manera en la principal estrella del cine épico del momento. La segunda mitad de la cinta la realizó Andrew Marton y contó con un joven ayudante Sergio Leone (mas tarde creador del Spaghetti western), estos fueron los encargados de los 11 minutos mas electrizantes de la película la carrera de cuadrigas que tardaron dos meses en realizar.

El presupuesto total de la película fue de 15 millones de dólares y se convirtió en la película mas cara realizada hasta esa fecha. Sin embargo fueron rentabilizados por su éxito comercial, siendo la película mas vista en los años 1959 y 1960, proyectándose en todos los cines del mundo.








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lunes, 30 de abril de 2012

The hustler (El buscavidas)










“Gordo jugaste como un maestro”, le decía Eddie Felson a el gordo de Minnesota a lo que este le contestaba “Tú también relámpago”, con este epilogo terminaba una de las mejores películas de la historia del cine. Paul Newman interpreta a Eddie Felson un jugador de billar americano, dedicado al timo que se pasa su vida de garito en garito sacándole los cuartos a los jugadores de billar de medio pelo. Pero Eddie cada vez quiere más y más hasta que por fin su empresa más ambiciosa el ganar al gordo de Minessota que tiene como apoderado a un George C. Scott un prestamista con pocos escrúpulos y menos ética, pero a Eddie le traiciona su incapacidad para autocontrolarse, su carácter arrogante y el desprecio por su adversario al que una vez derrotado se empeña en pisotear y humillar.


Es una película oscura de matices amargos y dura en esencia, muy alejada de los cánones que se estilaban en la época por los grandes estudios empeñados en ceñirse al típico populismo comercial. Robert Rossen hace una adaptación genuina de la novela de Water Travis y nos obsequia con la espectacularidad de unas secuencias en blanco y negro de las salas de billar repletas de humo y personajes siniestros, planteándonos un asperísimo drama de difícil digestión.


 

Como suele ser habitual el reconocimiento de esta obra de arte se lo dió el tiempo, en su día la carrera comercial fue nefasta, hasta que llegó a Europa donde recibió todo el reconocimiento de publico y critica convirtiéndose en la película del año. Entonces empezaron a conocerse mas detalles sobre el rodaje y realización de la película, no era un secreto que Twenty Century Fox no quería que fuese Newman el encargado de dar vida a Eddie Felson, pero Newman desde que leyó el guión le encandiló de tal manera que preparó su personaje a conciencia, dicen sus mas allegados que no paraba de recorrer las distintas salas de billar de Nueva York e incluso se hizo instalar una mesa en su casa y recurrió al campeón mundial de billar Willie Mosconi y en varias semanas se hizo todo un experto en el uso del bate.

Pero la película es sobre todo una historia sobre la gente y presenta las distintas variedades del ser humano, junto a Newman hay actuaciones impresionantes como la de George C. Scout, el lacónico Jackie Gleason y la coja alcohólica retrato de un ser humano infeliz  interpretada por Piper Laurie que hace las veces de Pseudonovia de Felson. En este mundo que nos presenta Rossen la lealtad solo dura lo que dura una buena racha y la distinción entre una victoria o una derrota no existe.

Scorsese realizo una especie secuela de la historia titulada el color del dinero, que le sirvió a Newman para conquistar el Oscar que 25 años antes se le había negado. En mi opinión esta obra es sensiblemente inferior a The Hustler.





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miércoles, 11 de abril de 2012

La edad de la ignorancia

Esta película fue el reto número 21 de esta temporada y en la solución prometí dedicarle una entrada. 

Se han hecho muchas películas que tratan de la famosa crisis de la mediana edad. Algunas son excelentes, otras mejor olvidarlas. Sin llegar a la excelencia de "El compromiso", en "La edad de la ignorancia" se trata el tema de una forma bastante divertida, pero no por ello superficial.

"La edad de la ignorancia" es la tercera parte de la trilogía que comenzó Denys Arcand con "El declive del imperio americano" y "Las invasiones bárbaras". Si bien las dos primeras guardan una relación en cuanto a los personajes, en esta tercera entrega, los personajes cambian totalmente pero mantiene su análisis de la sociedad actual. En esta ocasión, Arcand nos muestra en clave de comedia agridulce la crisis existencial de su personaje Jean Marc, espléndidamente interpretado por Marc Labreche, un funcionario del gobierno de Quebeq, que lleva una existencia triste y gris. Jean Marc está casado con una agente inmobiliaria de éxito cuyo único medio de comunicación es el teléfono móvil. Ambos tienen dos hijas que pasan del reproductor mp3 a la consola de video-juegos. Si a nivel familiar el nivel de incomunicación es muy elevado, en el plano laboral las cosas no marchan mejor


Para evadirse de esta realidad, Jean Marc crea fantasías en las cuales es un gran escritor o un político de éxito. Concede entrevistas y las mujeres le desean y le comprenden. Enamorado de su principal fantasía, una actriz de éxito encarnada por una Diane Kruger realmente guapa, vive una vida paralela a la realidad. Su mundo se tambalea cuando su mujer le abandona y decide probar suerte en un baile de búsqueda de parejas. Después de varios intentos conoce a una mujer que vive la época medieval con gran intensidad. Su mundo se termina de venir abajo con la muerte de su madre en una residencia. Hubiera sido muy fácil culpar a la sociedad de todos los males que sufre Jean Marc, pero creo que no es esa la intención del director y prefiere dejar este tema abierto al debate. Cuando Jean Marc abandona a su mujer, después de que ella hubiera vuelto a casa, la réplica de su mujer resulta bastante definitiva en este aspecto:

"Algún día me gustaría que me dijeras exactamente que me reprochas.
Había que casarse y me case
.
Había que tener hijos y los tuve.
Había que tener una carrera y la tengo.
Había que destacar y destaqué. Soy la tercera mejor agente inmobiliaria de Canadá dentro de la categoría de extrarradio, del Atlántico al Pacífico
Había que saber relajarse e hice yoga.
Había que irse de vacaciones y nos vamos cada año a Cuba
Había que mantenerse joven y hago dos horas de gimnasia al día ¿que mas quieres? ¿Sexo?. Si eres tú quien nunca lo pide."

Y a renglón seguido, creo que da en el quid de la cuestión:

"[...]Ya no soporto tu arrogancia, como si fueras mucho mas inteligente que yo, mucho mas profundo, mucho mas brillante... Despierta, Jean Marc Leblanc, ¿Qué has conseguido tú en la vida?"

La crítica social esta presente en multitud de pequeños detalles, como son los grandes atascos de entrada a la ciudad, los viajes en un tren abarrotado de gente, todos hablando a través del móvil sin ningún tipo de privacidad, o la patrulla "anti-tabaco" que vela por la pureza del aire en las instalaciones en un 1km a la redonda. Encargado de las reclamaciones de los ciudadanos, cada caso que atiende durante la película es una denuncia en si misma, criticando abiertamente el sistema de detención preventiva establecido después de los atentados del 11-S o alguna ley que supongo que estará vigente en Quebec, como la que obliga a pagar la mitad de una farola a un hombre que ha perdido ambas piernas en un accidente que no ha provocado. El gobierno local de Quebeq también se lleva su parte en las críticas a través de un cursillo para enseñar a reir a los funcionarios y de esa forma reducir su estrés o con el estudio de feng-shui para mejorar la energía positiva en el lugar de trabajo mediante la instalación de una gran pecera. Tampoco se salva lo "políticamente correcto", que recibe su correspondiente crítica a través de la acusación de racismo por decir que su compañero de color "trabaja como un negro". Pronunciar la palabra negro o enano está prohibido por el gobierno.

Desde mi punto de vista, la parte más floja es el final de la película, cuando Jean Marc, ya solo, debe rehacer su vida y para ello se despide de sus fantasías. Las imágenes de Victoria Star (Diane Kruger) alejándose en la barca son suficientemente bellas como para finalizar la película ahí. Está claro que Jean Marc va a intentar rehacer su vida. ¿Cómo? Eso es algo que no viene al caso o que, en todo caso, se supone, pero creo que la escena de compota de manzana casera está de más, salvo que el director quiera mostrarnos a su personaje empezando desde cero.
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