Cineforum: Million Dollar Baby

La carrera cinematográfica de Clint Eastwood por la historia del cine ha sido meteórica. Ha ido pasando de hacer películas de puro entretenimiento a construir películas que hoy por hoy son verdaderas obras maestras. Desde principios de los años 70 fue alternando su carrera de actor con la de director. En sus orígenes ligado al genero del western en la que sentó cátedra y que culminó con todo un homenaje a su carrera con Sin Perdón.

  Nadie hubiese pensado en él para convertirse en uno de los mejores directores del cine estadounidense de principios del siglo XXI. A partir de su éxito en el cine del oeste le permitió embarcarse en algunos proyectos que resultados ser magníficos a la vez que duros largometrajes, como Mystic River o la película que hoy nos ocupa "Million dollar baby".

La primera vez que Clint Eastwood vio rodar un combate de boxeo para el cine fue en 1955. Precisamente él como actor secundario, se tuvo que enfundar unos guantes para una breve escena de una comedia protagonizada por la entonces popular mula Francis, que llevaba el título de Francis in the Navy. Casi 50 años después, el actor volvió al ring. En Million Dollar Baby asumió numerosos retos. Entre otros rodar una película protagonizada por una boxeadora, cuando el subgénero del boxeo ha sido un territorio prácticamente vedado para la mujer, y abordar un tema tan polémico como la eutanasia.

 Eastwood no hace una película de boxeo, hace una película sobre la vida mostrándonos la parte más sombría del ser humano con pasados oscuros y vidas lóbregas como la suya y la de su colega Freeman (desafortunadamente no interviene mucho pero cuando lo hace es para hacerlo magistralmente y con fuerza) entre los cuales presenciamos unos diálogos desgarradores y absolutamente magníficos, vidas opacas sólo iluminadas por una estrella que se está abriendo paso después de haber luchado contra su mísero pasado. En Million Dollar Baby la vida no es un camino de rosas, al igual que en la realidad, y Clint lo sabe mejor que nadie, hay pocos con su capacidad de trazar historias tan realistas que lleguen directas al corazón humano, historias que calan muy hondo mostrándonos el lado más cruel de la realidad.

  Inspirándose en un libro de relatos de F.X. Toole, Rope Burns, el guionista Paul Haggis construyó un sólido guión que le permitió al actor y realizador trabajar con una enorme seguridad. Para el papel principal seleccionó a Hilary Swank, una camaleónica actriz que después de haber ganado un Oscar por su transformación en "jovencito" en Los chicos no lloran, se sometió  un severísimo entrenamiento para poder aparecer ante las cámaras como una autentica púgil, ensanchando su cuerpo hasta con 12 kilos de musculatura. Para Hilary, el proceso anterior al rodaje fue muy duro. Para posibilitar su transformación física tuvo que realizar sesiones intensivas de entrenamiento de hasta cinco horas diarias y una terrorífica dieta hipercalórica.

 Como ya hiciera en "Sin perdón" Eastwood también quiso apoyarse en su amigo Morgan Freeman, que se encargaría de darle magníficas réplicas desde su papel del fracasado boxeador Eddie. Con la ayuda de Tom Stern, el director trabajó de forma extraordinaria en la fotografía y la luz para hacer mas expresiva la narración. De este modo mientras la imagen ganaba luminosidad y el color al tiempo que la carrera de Maggie se disparaba de forma triunfal, se deprimía progresivamente hacia la oscuridad una vez la chica veía truncada su futuro, en un juego de luces y sombras impresionante. Asumiendo el control de hasta el más mínimo detalle de la película. Eastwood hasta se permitó el lujo de componer e interpretar personalmente la banda sonora. El soberbio resultado de la película entusiasmó por igual a público y crítica, a pesar de que hubo quien intentó cuestionar la calidad de la producción a causa de su implacable y arriesgado mensaje final. En cualquier caso Million Dollar Baby acaparó un gran número de premios internacionales. Recibió siete nominaciones a los Oscars y consiguió cuatro estatuillas: mejor película, director, actriz protagonista y actor de reparto.

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Nuestras mejores secuencias: Una noche en la opera

Después de rodar sopa de ganso, los hermanos Marx finalizaban su contrato con la Paramount. Y el joven genio de la Metro, Irving Thalberg, se anticipó a cualquiera para hacerse con los servicios de los cómicos. A la hora de firmar contrato, Zeppo Marx en  menos gracioso, se quedó fuera de la formación.  Groucho, Chico y Harpo acordaron hacer varias películas para el estudio, al tiempo que la Metro les garantizaba la esponsorización de sus giras cómicas. Y el primer trabajo que los hermanos Marx hicieron con Thalberg fue "Una noche en la ópera", para muchos la mejor película de estos alocados personajes. A partir de un a idea original de James Kevin Mcguines, varios empleados del estudio colaboraron en la creación del guión. Incluso hay quien asegura que la celebre estrella del cine mudo Buster Keaton hizo algunas aportaciones a la historia. Los hermanos Marx también añadieron numerosos elementos de su propia cosecha. Y según parece algunos de los momentos mas hilarantes de la producción, como la famosa escena del camarote y el absurdo dialogo entre Groucho y Chico sobre "la parte contratante" estaban inspirados en algunos gags que los cómicos ya habían utilizado durante sus primeras actuaciones en público.


                        



 En su ultima etapa Paramount, la películas de los hermanos Marx habían perdido algo de público. Thalberg estaba seguro de saber lo que fallaba: El publico femenino. Las mujeres no soportaban el ritmo enloquecido de sus comedias, sus gritos, sus carreras. Era imprescindible, en opinión del productor, realizar una serie de cambios en sus producciones para reconquistar al publico femenino. "Yo haré con vosotros una película que provocará la mitad de las risas y será el doble de buena", llegó a afirmar Thalberg con toda seguridad. El productor, que supervisó personalmente el desarrollo del guión, limitó el numero de gags, incluyó algunos números musicales que sirvió para relajar un poco a los espectadores ordenó que toda la trama girase alrededor de una historia romántica. Él se mostró seguro de que con la música y el tono romántico las mujeres volverían a congraciarse con los hermanos Marx. Para la banda sonora de la película se incluyeron algunos fragmentos de las óperas I Pagliacci, de Ruggerio Leoncavallo e Il Trovatore, de Giuseppe Verdi. Asimismo se compusieron algunos temas expresamente para la cinta. Uno de ellos, "Alone", con música de Nacio Herb Brown y letra de Arthur Freed, se convirtió en una de las canciones mas conocidas de 1935 y fue todo un éxito de ventas.

                         


Irving Thalberg, demostró una vez más que poseía una magnifica intuición. La reordenación que le dio a la carrera de los hermanos Marx fue todo un éxito. Una noche en la ópera triunfó en la taquilla y proporcionó a los humoristas enorme popularidad. Desde entonces la película se encuentra entre las mejores obras del cine de humor y es, como acertadamente indicó algún crítico, un infalible remedio para combatir estados depresivos.

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CINEFORUM: El Graduado

   El graduado nació como un pequeño proyecto del que ni siquiera sus propios artífices esperaban grandes resultados. La película se hallaba inspirada en la novela de Charles Webb en la que se reflejaban los problemas que tiene un muchacho a la hora de plantearse su futuro después de su graduación en la universidad. La obra la había escrito su autor siendo apenas un veinteañero con la intención de plasmar en ella sus propias inquietudes. El productor Lawrence Turman pagó 20000 dólares por los derechos del libro y se lo pasó a su amigo Mike Nichols a quien le atrajo sobre todo la posibilidad de profundizar en los encuentros sexuales de un joven y una mujer madura, en la adaptación empleó seis meses.

Por improbable que parezca hoy, El graduado escandalizó a muchos espectadores por su atrevimiento cuando se estrenó en 1967, un año en la que la aireada revolución sexual luchaba aun por imponerse. Nunca una película de Hollywood de primera fila había arrojado una mirada tan sincera sobre el sexo en los barrios residenciales, o tomado como protagonista a un trio romántico tan improbable, un graduado con demasiado tiempo libre, un ama de casa alcohólica que está decidida a tirarselo y su hija, la típica chica buena ignorante de que su principal rival sexual es su depredadora madre. Si alguna película acabó de liquidar el "mamaísmo" decimonono fue esta.

    El equipo creativo de "El graduado" era tan fresco como su tema y estilo. Mike Nichols había impresionado con su anterior y única película, la adaptación a la pantalla de la obra de Edward Albee ¿Quien teme a Virginia Wolf? (1966). El graduado le ofreció una oportunidad todavía mejor de plasmar detalles sardónicos visuales y diálogos ingeniosos y punzantes, que había afilado con Elaine May en la innovadora comedia que les había convertido en sinónimos de sofisticación urbana.

    El reparto de "El Graduado" no creó excesivas complicaciones. Anne Bancroft se hizo con el papel de la seductora señora Robinson, que fue rechazado por Patricia Neal, y Doris Day, mientras que la joven Katherine Ross obtuvo el de su hija en la ficción. Con el personaje de Benjamin surgieron algunas dudas. En un principio Nichols estaba dispuesto a buscar a un actor atractivo. Pensó incluso en Robert Redford, pero no lo tenia del todo claro, por lo que se decidió a hacer un casting. A el se presentó un muchacho bajito, con cara de despistado, que enseguida llamó la atención de Katherine Ross. Ambos interpretaron una escena y consiguió el papel. Se llamaba Dustin Hoffman. Al productor le preocupó la elección puesto que el chico tenia ya 30 años de edad, solo cinco menos que Anne Bancroft. pero se tranquilizó bastante al ver unas cuantas pruebas en las que desde luego, Hoffman aparentaba tener muchos menos años que la mujer que le iba a seducir. Durante todo el rodaje la relación entre Mike Nichols y su protagonista fue bastante difícil. El director creó a propósito un clima de tensión entre ellos, convencido de que le convenía al personaje central de la película. Dustin no opinaba lo mismo. De hecho estaba convencido de que sus relaciones eran malas porque el realizador estaba arrepentido de haberle confiado el papel. Posiblemente la inseguridad y la presión que sintió Hoffman durante todo el trabajo, si tuvo una buena traducción en el resultado del largometraje.

   Dustin Hoffman se convirtió en una estrella gracias a su encarnación de Benjamin Braddock, el recién graduado asustado por el materialismo de sus frívolos padres. forma parte de la leyenda de la película que Nichols aconsejara a Hoffman encarnar el papel sin actuar, la torpeza natural del comportamiento de Ben es fundamental para el atractivo emocional del filme. En una película con muchos momentos míticos tal vez el que ha obrado mas efecto en la cultura pop estadounidense es aquel que Ben oye la receta de un amigo de la familia aconseja para lograr la felicidad profesional y económica: "plásticos" a la cual reacciona con una mezcla de miedo, odio y perplejidad. 

 Reseñar a modo de apunte dos secundarios no mencionados anteriormente, Norman Fell como el casero con miedo paranoico a lo que los conservadores de los años setenta llamaban "agitadores extranjeros", tambien Richard Dreyfuss como huésped de la pensión y Buck Berry como empleado de hotel.

   Turman y Nichols tuvieron la feliz idea de contratar a una pareja de cantautores para que incluyesen algunos de sus temas en la película. Simon y Garfunkel, demostrando estar en el momento mas creativo de su carrera, contribuyeron al éxito de El graduado con temas tan populares como "The sound of silence" o "Mrs Robinson". Sin que nadie lo esperase "El graduado" pasó a ser una película de culto entre el publico joven, que se sintió absolutamente identificado con el personaje desorientado de Benjamin y con las ácidas críticas que la película incluía sobre las costumbres sociales de los adultos.

  En un momento en que la juventud mundial estaba dominada por un sentimiento de malestar, la cinta de Nichols surgió casi como sibolo de rebeldía. Por ese motivo "El graduado" terminó liderando las listas  de las producciones mas vistas en 1967, obteniendo unas recaudaciones superiores a los 40 millones de dólares. La cinta fue nominada a 7 Oscars, aunque solo consiguió una de ellas que fue a manos de Mike Nichols por su labor como director, Dustin Hoffman no tuvo premio. A pesar de ello, su espléndido trabajo encarnando a Benjamin Braddock le abrió de par en par las puertas de Hollywood.

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Nuestras mejores secuencias. Hoy "Apocalypse Now".

John Millius pensó en adaptar a comienzos de la decada de los 1970 la novela "El corazón de las tinieblas" de Joseph Conrad. El guionista decidió trasladar la acción de la obra a la guerra del Vietnam. Francis F. Coppola se interesó por producir el proyecto y le ofreció la dirección del mismo a George Lucas. Este sin embargo tenía una oferta mejor de la Fox, para hacer la guerra de las galaxias. Coppola no se acobardó y decidió hacer la película él mismo bajo el título Apocalypse Now.

  El rodaje comenzó en Filipinas el 20 de Marzo de 1976, con un presupuesto de 12 millones de dólares, Harvey Keitel fue contratado como protagonista y Marlon Brando aceptó hacer una intervención estelar en el papel del enigmatico coronel Kurtz. Al mes y medio de empezar, Keytel abandonó despues de tener duros enfrentamientos con el director. Coppola le sustituyó por Martin Sheen, que en pleno proceso de separación de su mujer estaba abusando de la bebida. En Mayo el ciclón Olga destruyó todos los decorados de la cinta,. El equipo tuvo que huir a Manila para ponerse a salvo. Mas de un millón y medio de dólares en pérdidas. Pero Coppola ya se lo había tomado como algo personaly decidió seguir adelante, aunque para ello tuviera que empeñar toda su fortuna familiar.

 El rodaje prosiguió entre enfermedades tropicales y accidentes de escasa relevancia. Martin Sheen sufrió un colapso nervioso primero y un infarto después, que estuvo a punto de acabar con su vida. El actor tuvo que ser hospitalizado durante varias semanas. Para acabarlo de arreglar, Marlon Brando se presentó en el lugar del rodaje con una idea muy clara de como tenia que ser su actuación. Entre sus extravagancias destacó la de no cambiarse de ropa durante dos meses para sentirse bien en su papel. Medio enfermo y completamente extenuado, Coppola acabó la película en Mayo de 1977. Impresionado por la experiencia que habia vivido declaró: "Apocalypse Now no es una película. No trata del Vietnam. Es Vietnam". Al finalizar el accidentado rodaje, el presupuesto de la cinta habia ascendido hasta los 30 millones de dólares.



                        

 Por curioso que parezca, rodajes tan terribles como el de Apocalypse Now o el de otras películas mencionadas anteriormente han terminado dando como resultado películas de extraordinaria calidad. pero este fenómeno no se cumple en todos los casos.

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CINEFORUM "La dolce vita"

A finales de los años 50 y principios de los 60, Federico Fellini era ya considerado con uno de los realizadores italianos con mas caché, por ello muchos productores intentaban seducirle con ideas novedosas e historias originales y sobre todo con algo de lo que habia escaecido hasta entonces medios, muchos medios.

 Giuseppe Amato le ofreció la posibilidad de hacer una película basada en la banalidad de la vida de los burgueses italianos y mas concretamente de los romanos, de su mala vida, de su gusto por lo insano, sus rarezas y sus noches de alchol y desenfreno que no llevan a nada sino a su propia autodestrucción, seres en definitiva poco fructíferos.

Con la idea en la cabeza Fellini frecuentó la Via Venetto, así como diversos locales nocturnos para captar el ambiente, así fue conformando el guión y empezó a tantear a los actores para el reparto de su película. Como había dinero, al principió le sedujo la idea de traerse actores de moda en Hollywood, asi sonaron nombre como el de Paul Newman o Burt Lancaster para el papel principal, al final fue consciente de que seria difícil entenderse con ellos se contrato a Marcello Mastroianni. En el elenco de actores no faltaron actrices de relumbrón por entonces como al actriz francesa Anouk Aimee y el galan norteamericano Leo Barker, exmarido de Lana Turner que despues de su fallido intento de sustituir a Johnny Weissmuller en el personje de Tarzan se habia instalado en Italia.

Pero la revelación indiscutible de la pelicula fue la actriz sueca Anita Ekberg, su sola presencia atrajo a multitud de espectadores a las salas de cine solo para ver su esplendorosa figura. Su baño en la Fuente de Trevi habia alcanzado popularidad en toda Europa, era una de las escenas mas sensuales vistas hasta el momento. El rodaje no fue tan sensual ni sexy... Anita mojada, estaba helada y tiritaba de frio, mientras docenas de fotografos saltaban a su alrededor. Marcello contó en una ocasión alguna cosilla en relacion a la famosa escena, "me tuve que tomar una botella de vodka para poder hacerla", y es que parece ser que no era oro todo lo que relucia en cuanto a la relacion que mantenia Marcello y Anita. Fellini confesó años mas tarde que Mastroianni le dijo en confianza que la Ekberg no le parecia nada del otro mundo, que le recordaba a un soldado alemán que en la guerra durante una redada habia tratado de hacerle subir a un camión.

El rodaje de la pelicula fue complicadisimo, ya que el reparto internacional elegido por Fellini provocó un efecto de Torre de Babel, solo Mastroianni hablaba italiano. La Ekberg y Barker hablaban en inglés y Anouk Aimee e Yvonne Fourneaux se expresaban en francés. Este retrato de la burguesía más desarticulada y banal, el mundo de las estrellas y los paparazzis fue muy bien interpretado en el festival de Cannes donde ganó la Palma de oro.

Esta película considerada por muchos como la obra cumbre de Federico Fellini, no asomaba a las vidas alegres excentricas y caprichosas de la burguesía romana del año 1959, para convertirlos en blanco de sus críticas satíricas y presentadolos como unos parásitos de la sociedad. La película la calíficaria como ciertamente sombría, lúgubre en ocasiones lejos de los tonos que deberian componer las escenas de las fiestas de los burgueses.



Pero la película en si es toda un exceso que va mas alla de la satira y el enloquecimiento de los escesos de una sociedad cada dia mas trivial. La redundancia de escenas, el constante martilleo machacante de escenas que nos transmiten la misma idea, la hace redundante pero no por ello superflua en mi opinión ese exceso no juega a favor del resultado final de la cinta de Fellini que siendo buena no llega ser sublime. Quizas tengan razon aquellos que le achacan un exceso de metraje, pero esto en Fellini suele ser normal.

Lo que si resulta incontestable es el intento de Fellini de establecer estilos de vida, aquellos mismo que intenta demoler, la vida en la calle de los personajes, la moda de los cafés en la via Venetto o via Condottti, todo es ironía del maestro para contra la dulce vida de los romanos acaudalados.

La cinta en su dia provocó airadas criticas en su contra, importunó a los defensores del realismo crudo como única forma de cine humanista y eficaz, hoy en dia felizmente esto está superado. La película de Fellini se nos muestra como un ramillete de historias argumentales, repleta de fiestas, excesos y situaciones triviales a la vez que extravagantes, no existe un argumento ferreo pues, algunas de estas piezas argumentales tienen un componente estético formidable, como la escena de la superestrella de Hollywood Sylvia (Anita Ekberg), en la Fontana di Trevi. Pero esta escena tiene una lectura más profunda, habla de la vergüenza de Mastoianni, la humillación que sufre, lo incomodo que debe sentirse al verse atraido y enamorado inexorablemente por la belleza de la estrella, en cambio Sylvia no le presta su atención lo trata como recadero banal, y le envia a por leche en plena madrugada, para un gato vagabundo al que olvida cuando Marcello regresa y nada más ver y escuchar el agua y la grandiosidad de la fuente, con la expresión "Ohh my goodness".



Nos retráta el declive, perversión y volubilidad de una sofisticada pero en proceso de degeneración aristocratica, y, desde luego, los parásitos que les rodean, la expresión paparazzi procede del personaje de la pelicula paparazzo que personifican el enjambre de periodistas que revolotean alrededor de las estrellas haciendoles el juego y mendigando fotografias e historias sensacionalistas con las que alimentarse.

Mastroianni personifica el escritor serio, elegante y responsable, pero que su caida en desgracia es inevitable, que se dedica mas a hacer de "niñero" de famosos que de periodista y se convierte en un ser serio, humillado e incapaz de generar emociones en su interior.

Un clásico que hay que saber interpretarlo desde un nivel de análisis que nos lleve a replantear cuánto de esta etapa de la historia de Italia hay hoy en la sociedad que nos toca vivir y comparemos cuan parecidos son las situaciones, solo que con distintos personajes.  

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Nuestras mejores secuencias

En el año 1992, cuando las grandes productoras se habian olvido del género del western que tantos existos les habian reportado y tan suculentas recaudaciones les habian hecho embolsarse, Clint Eastwood se atrevió a dirigir y protagonizar "Unforgiven" o "Sin perdón" como es conocida en nuestro país.

 Se me haria dificil por no decir imposible extraer una secuencia de alguna de las mejores películas de Eastwood, son tantas y algunas de ellas magistrales, pero como habia que elegir me apresuré a cortar esta de "Sin perdón".  La película es una obra de artesanía, como se podia esperar de Clint, quien despliega todos sus conocimientos sobre un genero que mantuvo vivo durante veinte años cuando ya habia pasado de moda.

 El personaje de Clint, el curtido William Munny , un asesino retirado, reformado gracias al amor de una buena mujer que murió hace tiempo y que lo dejoó solo al frente de su granja y con dos hijos.

                  


Sin perdón resulta fascinante, oscura y a la vez absorbente, además constituye una revisión de la mitología del viejo Oeste. El tiroteo final seguro que le hubiese gustado a sus amigos Sergio Leone y Don Siegel.

Disfrutad de la secuencia.

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Nuestras mejores secuencias.

Este verano mientras leía un libro dedicado al guionista Rafael Azcona, busqué algunas referencias sobre sus películas y estas me llevaron inevitablemente a Luis Garcia Berlanga, ya que sus carreras están íntimamente ligadas. Esta revisión me llevó a visionar algunas de las pelis del famoso director valenciano. Una de estas noches calurosas de agosto volví a ver "La Vaquilla", si otra vez. Se ha hablado mucho de "Bienvenido Mr Marshall", de "El Verdugo" y hasta "La escopeta nacional" como mejores películas del genial cineasta. Me he estado preguntando ¿por qué muchos críticos en este país la siguen considerando una obra menor y a mi cada revisionado me parece mas cercana a la obra maestra?. El mismísimo Carlos Boyero la define como "decepcionante", tal vez los críticos pasan por alto esos larguísimos planos secuencias sin cortes o ese sentido del humor irónico que en mas de uno de los episodios desembocan en la carcajadas mas irreverentes.

  Quizás esta "chabacanería" presentada en forma de coral como casi siempre en Berlanga, solo esconde autocrítica, desprecio a la sociedad del momento histórico, donde los personajes muestran lo peor que una ideología política y social puede hacer con nuestras mentes.

  Con este homenaje en forma de secuencia, por cierto he elegido esta pero podría en el caso de "La Vaquilla elegir dos docenas, solo quería reivindicar el valor del cine español en forma de comedia satírica donde creo que pocos países nos superan.




Podeis enviarnos sugerencias sobre vuestras secuencias favoritas al siguiente correo:

grupocineparagourmets@gmail.com.

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Nuestras mejores secuencias

La secuencia elegida esta semana para nuestra recién estrenada sección, corresponde como ya habies comprobado a la inolvidable película de Fred Zinnermann "Solo ante el peligro".

   Secuencia memorable en la que no hay dialogo, ejemplo pragmático de como con solo el elemento musical (Dimitri Tiomkin) y la sucesión de planos pueden decir muchísimo mas que la palabra.. Varios  relojes indican que están a punto de dar las doce: Todo el mundo le aconseja al shérif Will Kane (Cooper) que se vaya del pueblo, pero el heroico Marshal se ve obligado a afrontar sus responsabilidades.

                   

 Solo ante el peligro se desarrolla a tiempo real. Uno puede pulsar un cronometro al comienzo de la proyección y comprobará que cada minuto y cada segundo coinciden con aquellos en que transcurre la historia 84 minutos ni mas ni menos.

 El momento se va acercando poco a poco al tiempo que la balada que hace las veces de tema principal "Do not forsake me oh my darling" insiste en la situación en la que el marshal comprueba como le van fallando todos aquellos que se suponían que iban a ayudarle.

 Para mi es como ya os digo es una de las secuencias favoritas, espero que la disfrutéis.

 Podeis mandar vuestras secuencias favoritas comentadas o sin comentar al correo grupocineparagourmets@gmail.com.

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Nuestras mejores secuencias

Buenos días a todos, espero que las vacaciones hayan sido o estén siendo buenas y lo que es mas importante, reparadoras. Hoy os quiero presentar una nueva sección de nuestro blog que en principio queremos que sea semanal, se trata de poner y comentar las mejores secuencias que recordéis o recordemos. Queremos hacer participativa la sección por lo que os pedimos que nos mandéis vuestras sugerencias sobre secuencias o escenas que os gusten o que en su momento os hayan hecho reír, llorar o sentir algo especial, si queréis comentar algo sobre ellas también podéis hacerlo en el correo de sugerencia o bien como siempre en los comentarios de la entrada. Hoy para abrir boca tenemos una doble ración, de un lado la famosísima secuencia de “La dolce Vita” de Fellini, cuando Anita Ekberg entra en la Fontana di Trevi y pide a Marcelo que entre con ella a bañarse, eso si antes le pidió en plena noche que buscase un vasito de leche para un gatito vagabundo que había encontrado callejeando por las callejuelas, como muestra más de la extravagancia de la burguesía romana (en este caso americana).


                   

 Y como segunda ración además de la secuencia, queremos que sirva a modo de recomendación si aún no la habéis visto, se trata de una película hispano argentina, dirigida por Marcos Carnevale que se llama Elsa & Fred. La película está coprotagonizada por la actriz uruguaya China Zorrilla y por el añorado Manuel Aleixandre. La película es ciertamente conmovedora, con un guión firme y bien contado, con toques de humor constantes, dentro de una historia de amor en la tercera edad, cuenta cosas que son verdades sinceras y hará brotar en nosotros las ganas de vivir una vida divertida y alocada.

                  

 El correo el de siempre grupocineparagourmets@gmail.com , las secuencias a ser posible de una duraciónn no superior a 2 minutos y medio aproximadamente.

 Aprovecho para adelantaros que en unos días tendremos en nuestro Cineforum la película de Federico Fellini “la Dolce Vita”.

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After Life... Un recuerdo

Has muerto. ¿Y ahora qué? ¿La nada, el limbo, el infierno, el paraíso? ¿Cuál es el premio por una vida virtuosa, el castigo por una vida de maldad? ¿Qué apariencia tendrás cuando hayas muerto? ¿Podrás redimirte? ¿Un retorno expiatorio, la reencarnación? Y los sentimientos, ¿es cosa de este mundo? Nuestros odios, nuestras pasiones, ¿se quedarán aquí con tu cuerpo fenecido?

After Life (1998) es el segundo largometraje de ficción del aclamado director Hirokazu Koreeda. ¿Y después de la vida, qué? Koreeda nos pone en la piel de un grupo de recién fallecidos, que son recibidos por un grupo de personas (de momento, poco sabemos de ellas) con la intención de ayudarlos. Este grupo de "consejeros" les explican a los recién llegados que pasarán juntos una semana, tiempo durante el cual deberán elegir un recuerdo, sólo uno, con el que "vivirán" el resto de su existencia. 

Así que vamos a responder algunas preguntas:

Pasen primero por ventanilla...

Has muerto. Hoy es lunes, y entras junto a otros fallecidos a un viejo edificio. Estás desorientado. Te recibe un pequeño grupo que os reúne a todos en una habitación. Uno a uno, os van llamando aparte. Es tu turno. Te recibe un chico joven que te explica que él también está muerto, y que su tarea aquí es la orientarte. Te da un plazo de tres días para meditar sobre tu propia vida. Transcurridos esos tres días, deberás decirle con cuál de todos los momentos de tu vida te quedas... Piénsalo bien, sólo debes elegir uno. El resto de la semana, él se dedicará a recrear ese momento con la mayor exactitud posible y lo plasmará en una película.

Puede ser que decidas no elegir... ¡es una opción! ¿Quién en su sano juicio descartaría todos los buenos momentos de una vida para quedarse sólo con uno? Recuerdas una canción de Rush que decía:

"if you choose not to decide, you still have made a choice"

Es absurdo quedarse con un único recuerdo

Puede ser que no tengas ni un sólo momento tan significativo en tu vida que merezca la pena ser recordado ad infinitum. Que tus actos sean una fuente de remordimientos, o que tu vida sea de una pasmosa mediocridad. ¿Quién querría recordar  una y otra vez lo ruin que fuiste en vida, o tu anodina existencia?

No hay nada que quiera recordar. ¿No es eso lo más parecido al infierno?

Puede ser que la senectud haya hecho mella en tu cerebro, y no estás capacitado ya para decidir.

Puede ser, tal vez, que lo tengas claro... ¡Afortunado tú!

Cuando era pequeña...

Koreeda nos muestra un amplio abanico de posibilidades.

La misión de los "consejeros" (¿ángeles? Sin duda, no), es confeccionar una película con el recuerdo elegido, un momento condenado a repetirse una y otra vez. Pondrán todo su empeño, con los medios a su alcance, para "captar" las sensaciones de ese recuerdo: una brisa fresca en un día de calor, la vista del ala del avión, la vez que permaneciste sentado en el parque con el/la que iba a ser tu gran amor.

¿Quién iba a suponer que el final de todo era ver una película?

Y una vez proyectada, los recién fallecidos se irán, con la memoria de esa película, al... ¡paraíso! Atrás quedan los consejeros, dispuestos a recibir a un nuevo grupo de fallecidos, sintiendo como un fracaso las indecisiones de la semana anterior.

¿Y nosotros? ¿No hay un paraíso para nosotros?

¿Paraíso?

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