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miércoles, 28 de marzo de 2012

'El empleo', de Santiago Grasso

No sé si ha influido la Huelga General de mañana, pero de repente me he acordado de un multipremiado cortometraje de animación: 'El empleo', dirigido en 2008 por Santiago "Bou" Grasso.

Una punzante mirada a la vida cotidiana que muchas veces deja de ser vida y pasa a ser una simple sucesión de rutinas; una vida deshumanizada, donde las personas dejan de ser personas y se convierten en un objeto más, en una simple pieza del gran engranaje del mundo; una pieza sin sentimientos, despersonalizada, sin alma.


No tengo tiempo para enrollarme (de momento os libráis, aunque no descartéis un análisis más profundo en cualquier momento en Cine y Trabajo), así que sin más os dejo aquí  el cortometraje y un making of del mismo.



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martes, 7 de febrero de 2012

'Flux': una vida en garabatos

Hoy, pensando en lo rápido que pasan los días, los meses, los años..., de repente me he acordado de 'Flux' (2002), un corto de animación en el que Christopher Hinton nos cuenta a base de garabatos, manchas y mucho humor, en poco más de 7 minutos, unos cuantos años de la vida de una pareja y su hija.

Cuenta con la producción de la NFB de Canadá, que tantos buenos ratos nos ha hecho pasar.

Aquí os lo dejo para verlo todos juntos, en familia. Espero que os guste: 

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lunes, 23 de enero de 2012

Plane Crazy (1928), un corto de Mickey Mouse

Señores pasajeros, abróchense los cinturones, que despegamos para viajar hasta 1928 con el fin de disfrutar de un cartoon clásico protagonizado por Mickey Mouse y su querida Minnie.

Este corto se lo queremos dedicar muy especialmente a nuestro amigo A. (Para que luego no digas que no  nos acordamos de ti y que no te "regalamos" nada) :-) 


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lunes, 9 de enero de 2012

CINEFÓRUM DE SOBREMESA (porque el cine nos alimenta...)
Hoy: Los Edukadores, (Hans Weingartner, 2005)

Para la presentación del cinefórum de esta semana hemos decidido embarcarnos en una novedad: realizar nuestro propio making off. Pero lo cierto es que al ser la primera vez no nos hemos atrevido a hacerlo solos, de modo que llamamos a Hans Weingartner, quien dirigió 'Die fetten Jahre sind vorbei* (Los Edukadores)' allá por el 2005, para que nos echase una mano. Muy amable Hans, quien también fue el responsable del guión junto con Katharina Held, se ha ocupado de estructurar a la perfección la entrada y ofrecernos las opiniones que guían su desarrollo. Esperamos que os guste y que pueda servir para producir un fructífero debate por aquí o en tertulias familiares.
* Traducción literal: Los años de abundancia han pasado.


Empezamos:

'Los edukadores' es una película directamente relacionada con los últimos diez años de mi vida y con querer formar parte de un movimiento político sin encontrar uno que funcione de verdad. Creo que vivimos una época en que los jóvenes anhelan un cambio político, pero no saben por dónde empezar. Es posible que la sociedad haya alcanzado tal punto de individualismo que no deja sitio para el dinamismo colectivo.


LA FUERZA DEL GRUPO

Los jóvenes saben que hay fuerza en un grupo. Si uno está solo, está perdido. El primer paso de la resistencia es conseguir ser libre. El segundo paso es encontrar aliados, unirse a personas que comparten las mismas necesidades y los mismos valores. En 'Los edukadores', Jan, Jule y Peter forman un grupo así. Los celos no pueden separarlos. Al principio, fue difícil para los actores creer que Peter podía superar la traición de Jule y de Jan. Pero, para él, la amistad significa mucho más que los rancios valores burgueses. Peter ama a Jule, pero la chica no le pertenece. Se da cuenta de que cuando ella se enamora de Jan, un amor maravilloso, sostenido por una rebelión conjunta, un rechazo compartido de las ataduras sociales. Sigue siendo amigo de ambos.
Reconozco que es una visión muy idealista de la amistad, pero es lo que siento. En la mayoría de películas alemanas, los personajes que forman parte de un triángulo amoroso acaban yendo cada uno por su lado. La gente lo llama realismo, pero no tiene nada de realista.



RESISTENCIA POÉTICA

Jan y Peter son “edukadores”. Entran en las casas de los ricos y recolocan las posesiones de sus dueños. No roban nada, no hacen daño a nadie. Pero atacan la vida de otras personas. Allá donde van, generan el caos, pero es un caos con sentido. “Edukar” es una forma divertida de vengarse de los ricos. Jan y Peter son activistas y llevan a la práctica una forma de resistencia poética.



UN JOVEN ENFADADO

Cuando tenía veinte años era como ellos. Era un chico enfadado que gritaba “¡Revolución!”, “¡Cambiemos el mundo!”. No luchábamos por los desamparados ni por un partido. Simplemente nos parecía que el sistema no funcionaba. Era igual de malo para los explotados que para los explotadores. No sólo era injusto, era alienante para todos.
Mis amigos pensaban como yo, pero ninguno de nosotros encontró un grupo político al que unirnos. No queríamos que nos dieran órdenes; como Jule, queríamos ser libres.



NO HAY RESPUESTAS CLARAS

Durante este periodo, era un okupa en Berlín. Un buen día, aparecieron cientos de policías. Tiraron las pocas cosas que tenía por la ventana, nos trataron como si fuéramos animales peligrosos y destruyeron el edificio.
Para mí, fue una experiencia traumática y me prometí a mí mismo que incorporaría la política a una película. Siempre me ha interesado el cine sociopolítico. Admiro a Michael Moore, Mike Leigh y Costa-Gavras. 'Los edukadores' es una película sobre la necesidad de un cambio político, pero no da respuestas claras porque no las hay.



LA SOCIEDAD DE LA ABUNDANCIA

Mi vida ha cambiado desde entonces, pero mis ideas básicas son las mismas, y mis personajes, Jan, Peter y Jule, las comparten. Pensamos que nadie mira el mundo desde un punto de vista crítico. Nadie dice “Despertad, esto es perverso, hay que pararlo”.
La verdad es que sólo el 10% de la población mundial forma parte de la sociedad de la abundancia. El 90% restante es pobre y pasa hambre. Cultivamos suficiente trigo para abastecer a todos los habitantes del mundo con 2.000 calorías diarias, pero la distribución de alimentos es injusta. El 90% pasa hambre mientras el 10% de la población mundial está a régimen. Todo el mundo es infeliz.
Esto podría ser un paraíso, pero para la gran mayoría es una mierda.



POR LA GENTE, NO POR LOS BENEFICIOS

Espero que 'Los edukadores' haga entender a la gente lo que hacen los enormes conglomerados. Construyen un sistema económico en el que el ser humano no significa nada, el dinero lo es todo.



DIVERTIDO

A pesar de todo, la idea de “edukar” es divertida. La película tiene mucho humor y alegría. Leí en alguna parte que un niño se ríe 150 veces al día, mientras que un adulto sólo lo hace 10 veces al día. Quiero que la gente se ría. Quiero que vayan a ver la película y lo pasen bien.



LA GENERACIÓN DEL 68

También quiero que la gente piense en sus padres. No lo digo por falta de respeto a la generación del 68. Liberaron a la sociedad e introdujeron un sinfín de reformas, pero los rebeldes de ayer se han convertido en los conservadores de hoy.
Hardenberg, el hombre de negocios cincuentón de la película es el perfecto ejemplo de un antiguo radical reformado. Se ha convertido en una de las personas contra las que luchaba. En mi opinión, es algo muy común. La vida cambia con el tiempo. Las personas se vuelven fatalistas. Dirigen sus energías hacia nuevos objetivos, fines más egoístas. Adquieren responsabilidades tremendas. Ya no son los mismos. No es que rechacen las ideas de antes, simplemente reniegan de ellas sin darse cuenta.



PRISIONEROS DE SUS POSESIONES

Otro tema de la película es deshacerse de los temores. Es importante poner fin a la ansiedad, dejar de preocuparse por la seguridad. La libertad es más intensa que la seguridad, también es más emocionante. Las recompensas son mayores.
Tengo una noción muy particular de lo que significa el ser humano. Creo que los seres humanos son nómadas, necesitan ser libres. Hoy en día, muy pocos lo son. La mayoría, como Hardenberg, son prisioneros de sus posesiones. Alguien dijo una vez: “Lo que posees acabará por poseerte”.



UNA HISTORIA CONTADA A TRAVÉS DE LOS ACTORES

En una película como 'Los edukadores' todo gira alrededor de los actores. La cámara debe seguirles como si determinaran la forma de cada toma. Deben sentirse libres y poder moverse a sus anchas. La colocación de la cámara no debe ser determinante para ellos. Esta idea encaja con la idea de libertad, espontaneidad y ligereza que tiene la película.



BUSCANDO A JAN, JULE Y PETER

Escribimos el papel de Peter pensando en Stipe Erceg después de verle en la película de un amigo. Daniel Brühl llegó mucho más tarde, cuando un proyecto anterior fracasó. Para nosotros, fue una suerte. Stipe y Daniel estan perfectos juntos. Daniel es un gran actor. Además, nos llevamos bien y tenemos los mismos gustos. Eso facilita mucho las cosas.
Fue mucho más difícil encontrar a alguien para el papel de Jule. Tardé ocho meses en encontrar a Julia Jentsch y cuando le propuse el papel me dijo que acababa de firmar otro contrato. Tuvimos que adelantar el rodaje dos semanas y dividirlo en dos periodos. Fue horroroso, pero sabía que teníamos el reparto perfecto, que los actores encajaban de maravilla. Julia es sensible y frágil, pero también es fuerte. Tiene una gran fuerza interior que mantiene a raya deliberadamente durante la primera mitad de la película para liberarla después. Nadie podría haber interpretado a Jule como ella.


ENCONTRAR A HARDENBERG

Escogí a Burghart Klaussner para el papel de Hardenberg, el hombre de negocios, casi inmediatamente. Me di cuenta de que la energía y las vibraciones entre nosotros era buena. Prefiero reescribir un papel para que encaje mejor con un actor antes que descartar a un actor que me gusta porque no es idóneo para el papel. Doy total libertad a los actores. Ellos llevan el peso de la película. Era una experiencia nueva para Burghart, pero no tardó en lanzarse y usar todo el espacio que le daba.


TECNOLOGÍA DIGITAL

Rodamos con material digital, sin luces artificiales. Iluminar lleva tiempo y dinero, da igual que se ruede en 35 mm o en DV. Hay películas sensibles de 35 mm, pero son muy caras. También fue muy importante decidir que toda la película se rodaría cámara en mano. Nos permitió explorar el espacio más a fondo y los actores podían moverse libremente. Acabamos con una película muy ágil en la que los actores y el equipo bailan unos alrededor de otros.



ANTE TODO, COSAS SIMPLES

Intenté diseñar este rodaje exactamente como mi primer largometraje, reduciendo las complejidades técnicas al mínimo para poder centrarme en los actores. Además, mantuvimos el presupuesto realmente bajo deliberadamente. Cuanto más dinero, mayor presión. Con un equipo técnico restringido, me fue posible diseñar la agenda que quería – no siempre, pero casi. La gran ventaja de un rodaje de este tipo es la rapidez. Se puede poner una idea en práctica casi al momento. Tiziano dijo que “no había arte sin improvisación”, y estoy de acuerdo con él.
Hay que dejar espacio para el azar y saber aprovecharse del momento. Mis mejores ideas siempre me vienen durante el rodaje, por eso necesito un equipo flexible.



REVOLUCIÓN

Los jóvenes están hechos para ser rebeldes. La mayoría de revoluciones fueron hechas por jóvenes simplemente porque tienen la energía necesaria. Son energía pura. La sociedad necesita esa energía para su desarrollo y su renovación. Alguien debe cuestionar todo lo cuestionable para que sólo quede lo bueno y lo malo cambie. Pero, ¿dónde está la energía ahora? Quiero que el espectador salga del cine con ganas de usar su energía revolucionaria.

No os quedéis parados, ¡rebelaos! Se pasa bien.


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Gracias, Hans, por tus palabras.
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¡Atención, que cuento el final! ¡Spoiler como la copa de un pino! 

Una nota sobre el final de la película: en la versión que se puede encontrar en España, el final es un tanto ambiguo pero parece apuntar a que el empresario los traiciona. Sin embargo, al parecer se recortaron algunos planos y en la versión original alemana queda claro que el empresario ayuda a los jóvenes a escapar y pone los medios para cumplir el plan de Jan de destruir el control de los satélites de televisión en Europa. Así, la llegada de los polícías al piso de los jóvenes formaría parte de un plan conjunto entre éstos y Hardenberg, y la nota se podría referir al empresario pero de una forma totalmente diferente a la que sugiere la versión española.

Fin del spoiler
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Somos conscientes de que disfrutar por completo de esta entrada lleva tiempo. Obviamente sois libres de hacer lo que queráis, pero queremos animaros a que vayáis viendo poco a poco los vídeos insertados, porque creemos sinceramente que merecen la pena.

El texto del director Hans Weingartner, está extraido del dossier de prensa de Golem.

Para acabar, os dejamos un breve poema de Bertolt Brecht:

Über die Gewalt. 
Der reißende Strom wird gewalttätig genannt, aber das Flußbett, das ihn einengt, nennt keiner gewalttätig. 

(Traducción: "Sobre la violencia. Al río que todo lo arranca lo llaman violento, pero nadie llama violento al lecho que lo oprime").



En el próximo cinefórum hablaremos de... Cero en conducta

Dentro de dos semanas, es decir el día 23 de enero, os proponemos seguir hablando de jóvenes que se rebelan. Esta vez de la mano del malogrado Jean Vigo y su mediometraje 'Cero en conducta (Zéro de conduite, 1933)', la tercera y penúltima de sus películas.

Como es habitual, os dejamos algunos enlaces. No muchos, que ya os hemos puesto mucha tarea con los vídeos de arriba:

- En Cine y Educación se le dedica un merecido espacio a esta película.
- También Alfredo le dedica una entrada más que recomendable en 39 escalones.
- En The Criterion Collection encontramos un Film Essay de B. Kite.
- Por último, para no perder las costumbres, podéis echar un vistazo a los comentarios de Filmaffinity y a Wikipedia.
Aunque, como siempre, os recomendamos buscar la mejor copia posible, esta vez sí que la hemos encontrado online en V.O.S.


 
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miércoles, 4 de enero de 2012

Svankmajer es visitado por los hermanos Quay

Svankmajer, según Arcimboldo
Hace un tiempo ya que en este espacio le dedicamos una entrada al genio checo. Y es bien sabido que en nuestras cocinas, las técnicas del stop-motion nos son muy queridas. Pues bien, siguiendo con los hermanos Quay, a la que hace dos días le dedicamos una primera entrada, hoy os traigo una muestra de su obra. Se trata de un homenaje a Svankmajer titulada El gabinete de Jan Svankmajer (The Cabinet of Jan Svankmajer, 1987), de los hermanos Quay. En él, vemos una figuración de Svankmajer -transfiguración de El bibliotecario, de Arcimboldo-, que se mueve a placer por la estancia repleta de objetos. Un muñeco, supongo que la figuración de un aprendiz -los propios Quay, me aventuro a pensar- asiste al repertorio iconográfico que el bibliotecario le muestra. Estructurado en nueve capítulos de azarosa disposición y con el valor transgresor de un humor radical, entraremos en un panteón surrealista donde Breton, Carroll, Lautreamont, Kafka, Poe o Arcimboldo decoran el taller de Svankmajer (que se simultanea en los siglos XVI y XX). De la mano de este muñeco visitante, jugaremos con el objetuario (perdón por el palabro) que los adictos a Svankmajer reconocemos al instante: los cajones (acuérdense de Alice), los huesos, los mapas, las piedras... ¡Que lo disfruten!


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martes, 20 de diciembre de 2011

Sobre el reto y las navidades... Y de paso, dos cortos navideños

Pues otro año más tenemos las navidades encima. Tras mirar el calendario, viendo cómo caen las fiestas, hemos decidido suspender el reto de los viernes hasta el viernes 13 de enero. Sí, amigas y amigos, tres semanas sin reto para dejar a las neuronas que descansen de tanto pensar y así ayudar a que las tengáis a tope para afrontar los excesos de champán y atracones familiares (en todos los sentidos que conlleva la expresión).

Confieso que es una época que no me gusta demasiado, pero ¡qué narices!, ya que no nos queda más remedio que aguantar lo que se nos viene encima, vamos a aprovechar para recordar un par de cortometrajes relacionados con estas fechas. Muy diferentes y muy alejados en el tiempo y en el espacio.

Empezamos con Władysław Starewicz, nacido en Moscú de padres polacos, trabajó en Lituania, Rusia y Francia. Uno de los pioneros de la animación en general y del stop-motion en particular. Os proponemos ver 'Rozhdyestvo Obitatelei Lyesa (La Navidad de los insectos)', de 1913. Todo un clásico, una joya indiscutible.


Por su parte, Rodrigo Blaas es el responsable de 'Alma', de 2009, trabajo de animación digital. Blaas nació en España, pero su carrera se ha desarrollado sobre todo en Estados Unidos (trabaja en Pixar). Espero que os guste.




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miércoles, 7 de diciembre de 2011

"Dreams of a Rarebit Fiend", Pesadillas de Winsor McCay

Winsor McCay nació para dibujar. Aunque su padre quiso que se dedicara a los negocios, el joven Winsor se negó. Tras trabajar haciendo caricaturas en un dime museum de Detroit, se trasladó a Chicago, donde diseñó carteles y programas para la National Printing and Engraving Company. Trabajó también para el dime museum de Cincinatti. Allí comenzó a a colaborar en diversos periódicos locales encargándose de las ilustraciones. Entre 1899 y 1903 también puso su arte a disposición del semanario humorístico Life.

Su primera tira de prensa, "Tales of the Jungle Imps of Felix Fiddle", se publicó entre enero y noviembre de 1903 en el Cincinnati Enquirer. Este trabajo hizo que James Gordon Bennett se fijara en él y le ofreciera ir a Nueva York para colaborar en el New York Herald y el Evening Telegram. Para estas publicaciones creó algunos títulos memorables, como "Little Sammy Sneeze", "Little Nemo in Slumberland" (ambos aparecieron en el New York Herald) o el que nos ocupa, "Dreams of a Rarebit Fiend", que se publicó en el Evening Telegram entre el 10 de septiembre de 1904 y el 25 de junio de 1911, firmado con el seudónimo Silas. La carrera de McCay continuó de forma fructífera, desarrollando en paralelo su faceta como historietista y como cineasta.

Tanto "Little Nemo" (que en 1911,  renombrado "In the Land of Wonderful Dreams", pasó al New York American y otros periódicos de William Randolph Hearst) como "Dreams of a Rarebit Fiend" se basan en el mundo de los sueños. El primero, más infantil, se centra en lo bonito y placentero del mundo onírico. El segundo, dirigido al público adulto, en el mundo de las pesadillas y los sueños incómodos.

De "Dreams of a Rarebit Fiend", cuya traducción literal sería "Sueños de un entusiasta del Rarebit", se puede encontrar una selección de aventuras editada por Laertes Cómic bajo el título "Pesadillas de Cenas Indigestas". Winsor McCay describe las pesadillas que se pueden sufrir si uno se acuesta después de haber cenado Welsh Rarebit en grandes cantidades. Aborda los temores de la clase media urbana, recurriendo y refiriéndose en algunas historias a acontecimientos sociales y políticos de la época, desde un punto de vista ácido, irónico y en ocasiones crítico. Altamente recomendables. Algunas, obviamente, han quedado un poco anticuadas, pero todas tienen un valor incuestionable y muchas son verdaderas joyas.

En 1906, Edwin S. Porter realizó una primera adaptación cinematográfica, de seis minutos de duración.


En 1921, el propio Winsor McCay, pionero en esto del cine y la animación, hizo tres películas de animación basadas en sus "Pesadillas": 'Dreams of the Rarebit Fiend: The Pet', 'Dreams of the Rarebit Fiend: The Flying House' y 'Dreams of the Rarebit Fiend: Bug Vaudeville'.



A lo mejor alguno se pregunta qué es eso de Welsh Rarebit. Pues bien, básicamente es una comida considerada "de taberna" que consiste en una tostada de pan con una mezcla de queso, cerveza y otros ingredientes horneada. Os dejamos un par de recetas para que los "cocinillas" os lancéis a por el delantal:

INGREDIENTES

6 rebanadas gruesas pan, 400 gr. queso cheddar rallado, 60 gr. mantequilla, 2 huevos, 3 dl. cerveza, 2 cucharas de café de Mostaza, 1/2 cuchara de café de paprika, sal y pimienta


PREPARACIÓN

Poner las rebanadas de pan en una bandeja de horno. Batir los huevos. Fundir la mantequilla y verter 20 cl. de cerveza, añadir el queso rallado y obtener una pasta homogénea. Añadir los huevos y salpimentar. Cocer 2' y retirar del fuego. Agregar dos cucharadas de mostaza, paprika y la cerveza restante. Incorporar al preparado de queso. Repartirlo sobre las rebanadas de pan e introducir 2' en el horno bajo el grill.

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INGREDIENTES

4 rebanadas de pan de molde grueso sin corteza 125 grs de queso cheddar rallado grueso 1 cucharadita de mostaza 1 huevo poco batido 1 pizca de pimienta blanca 2 cucharadas de cerveza mantequilla a temperatura ambiente

PREPARACIÓN

Precalentar el horno a 200ºC. Mezclar el queso con la mostaza y la pimienta. Agregar el huevo y la cerveza. Dejar reposar un rato. Untar cada tostada con mantequilla y cubrir con el preparado de queso. Llevar al horno y dejarlas hasta que el queso esté dorado. Listas para comer.

¡¡¡Buen provecho!!!

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martes, 29 de noviembre de 2011

La sombra de Malcolm Sutherland, una paradoja autorreferente

Malcolm Sutherland es un ilustrador y animador canadiense. Nació en Calgary (Alberta), y estudió Grabado en el ACAD. Después se trasladaría a Montreal en 2002 para dirigir un corto animado para la NFB. Allí estudió Cine en la Universidad Concordia.

Su producción (ilustraciones, cómic y animaciones) tienen un corte experimental que lo aleja del gran público. Dispone de un par de sitios web (enlace 1 / enlace 2) donde podemos rastrear parte de esta producción. Ya que las fuentes habituales (IMDB, Filmaffinity o Wikipedia) ofrecen poca o ninguna ayuda, vale la pena que indaguemos por Youtube y Vimeo.

Como muestra, os traemos su cortometraje más conocido, Umbra (2010). Para explicarlo, voy a recurrir a un dibujo, unos versos y una teoría.


M. C. Escher, Ascending and descending
El conocido dibujo de Escher, los ¿monjes? que dan vueltas subiendo (o bajando) en el plano real, pero sometidos a una geometría no euclidiana, siempre llegan al mismo sitio. Lo real y lo ilusorio actúan al mismo tiempo, como si las fronteras entre uno y otro se desdibujaran, o estuvieran sometidas a una lógica trascendental.

Jorge Luis Borges escribió:

Acaso un dios me engaña.

Acaso un dios me ha condenado al tiempo, esa larga ilusión.
[…]
Quizá no tuve ayer, quizá no he nacido.
Acaso sueño haber soñado.

Por último, un somero análisis sobre las paradojas. Concretamente, las autorreferenciales, aquellas en cuya arquitectura cíclica comparece la idea de infinito. Una paradoja autorreferente concluye en un doblez de interpretación, a la vez verdadera y falsa. La más conocida, la del mentiroso, afirma: Soy un mentiroso. Si digo la verdad afirmando que soy un mentiroso, la proposición sería falsa. Si por el contrario, he mentido al decir que soy un mentiroso, lo que dice la proposición sería correcto, lo que invalida a su vez la afirmación.

A mí me gusta mucho la paradoja de Russell (popularizada como la del barbero), que en definitiva viene a decir que si un conjunto contuviese a todos los conjuntos que no se contienen a sí mismos, ese conjunto debería ser elemento de este conjunto, lo cual es absurdo, y viceversa. Si no estuviera contenido en este conjunto, éste sería incompleto, pues faltaría un elemento.

Si aquel dibujo, esa cita borgiana y las paradojas autorreferentes logran o no explicar el cortometraje de Sutherland, como cabría esperar, no es verificable. Espero, al menos, que disfruten con su visionado, como quien halla placer en la tortura, visión en la ceguera, o destellos en la podredumbre.



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martes, 6 de septiembre de 2011

El verano acaba, pero otras cosas vuelven

Los kioskos se llenan de coleccionables. En mi pueblo, ya va haciendo falta una sabanita por la noche. En el orden de mis lentos asesinos, la alergia reemplaza al calor que me mataba hace apenas una semana. ¿Hubo una canción del verano? No lo sé (no me importa). El fin de semana se llena de gente que apura su tiempo para darse los últimos chapuzones en la playa... ¡Pero si ya no hace tiempo!

La cinefilia (cinemanía, cinefagia), que también ha remoloneado en este sitio tanto como nos ha sido posible permitírnoslo, pero que se ha nutrido de algún cinefórum que otro, alguna lectura que nos ha vuelto tan sabios (ya se nos nota en la cara), y con la mirada siempre puesta en el cine aunque a veces tuviéramos que mirarlo de lado; el amor al arte (el séptimo) y por amor al arte (sin lucro y a saber por qué) nos empuja, otra vez, a volver al trabajo.

Un escandalizado amigo ya nos lo recordaba el otro día "s'acabao el verano". ¡Pedazo de sentencia! Pues hala, no sólo va y se carga el verano de un mero plumazo, sino que además nos insta, amablemente, a retarlo.

Pero no queremos empezar el reto de buenas a primeras, no vaya a ser que alguno aún esté en Cancún y tenga menos opciones de llevarse el premio. Por si acaso, lo avisaremos en el menú lateral... El reto volverá el próximo 7 de octubre (apúntalo en la agenda, Ricar2). Hemos pensado (no os alarméis, ha sido poquito rato) en cambiar algunas cosillas que en su momento os contaremos con detalle, como el actual sistema de puntos o no limitarnos a la presentación de un fotograma. De momento, no hay más avances de esta quinta temporada.


Además del reto, seguiremos con nuestras secciones habituales. Como siempre, estamos abiertos a cualquier sugerencia que tengáis a bien remitirnos. Valga esta entrada para darle carpetazo al verano y anunciar la puesta en marcha del sitio que ha funcionado al ralentí estos últimos meses.

Así, la semana que viene, el día 12 de septiembre, volvemos a abrir las puertas del Cinefórum. Para esta reapertura hemos seleccionado '2001: A Space Odyssey (2001: Una odisea del espacio, 1968)', de Stanley Kubrick. Para preparar el tema o simplemente para pasar un buen rato os recomendamos esta página.

Para terminar, por si alguno no lo ha visto, regalaros el oído y la vista con este sensacional trabajo de la Disney (saben hacer las cosas bien cuando quieren). Recreando el estilo de Al Hirschfeld (que supervisó el trabajo) y con la música de Gershwin, a quien veremos también en el vídeo (muy animado, eso sí). Espero que lo disfrutéis.

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martes, 9 de agosto de 2011

¡¡¡Algo se está moviendo en esa pared!!!

También podríamos titular esta entrada: "Cuando el arte urbano cobra vida".

Vamos a acercarnos a Blu, un artista italiano cuya verdadera identidad no se ha hecho pública. Blu se dio a conocer en 1999, momento en que decoró varios muros de Bolonia, lugar donde se supone que vive. Sus primeros grafitis los realizaba con sprays, pero dos años más tarde decidió servirse de escaleras y rodillos, lo que le permitió crear composiciones de mayor tamaño e impacto.

Divertido, irónico, a veces agresivo, con toques surrealistas y con una enorme carga política y moral, Blu ha dejado su sello en varias ciudades a lo largo y ancho del mapa.

Pero si hablamos de Blu en este blog es por su faceta como animador. En concreto os proponemos ver algunos de los cortometrajes de animación que ha hecho sobre edificios. Utilizando paredes, aceras, tuberías y todo lo se le pone por delante dota a sus dibujos de movimiento logrando unos trabajos espectaculares.

El primero que os recomendamos para ir abriendo boca es 'Letter A', del año 2007.

Letter A from blu on Vimeo.

Para seguir, os dejamos aquí 'Muto', de 2008, con música de Andrea Martignoni. Este corto incorpora 'Fantoche', de 2007.


Para terminar con esta selección, os sugerimos una colaboración con David Ellis (otro artista también interesante): 'Combo', de 2009.


Por si alguno quiere saber más sobre Blu o ver más vídeos, aquí os dejamos unos enlaces:

- Wikipedia en su versión en inglés.

- Su página oficial.

- Página en youtube de Blu.

- Página en vimeo de Blu.
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lunes, 25 de julio de 2011

Cartoons con cameos

Pat Sullivan,
"Padre" de Felix the Cat

Vamos a empezar la semana con algo de animación. Para suplir el Cinefórum que estaba previsto para hoy os traemos un par de cortos que ayuden a empezar con ánimos la semana. Dos piezas clásicas imprescindibles.

Seguro que algunos ya las conocéis, pero es un gustazo repasarlas de vez en cuando. Siguiendo, aunque de forma un poco más tangencial, con el tema que iniciamos con Capelito del cine dentro de la animación, en ambos cortos aparecen unos cuantos personajes famosos del mundo del séptimo arte caricaturizados.

Para comenzar, nos remontamos a 1923, concretamente con una de las historias más famosas del archiconocido Félix el Gato: 'Felix in Hollywood (Félix en Hollywood)'. Félix tras diversos avatares llega a Hollywood y prueba suerte en unos estudios de grabación. De los personajes con los que comparte pantalla en este corto tenemos ubicados a Gloria Swanson, Ben Turpin, Will Hays, Charles Chaplin, Douglas Fairbanks y William S. Hart. El director que aparece al final puede ser Cecil B. DeMille. A ver si alguien identifica al personaje que aparece sentado con el puro, que no lo tenemos nada claro. Al parecer 'Felix in Hollywood' es el primer título de dibujos animados donde aparecen caricaturizados personajes reales de Hollywood.


El otro corto que os proponemos ver hoy data de 1947. 'Slick Hare' se desarrolla en el "The Mocrumbo", una parodia del Mocambo nightclub de Los Ángeles. Bugs Bunny y Elmer Fudd comparten cartel con Humphrey Bogart, Leopold Stokowski, Gregory Peck (alusión a 'Recuerda'), Ray Milland (reconocible homenaje a 'Días sin huella'), Frank Sinatra, Los Hermanos Marx, Sydney Greenstreet, Carmen Miranda y Lauren Bacall.


"That's all Folks!"

... Por hoy ;-)
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lunes, 18 de julio de 2011

'Capelito Cineasta': Animación en la animación

Como ya anunciamos, el lunes que viene hablaremos de 'The Purple Rose of Cairo (La rosa púrpura del Cairo, Woody Allen, 1985)'. Como ya sabéis, esta película incluye un tema que ha atraído a muchos cineastas desde el comienzo de este arte: el cine dentro del cine. No vamos a detenernos en enumerar todas las cintas que han tratado dicho asunto, pero si alguien está interesado aquí tenéis una lista con unas cuantas.

Hoy vamos a centrarnos en algo muy ligerito. Os proponemos ver un capítulo de 'Capelito', serie para TV dirigida por Rodolfo Pastor y realizada utilizando la técnica de stop-motion con plastilina. Esta serie ha ganado numerosos premios a lo largo y ancho del mundo. Aunque está dirigida a los más pequeños merece la pena dejar que salga el niño que todos llevamos dentro y disfrutar de las aventuras de ese hongo con nariz mágica que es Capelito. Si tenéis peques revoloteando por ahí podéis disfrutarlo y compartirlo con ellos.

En 'Capelito Cineasta' el protagonista decide rodar una película en la que además utiliza stop-motion. Con lo cual tenemos un rodaje dentro de la pantalla y animación dentro de la animación. Esperamos que os guste.

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domingo, 19 de junio de 2011

Yuri Norstein: 'El Cuento de los Cuentos'

Yuri Norstein nació en 1941 en Andreyevka, al oeste de Moscú, cuando sus padres, que eran judíos, escapaban de la invasión alemana durante la Segunda Guerra Mundial.

A Norstein siempre le gustó pintar y de hecho estudió en un Escuela de Arte, pero sus primeros pasos profesionales los dio en una fábrica de muebles. Decidió hacer un curso de animación de dos años y acto seguido encontró trabajo en Soyuzmultfilm en 1961. Allí empezó como animador en obras de otros autores, hasta que en 1968 realizó su primer trabajo como director: '25-e - pervyy den (El día 25, el primer día)', codirigido con Arkadii Tyurin.

En los trabajos de Yuri Norstein destaca la atmósfera que imprime en todos y cada uno de los fotogramas, así como su personal estilo y su gran dominio tanto de dibujo como de pintura. Otro punto a destacar en la obra de Norstein, es la música. En este aspecto demuestra tener muy buen gusto (al menos a mi parecer) y una enorme sensibilidad a la hora de seleccionar las piezas sonoras de sus cortometrajes.

En cuanto a la técnica, Yuri Norstein es un maestro absoluto utilizando la animación en cutout (cutout animation o animación de recortes), técnica con la que consigue unos resultados sorprendentes. Para dotar a sus trabajos de un aspecto tridimensional no estereoscópica, utiliza la cámara multiplano, que consiste básicamente en colocar la cámara mirando hacia abajo enfocando una serie de láminas de vidrio separadas entre sí, en las cuales se colocan los diferentes elementos que conformarán la imagen a diferentes niveles para dar la sensación de tridimensionalidad. Estas placas de vidrio se pueden mover individualmente en horizontal y en vertical (acercándose o alejándose de la cámara).

El corto que hemos seleccionado es 'Skazka skazok (Сказка сказок; El cuento de los cuentos)', de 1979. Norstein huye del guión convencional y estructura la historia simulando el funcionamiento de la memoria humana. Teniendo en cuenta que los recuerdos no se recuperan en orden cronológico, sino que son evocados por la asociación de una cosa con otra, Norstein nos muestra una serie de situaciones, personajes e imágenes que se entremezclan a lo largo del metraje y que se van asociando en la cabeza de cada espectador.

En cuanto a la música, la partitura original la compuso Mikhail Meyerovich. También podemos escuchar fragmentos del "Preludio en Mi bemol menor BWV 853" de "El clave bien temperado" de Bach y del "Concierto para piano No. 04 en sol mayor, K41 - II. Andante" de Mozart. También suena el tango "To Ostatnia Niedziela", compuesto por Jerzy Petersburski. Y no podemos olvidarnos de la canción de cuna tradicional rusa que aparece en la película, tanto en versión instrumental como con letra.

Muchas situaciones del cortometraje derivan de esta nana, así como el personaje del lobito gris. De hecho, el título que se había pensado en principio era 'El lobito gris vendrá', pero fue rechazado por la censura soviética. El título final tiene su origen en un poema de Nazım Hikmet que se titula así.

'El cuento de los cuentos' fue elegido en las "Olimpiadas de la Animación" que se celebraron en 1984 en Los Ángeles como la mejor película animada de todos los tiempos. Aquí os lo dejamos, con subtítulos en italiano o en español. Que lo disfrutéis.


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miércoles, 16 de marzo de 2011

'Carrotblanca': Un divertimento de la Warner Bros

Hola amiguitos y amiguitas. Hoy os proponemos algo ligero: ¿Qué os parece si vemos unos dibus?

Y qué mejor que recurrir a los Looney Tunes, esos personajes con los que tanto hemos disfrutado de pequeños... Y de no tan pequeños...

Os traemos un cortometraje de 1995 titulado 'Carrotblanca' que, como podéis suponer por el título, es una parodia de la mítica 'Casablanca'. Por él desfilan los más grandes actores... quiero decir, personajes, del Universo Warner. Creo que es el único corto donde soporto a Piolín: está de Oscar. Impagable.

Alguno a lo mejor ya lo conoce, porque tuvieron el acierto de incluirlo como extra en una edición en DVD de 'Casablanca'. Pero para el que no lo conozca y para el que quiera revisitarlo, aquí os lo dejamos.




¡¡¡Eso es todo, amigos!!!.... Por hoy...
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viernes, 16 de julio de 2010

'Bienvenidos a Belleville' de Sylvain Chomet

Como todos sabréis ya, España ha ganado el Mundial de fútbol, así que he decidido que podemos hablar de ese acontecimiento que tantas alegrías nos ha dado: el Tour de Francia.

Ahora en serio, el otro día haciendo zapping me topé con el Tour de Francia y me acordé de una película que, en mi humilde opinión, es de obligado visionado para cualquier aficionado al cine.

Se trata de ‘Bienvenidos a Belleville’ (‘Les Triplettes de Belleville’), una más que interesante película de animación.

Tras el éxito cosechado con el cortometraje ‘La anciana y las palomas’ (‘La vieille dame et les pigeons’), Sylvain Chomet alentado por Didier Brunner se puso manos a la obra para sacar adelante un proyecto de una película en tres partes. La primera sería el ya nombrado cortometraje. El segundo fragmento giraría en torno a una hermana de la primera anciana a la que le encantaría montar en bicicleta y la tercera parte sería otra hermana que tendría un motel en Quebec (aquí aparecerían las ranas que tanto juego dan en el largo). Pero al empezar a desarrollar la segunda sección, Chomet se dio cuenta de que tenía suficiente material como para hacer un solo largometraje. El proyecto dio un giro radical, quedando desvinculado totalmente de ‘La vieille dame et les pigeons’. Se integraron ideas de la segunda y la tercera parte y se cambió el diseño de la anciana por culpa de la desorbitante cantidad de dinero que pidió el coproductor del corto por usar el mismo personaje. Nació así Madame Souza, la protagonista de ‘Bienvenidos a Belleville’.

Estrenada en el año 2003 tras un periodo de preparación de cinco años, este filme nos cuenta la historia de Champion, un niño tristón que es criado por su abuela, Madame Souza. Ésta intenta por todos los medios que el chico esté contento, pero no logra arrancarle la más mínima sonrisa. Hasta que un día descubre por casualidad su afición por el ciclismo y decide regalarle una bicicleta. Desde ese momento Champion y su abuela, con unos métodos poco ortodoxos, persiguen un único objetivo: que el muchacho compita en el Tour de Francia.

Y lo consiguen. Pero en la súbida del Mont Ventoux, Champion es secuestrado, junto con otros compañeros, por la mafia francesa, que los lleva en pos de sus maquiavélicos planes allende el océano, a la ciudad de Belleville.

Pero Madame Souza no está dispuesta a perder a su nieto y va en su busca, siempre acompañada de Bruno, el perro que ha crecido junto con Champion. En Belleville conoce a las famosas Triplettes de Belleville, tres estrellas de music-hall de los años 30 que acogen a Madame Souza y a Bruno y los ayudan en su causa.

No es una película de animación al uso. Para empezar, apenas tiene diálogos (ni falta que le hace). Se basa, sobre todo, en la gestualidad del dibujo y en la espléndida música (la banda sonora es impresionante). Según cuenta Sylvain Chomet:

“Para mí cuando llevas todo el día trabajando en una animación y llega el momento en que ves cómo los dibujos se mueven, se convierte en un momento mágico, y no hay ningún sonido. También creo que una animación sin las restricciones de las palabras habladas tiene más fuerza. Si tienes que hacer que todo cuadre con las palabras, todos los movimientos gestuales giran en torno a la boca. Sin ellas eres mucho más libre para crear animación verdadera, para hablar a través de la propia animación. La animación modelada en torno al diálogo es como algo que ya ha sido grabado en piedra, hay menos margen para la interpretación. Siempre he querido que los animadores aporten algo de esto.”

Uno de los mayores encantos de esta película es el diseño de los personajes y de los escenarios. Los personajes son feos, desproporcionados, caricaturescos incluso. Pero a la vez tienen una belleza en el trazo y una expresividad insuperables. Los escenarios están cuidados al detalle. Desde la casa de Champion y Madame Souza, hasta la impresionante ciudad de Belleville (inspirada en Nueva York, Quebec y Montreal), pasando por las imágenes del Tour de Francia y la casa de las Triplettes, en todos y cada uno de los lugares encontramos mil motivos para recrearnos.

También resulta sorprendente el uso de las perspectivas y la composición de los planos a lo largo de todo el metraje. Y lo mejor es que se nota que quien ha planificado esto sabe lo que se está haciendo.

La base de la película es la animación 2D tradicional, pero complementada y ayudada con efectos digitales. La verdad es que se logra una fusión muy interesante, tomando lo mejor de ambos métodos.

En ‘Bienvenidos a Belleville’ podemos encontrar varios “cameos” de famosos. Muchos aparecen al principio de la película. Tenemos, por ejemplo a Spike Jones, Fred Astaire, Josephine Baker, Django Reinhardt (que además tiene un tema llamado ‘Belleville’) , Charles Trénet, Glenn Gould, Jacques Anquetil y Charles de Gaulle. También aparece Olivia, la novia de Popeye, en una foto.
Otros guiños que podemos encontrar son la aparición de un poster de ‘Gertie, The Dinosaur’, de Winsor McCay o una foto de Charles Chaplin.

Y mención aparte merece el homenaje a Jacques Tati. Aparte del cartel de ‘Las vacaciones del señor Hulot’ colgado en la casa de las Triplettes de Belleville, vemos a éstas disfrutando de ‘Día de fiesta’.

También se rinde tributo mediante el estilo de animación, sobre todo en la parte en blanco y negro del principio, a algunos clásicos del género, como Tex Avery y Max Fleischer. Escondido por ahí hay algún toque anti-Disney. Por ejemplo, vemos la foto de un personaje en Disneyland con una piruleta que dice “Sucker”.

Son destacables los estupendos brochazos de surrealismo que aparecen a lo largo de toda la película. Por ejemplo, los sueños de Bruno, el perro. O la forma de cazar ranas de una de las triplettes. O la impresionante persecución final.

Este largometraje recibió, merecidamente, un montón de premios y nominaciones, incluyendo dos nominaciones a los Oscar, como Mejor Largometraje de Animación (se lo arrebató ‘Buscando a Nemo’) y a la Mejor Canción Original por el tema “Belleville Rendez-vous”.

En conclusión: una verdadera joya que creo que gustará a todo aquel que disfruta de la animación y a muchísimos de los que huyen de ésta, porque ‘Bienvenidos a Belleville’ es totalmente diferente a la animación que nos suele llegar.

Preparando esta reseña he descubierto que Sylvain Chomain tiene una película nueva, ‘L’Illusionniste’, basada en un guión no rodado de su admirado Jacques Tati. A ver si se animan a estrenarla en este país…

Para finalizar os dejo el cortometraje ‘La anciana y las palomas’ por si os apetece pasar un buen rato. Por cierto, la familia de turistas también hace una breve aparición en el largometraje.

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miércoles, 16 de junio de 2010

Guionne Leroy: Música Animada

Hoy os propongo, volviendo de nuevo al cine de animación, disfrutar de un par de trabajos de Guionne Leroy. Poco conocida por el nombre, seguro que alguno de sus trabajos sí que os suena.

Esta animadora nació en Bélgica en 1967. Concluyó en 1992 sus estudios de animación en la escuela de La Cambre, en Bruselas.

Ha realizado trabajos tanto en stop-motion como animación por ordenador. Tras ver su cortometraje ‘Tagada et Fugue’ (1991), realizado con esta última técnica, John Lasseter le propuso participar en ‘Toy Story’. Aceptó, y desde entonces ha colaborado en diversos proyectos de animación de gran envergadura, como ‘James y el Melocotón Gigante’, ‘Chicken Run’ y ‘Coraline’, entre otros; colaboraciones estas que ha simultaneado con la realización de sus propios proyectos.

Las dos piezas que he seleccionado están estrechamente relacionadas con la música clásica. En ambas la autora demuestra una sensibilidad y un saber hacer impresionantes. Abrid bien los ojos y los oídos, que merecen mucho la pena (o al menos eso me parece a mí).

La primera forma parte de una película de fragmentos titulada ‘Opéra Imaginaire’, de 1992. En concreto, Guionne Leroy anima en arcilla el coro ‘Noi Siamo Zingarelle’, perteneciente a ‘La Traviata’ de Verdi. Una bellísima y curiosa puesta en imágenes de esta conocida pieza musical. Aviso: el vídeo tiene un minuto en negro al final, pero es que es el que mejor se veía y escuchaba de los que he encontrado.



El segundo trabajo es un cortometraje titulado ‘Arthur’, producido en 1997, sobre música de Purcell (‘King Arthur’). Una pequeña joya donde se fusionan perfectamente música y animación. La propia directora nos cuenta en este artículo (en inglés) el uso de la técnica combinada de animación tradicional y digitalización en esta pieza.



Si queréis repasar la trayectoria de esta animadora y ver más trabajos suyos (fragmentos de otras obras, un par de spots televisivos…), os recomiendo visitar su página web.

Y, para completar, os dejo también una breve pero interesante entrevista (está en francés).
Por ejemplo, preguntada sobre qué le gusta de su trabajo: "El lado táctil de la animación de volumen. Creo que es una forma artística muy bella y completa. Se mezcla el cine, la pintura, la escultura, el dibujo y el movimiento. Es una especie de síntesis de artes y una forma de expresión verdaderamente completa que me encanta. Y, además, es una buena forma de contar historias."

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jueves, 13 de mayo de 2010

Maarten Koopman: Arte animado

Y de nuevo volvemos a la animación, esta vez de la mano de Maarten Koopman, artista holandés nacido en Amsterdam en 1951.

Koopman, además de dedicarse a la animación, es pintor, ilustrador y compositor (de hecho la música de sus cortos la compone él mismo). Desde 1995 imparte clases de animación en la Academia voor Beeldende Vorming en Tilburg, St. Joost de Breda y la HKU (Escuela de Artes de Utrecht) en Hilversum.

La gran mayoría de sus trabajos deja ver su amor por la pintura. Utilizando técnicas de animación diversas crea unas piezas impresionantes inspiradas en estilos artísticos o, mayormente, en obras concretas.

Los cortometrajes de Maarten Koopman han pasado por diversos festivales internacionales, ganando varios premios. Por ejemplo, su corto 'De slaapkamer' (1990), recreación de 'La Habitación de Arlés', conocida obra de Vincent van Gogh, ganó el Premio Especial del Jurado del Festival de Cannes

Lo que hoy os traigo son dos vídeos donde podéis ver sus "Pinturas Famosas". Pequeñas piezas basadas en cuadros con las que te sumerges sin remedio en el interior de las obras.

A los amantes de la pintura, dado que los títulos en su gran mayoría aparecen al final de cada corto, os propongo que según los veis intentéis adivinar de qué obra (u obras) se trata. Son bastante conocidas, así que no creo que os resulte muy complicado.

Y ahora a disfrutar de estas joyas...



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