Blog sobre Charlie Chaplin

CineCharlieChaplin cumplió recientemente un añito. Se trata de un blog discreto, que recoge y comparte material del actor, director, guionista, productor y músico Charles Chaplin. El trabajo se lo debemos a Rubén Tarín, quien muestra su predilección por el cine clásico, la fotografía y la música.
No obstante, y aclarado ante todo que recomiendo su visita, echo en falta actualizaciones más frecuentes (y es que la falta de tiempo que a todos nos afecta es una pesada losa), y algunos detalles de diseño que podrían mejorarse, como la anchura de la columna lateral y del cuerpo central del blog.
En fin, que si quieren conocer más facetas del maestro Chaplin, anécdotas curiosas, noticias y críticas de sus películas, no dejen de pasarse por aquí (pincha en la foto para acceder al sitio):

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Leo McCarey

El director de cine Leo McCarey era licenciado en derecho y trabajo durante su juventud como abogado, gracias a que su empresa quebró su vida dio un giro inesperado, se acercó así al mundo del cine.

Se convirtió en un genio de la comedia en los años 30 y 40, patrocinó a la pareja cómica formado por Stan laurel y Oliver Hardy, el gordo y el flaco.

De McCarey dijeron otras personas frases como estas:

"McCarey era el primero entre nosotros"(John Ford)
"nadie conoce mejor a la gente que Leo"(Jean Renoir)
"El mejor director que he conocido se llama Leo McCarey"(Howard Hawks)

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Segundo reto

Bueno, en esta ocasión se trata de adivinar a qué película pertenece el siguiente fotograma.

Vamos, que de aquí al 6 de agosto hay tiempo más que suficiente, ¿no? Si no, ya iremos dando alguna pista... Cuando sepáis el resultado, mandad un mensaje rellenando el siguiente formulario

Enhorabuena a Karaguebo. La película era La semilla del diablo.

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El extraño del tercer piso

Considerada por muchos como la primera película auténticamente cine negro (sea esto lo que quiera que sea, y obviando que antes estaba el film noir francés). Sus elementos "negros" son claros: los ángulos de la cámara, el contraste brusco de luces y sombras, flashbacks, diálogo interior, influencias expresionistas de la escuela alemana (Peter Lorre está como pez en el agua, y silente durante gran parte del metraje).

John McGuire interpreta a un periodista llamado Mike Ward, que tiene que declarar como testigo de cargo en un juicio en el que todos están más interesados por terminar que por la inocencia del acusado. Las pruebas son circunstanciales, pero aún así, el testimonio de Ward hará que sea condenado a muerte.

Días después, y con la sombra de la duda rondándole en su cabeza, aparecerá un extraño que provocará un curioso desenlace: ahora será él el acusado de otro asesinato, y al igual que en el primero, presentimos la inocencia y una acusación basada en la circunstancialidad de las pruebas. Esto arremete claramente contra el sistema judicial norteamericano, lo que asegura la vigencia de este film en la actualidad.

Ambos sucesos están bien entrelazados, aunque el desarrollo pueda resultar algo lento, debido al uso y abuso del monólogo interior, que amenaza con convertir la cinta en un drama psicológico. A pesar de ello, debemos destacar de excelente el momento de ensoñación del protagonista, que de haber pertenecido a alguna película "mayor" y no ésta de serie B, estaría entre los mejores pasajes oníricos del cine: este logro se lo debemos, en gran parte, al portentoso trabajo fotográfico de Nicholas Musuraca, que ha disimulado las grandes flaquezas económicas de la película con un trabajo excepcional.

Un final apresurado, la realización discreta de un director novel, actores más bien planos, son los puntos débiles de esta película.

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La aldea maldita

-Da un beso a tu madre, hijo.

De vez en cuando a uno le dan ganas de ver una película muda, silente, esta es una de las veces.

Me dejé llevar por una recomendación, cierto instinto, animosidad, buena voluntad y me dispuse a ver La Aldea Maldita, según más de uno la obra cumbre del cine mudo español.

No sé si será la mejor obra, pero sí puedo garantizar que la película, en riguroso blanco y negro, nada de tintes, me sorprendió muy gratamente.

Una película dura, seca, rotunda y sobre todo pura. El ritmo de la película es alto, sin altibajos, nos presenta la época de 1930, costumbres, honor, crítica social, todo de forma directa sin nada superfluo. El campo castellano, la religión, el honor, la hidalguía, el cariño, el amor y el perdón, la crueldad, desfilan implacables.

Una atmósfera agobiante, en algunos momentos irrespirable y mucha tensión, sentía como si la película me golpease.

La película empieza alegre incrustando en los intertítulos los títulos de crédito de los actores, Juan, Acacia, Lucas, el abuelo Martín, … los instantes previos a la tormenta.

Hasta que el pedrisco arrasa la expectativas agrícolas y de futuro de la aldea de Luján cerniéndose el fantasma del hambre, acompañado de un predominio, de forma dramática, del tono oscuro.

- Maldigo la tierra que nos convierte en esclavos

El periódico se encarga de mostrar que es el tercer año y se empieza a conocer a la aldea como la aldea maldita.

Resulta curioso también la forma de mostrarnos información no sólo mediante intertítulos , cartas, la prensa e incluso un mapa. También una pintada sobre una puerta por parte de la muchedumbre nos indica que esa puerta es la del usurero de la aldea.

La escena del éxodo, la marcha de carretas, resulta espectacular, el encuentro con la mujer, la escena en el viejo castillo entre la mujer que quiere partir y el abuelo invidente que le impide que se lleve el niño, pues igual, aunque aquí quizás es cuando resulta menos creíble la excelente actuación de Carmen Viance (Acacia), por lo menos a mi parecer. La dilapidación, una pasada.

El avance del personaje hacia el objetivo de la cámara, de frente para luego alejarse de espaldas, tanto Juan cuando la tormenta se ha desencadenado como la Acacia en la escena de los niños contribuye a elevar aún más el tono dramático, ya de por sí alto. Tono dramático acentuado por los contrastes continuos, derrota de Juan por el pedrisco frente a la alegria y ternura cantando la nana por la Acacia, pobreza del pueblo-riqueza del usurero ... además de los contrastes aportados por la fotografía.

La banda sonora, impresionante, siempre ahí, te lleva en volandas, tremenda y decisiva, brutal.

Los actores, totalmente creíbles, Juan (Pedro Larrañaga) y su padre, el abuelo Martín (Víctor Pastor) y la Acacia (Carmen Viance) realizan un trabajo excepcional.

En París se realizó, ese mismo año, una versión con música y algunos diálogos, hacia allí partió Florian Rey pues en España era inviable realizarlo. Previamente el mismo Florián Rey intentó realizar una película hablada que resultó ser un rotundo fracaso técnico.

La copia sonorizada se perdió, una lástima pues las referencias sobre la misma son muy positivas.

La película sonorizada se estrenó en Madrid, en el cine San Miguel el 8 de diciembre de 1930.

Posteriormente en 1942 se realizó otra versión, también con el mismo nombre, La Aldea Maldita, pero no tuvo tanta repercusión.

La verdad, es que no sé cómo, pero sin querer me vi atrapado entre las emociones de los personajes de la película, hacía tiempo que no sentía una película como ésta.

A dormir va la rosa
de los rosales;
A dormir va este niño
porque es tarde.

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Primer reto

Quince directores de cine se han reunido en la cabecera de nuestro blog. ¿Sabrías decir quiénes son? A lo largo de la semana, iré dando pistas. Claro está, gana el primero que los acierte todos.

Fecha límite de respuestas: próximo domingo, 2 de agosto.

Y los directores eran:

1. Tarkovski
2. Hitchcock
3. Kim Ki-Duk
4. John Huston
5. Buñuel
6. Scorsese
7. Peter Jackson
8. Kurosawa
9. Greenaway
10. Truffaut
11. John Ford
12. Leo McCarey
13. Arturo Ripstein
14. Tim Burton
15. Woody Allen

Ganador: M.A.
Enhorabuena a los participantes.

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Happy, un cuento sobre la ¿felicidad?

Me gustaría comentar esta peli que he visto el último finde. La película me ha gustado poco, por no decir nada. Para mi gusto le falta historia y le faltan personajes. Cuenta la historia de una "optimista antropológica" que decide sacarse el carnet de conducir cuando le roban la bicicleta. Para ello contrata a un profesor de autoescuela que parece que todos los días se pilla el dedo con la puerta del coche para estar de mala leche. La sinopsis de la película dice que al final es ella la que le enseña mucho más al profesor que al contrario. Debe de ser cierto, pero yo no lo vi. Lo que yo vi fue una chica que, intentado estar siempre contenta, parece idiota. En la película no se describe en absoluto su personaje ni el porque de su buen humor, simplemente se mueve a la deriva por la vida con una sonrisa. Lo mismo pasa con el profesor. Está toda la película de mal humor, pero no se explica para nada su vida ni el porqué de es actitud. Simplemente está amargado y punto. Si de los dos protagonistas explican poco, el resto de los personajes son meramente decorativos. Aparece una hermana de la protagonista que también suele estar cabreada sin que se sepa por qué. Una compañera o jefa que estudia baile flamenco. Una compañera de piso que no se sabe muy bien qué hace salvo ser compañera de piso, aunque parece que también es maestra como ella. Y al final, aparece un novio al que le echa un polvete si que se sepa tampoco qué es lo que le ha atraído de él. En pocas palabras, se describen hechos, pero no personajes, no se cuentan sentimientos ni emociones. Los personajes están huecos, vacíos y sus actos tampoco tienen demasiado sentido que digamos.

La misma sinopsis dice que es una comedia, pero para mi gusto, es muy poco graciosa. Si trataban de hacer una película sobre un personaje singular, alocado, que contagia el buen humor, al estilo de Desayuno con diamantes, han fracasado. Si querían una película cómica, en la que las situaciones fueran también alocadas, al estilo de ¿Que me pasa doctor?, también han fracasado, pues todo lo que hace el personaje, además de carecer de sentido, carece de gracia.

Creo que es una película para echar un rato con más pena que gloria. Sólo recomendable para cuando hayas agotado tu catálogo de películas, mientras tanto, seguro que encuentras cosas más interesantes que ver.

Mi valoración: 4/10

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Robert de Niro

La verdad, no seré yo quien ponga en duda la capacidad de Robert De Niro como actor: un simple repaso a su filmografía estremece.

Y llegó Taxi Driver:

Casi nadie podía esperar que un actor prácticamente desconocido pudiera llevar a cabo su papel de tal manera que marcase en la película no sólo una imagen imborrable, sino una forma de interpretar que influiría a casi todos los actores de posteriores generaciones.

Robert de Niro dio vida a Travis, un taxista neoyorquino normal y corriente, un hombre recto, de buenas costumbres y pensamientos, correcto con sus conocidos y tal vez un poco solitario, que acaba comprando ochenta arrobas de armas de fuego (en total delirio y desequilibrio) para convertirse en el vengador del bienestar norteamericano y como final feliz, su intento de magnicidio acaba magnificando su persona a través de una penitencia que le lleva a matar a tres sujetos de mala condición. Paul Schrader, envidiable guionista, convierte de esta manera a un aspirante a ángel caído en ángel vengador, y así le llaman al final Matador.

La película convirtió a de Niro en un gran actor y su interpretación posterior en Toro Salvaje en una estrella.

La película de Martin Scorsese liberó unos rasgos en De Niro que se han prolongado a lo largo de su carrera.

La maldad aflora en casi todos los papeles de Robert de Niro. Fue gángster bueno en Érase una vez en América (pero gángster); fue el tremendo malísimo Al Capone en Los Intocables, mafioso diferenciado en Uno de los nuestros y Casino, delincuente habitual en Jackie Brown y Heat y psicópata en El cabo del miedo.

Martin Scorsese dirigió su degeneración humana en Toro Salvaje y la degeneración de su mundo en Casino. Pero también le dirigió en El cabo del miedo, donde luce en todo su esplendor, con todo tipo de excesos.

En estos años, Robert de Niro ha interpretado a personajes oscuros, ha dado vida a vecinos de piso que chiflan o delincuentes poco habituales, siempre al borde de lo inconcebible y cercanos a la realidad, incluso fue el mismísimo Diablo comprador de almas en El corazón del ángel.

Usando películas producidas por él mismo ha intentado maquillar su imagen de hombre malvado con Historias del Bronx y La chica del gángster, con suficiente éxito de taquilla y dudosa evolución de su propio personaje. También en Ronin, dónde continuó su profesionalidad a pesar de los escándalos que rodearon la filmación, intenta hacer bondad en su papel.

En Huída a medianoche engendró un personaje de carácter rudo que esconde un corazoncillo, o simplemente un callo débil. De esta road movie parte el filón apenas explotado de los últimos éxitos comerciales de De Niro, Una terapia peligrosa y Los padres de ella (arropado por Billy Cristal y Ben Stiller, respectivamente).

La capacidad de este hombre es indudable, algunos le acusan de sobreactuación, y algo de eso habrá . Pero esa exageración de sus rasgos más endurecidos es perfecta para el papel de compañero áspero que desarrolla en las comedias.

En estos últimos 25 años, Robert de Niro ha interpretado a todo tipo de seres malvados, malignos, corruptos o corrompidos por el sistema. Hemos visto lo perverso que podemos ser, la bestia cercana en la que nos podemos convertir, ese monstruo palpitante que nos mira en el espejo.

Hitchcock nos descubrió el miedo que da la cortina del baño o una ojeada al vecindario, De Niro ha dado cuerpo a la bestia que todos llevamos dentro, mirar el espejo un rato muestra más cosas.

Y ojalá todo sea sobreactuación.

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Barbra Streisand

Un rumor no confirmado circuló en su día por el mundillo de Hollywood: éste decía que la popular cantante y actriz aparecía en una película porno antes de alcanzar sus días de fama y fortuna.

La nariz que se ha convertido en la "marca de fábrica" de la altanera Barbra Streisand es el epicentro de la controversia que pretende situar a la cantante y actriz como una de las protagonistas de una película pornográfica filmada a finales de los años setenta.

Tan escandalosa especulación nasal, poco habitual entre el material que suele tenerse en cuenta en la industria del cine pornográfico, saltó en las paginas del libro "Blue Movies of the famous", de William Morrow y también figura en un libro titulado "Biggest secrets", de William Poundstone.

Al parecer las imágenes a las que se acogen estos señores para demostrar que Barbra tiene un breve pero oscuro pasado como actriz "porno" tienen tal grano y son de tan baja calidad que no permiten ser concluyente sobre la identidad de la actriz que las protagoniza. Por otra parte el director que perpetó la filmación no se preocupó de hacerle primeros planos del rostro.

Poudstone, legítimo descubridor de las imágenes envió una carta a Barbra Streisand pidiéndole confirmación o negación de su participación en las mismas, pero la actriz no se dignó a contestarle personalmente. Sólo su agente salió en defensa de su pasado afirmando que es falsa toda relación de su representada con el cine pornográfico, que jamás ha aparecido en este tipo de productos y que cualquier cosa que se publique sobre este particular resulta ridícula.

Por cierto, Barbra apareció desnuda en The Owl and the Pussycat (La gatita y el búho), dirigida en 1970 por Herbert Ross, pero posteriormente solicitó a los productores que dichas escenas no se utilizaran, y acabó llegando a un acuerdo final para que se oscureciesen todo lo posible. No obstante siempre nos quedará su nariz.

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La gran seducción

Hace poco me decidí a ver esta película de la que un amigo me había recordado su existencia, y la verdad disfruté como un enano con ella. La película te cuenta la historia de un pueblo costero perdido en la costa de Canadá (y la fotografía se aprovecha de ello), olvidado y sin esperanza, salvo con la posibilidad de que se instale una fábrica en él, y así dar empleo a la mayoría de sus habitantes que viven del subsidio de desempleo, siempre y cuando el pueblo tenga médico. Pues bien, la película nos relata lo que el pueblo hace para que un médico de ciudad que ha sido destinado al pueblo en cumplimiento de una multa (conducir borracho y en posesión de cierto polvillo...), se quede definitivamente en el pueblo, y lo que sus habitantes están dispuestos a hacer (como prepararle sus platos favoritos, entre otras cosas) solo para poder trabajar y sentirse productivos. Y es que la verdad, aunque se esté muy bien sin trabajar, no hay como el trabajo para sentirse realizado.

Me pareció divertida y a la vez emotiva, vamos que me lo pasé pipa, por eso recomiendo su visionado

Le doy un:
8/10

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¡Harpo habla!

¡HARPO, HABLA!
de MARX, HARPO y COL. DE ROWLAND BABER
Publicado en España por Montesinos en 1988 y 2001.
Ilustraciones de Susan Marx.
Traducción del inglés: Paloma Villegas.
Código ISBN: 84-95580-08-X
380 pags
Encuadernación: Tapa blanda
Precio : 17,50 €



Sinopsis

"Ha llegado el momento de echar a volar mi imaginación, tumbarme al sol, quitarme los zapatos y, por fin hablar." Con estas palabras, el famoso hermano mudo de los Marx inicia su relato autobiográfico, rompiendo su prolongado silencio. Con el ya clásico y delirante sentido del humor de los Hermanos Marx, Harpo narra la historia de su estrambótica familia y su dura carrera artística, desde las primeras giras por teatros de vodevil en pueblos de mala muerte hasta el último triunfo en Hollywood, pasando por Broadway, el desplome de la bolsa del 29 o su estancia en la Unión Soviética y sus actividades como espía. Toda suerte de personajes intervienen en esta divertidísima autobiografía, despojados de la solemnidad de la fama, incorporados como figuras cómicas: George Bernard Shaw, John Barrymore, Rachmaninoff y, por supuesto, los inimitables hermanos de Harpo, Groucho, Chico, Gummo y Zeppo.

Opinión

Me resulta un libro entrañable y cercano además de ameno, entretenido y divertido, un libro precioso.

A lo largo del mismo se le oye hablar, se le oye cómo está contando su vida, cómo toca el arpa, la bocina, sus gookies, sientes que vas a su lado, sólo tienes que escuchar, no hace falta leer.

Muchas historias, anécdotas, un repaso a la vida de Harpo, su familia, Susan, Minnie, el sastre, sus hermanos y la época que le toco vivir, sin aspavientos, con sencillez y genialidad a raudales.

Un verdadero lujo escuchar a Harpo.


El libro empieza:

No sé si mi vida ha sido un éxito o un fracaso. Pero como no tengo ninguna prisa en convertirme en una de las dos cosas y dejar de ser la otra, y puesto que me tomo simplemente las cosas tal como vienen, me sobra mucho tiempo para disfrutar de la vida.

Y algunos comentarios más:

“He sacado papeles secretos de Rusia clandestinamente. Me he pasado una tarde en el diván con Peggy Hopkins Joyce. He enseñado a toda una plantilla de gangsters a jugar al pincha-pellizca. He jugado al cróquet con Herbert Bayard Swope mientras él tenía al gobernador Al Smith esperándole al teléfono. He apostado con Nick el Griego, me he sentado en el suelo con Greta Garbo, he cambiado fintas de boxeo con Benny Leonard, he cabalgado con el príncipe de Gales, he jugado al ping-pong con George Gershwin. George Bernard Shaw me ha pedido consejo. Oscar Levant ha tocado conciertos privados para mí a un dólar la tirada. He jugado al golf con Ben Hogan y Sam Snead. He tomado el sol en la Riviera con Somerset Maugham y Elsa Maxwell. Me han echado del casino de Monte Carlo.”

En los años veinte, cuando todo el mundo hablaba al mismo tiempo, yo era uno de los pocos oyentes profesionales que había en circulación……

La primera vez que vi a Chico sobre el escenario fue en un teatro de la calle 86 esquina la tercera avenida. Para terminar, tocó las piezas que le pedía el público, con los ojos vendados y una sábana sobre el teclado.

Yo tenía ocho años cuando me lanzaron fuera de la escuela por última vez.

El poli escribió la descripción que le dictaban: Gran melena de pelo rojo y rizado. Bizquera. Mudo, no puede hablar. No muy brillante. Sólo una de las señas, la última, coincidía conmigo. Por lo demás: sospechoso de ser un impostor.
El poli le dió las gracias a Chico, se disculpó por haberle molestado a hora tan tardía y le pidió por favor colaborara haciendo cuanto estuviese en su mano por localizar a su verdadero hermano Harpo. Chico se lo pensó un momento y luego preguntó:
-¿Ofrecen alguna recompensa?

- ¡Hijo de perra! -dijo-. No me molesta que duermas, pero ¿tienes que sonreir dormido?

“Puedo mirar atrás y decirme que no me arrepiento de nada”.
Pero sí me arrepiento.
Hace muchos años un hombre muy sabio llamdo Bertrand Baruch me llevó aparte y me puso el brazo sobre los hombros.
-Harpo hijo mío-me djio-. Voy a darte tres consejos, tres cosas que debes recordar siempre.
Mi corazón se aceleró y me puse rojo de expectación. Iba a oir la fórmula mágica para lograr una vida rica y plena, de labios del maestro en persona.
-¿Sí señor?- le dije. Y me dijo las tres cosas.
Me arrepiento de haber olvidado cuales eran.

¡Ah!, por supuesto también se le oye contar cómo, cuándo y por qué es "mudo".


Algo más de información en:

Harpo 1

Harpo 2

presentación libro por Harpo


libro en google books (echar un vistazo a cualquier página al azar, vale la pena).

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Bésame, tonto

La gran desconocida.

Así calificaría esta película del maestro Billy Wilder, una demostración de cómo con una historia de lo más simple es capaz de hacer comedia con muchísima facilidad, es lo que tienen los cineastas que tienen esa capacidad innata. Me resultó muy divertida, con un humor ácido y una versatilidad a prueba de los mejores cineastas. Ya sé, algunos diréis que es una obra menor de Wilder, pero en mi opinión no lo es, reconozco que quizás no llegue a alcanzar el nivel de las comedias grandes del maestro, pero es una gran película.

Son muchas las opiniones que ha desatado esta comedia, que quizás en blanco y negro pierde, que si Panavisión, que si el protagonista principal, que Dean Martin falla, pero nada de esto debe dejar que esta comedia se infravalore. Una Kim Novak en el papel de Poly está estupenda, Felicia Farr para comérsela y Ray Walston aunque a veces más neurótico que gracioso hace un papel más que digno.

La película es fresca llena de gags con el matrimonio como temática con chistes de toda la vida. En definitiva me parece un atropello y una injusticia que no se aprecie mas a esta película, recomendable para aquellos que no la hayáis visto y de obligado revisionado para los que la recordéis vagamente.

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François Truffaut

BIOGRAFÍA

Nació en París el 6 de febrero de 1932 y falleció por un tumor cerebral el 21 de octubre de 1984, en Neuilly-sur Seine.

Fue reconocido en el registro civil por Roland Truffaut, arquitecto y decorador, que no era su padre biológico. Su madre fue Janine de Monferrand, secretaria en el periódico L´Illustration. No conoció a su verdadero padre hasta muchos años después. De los tres a los diez años fue educado por su abuela.

Empezó a ver películas a la edad de 7 años, con cierta frecuencia durante su horario escolar. También fue un buen lector, aunque no un buen alumno, dejando la escuela a los catorce años y empezó con pequeños trabajos. Algunos hurtos le llevaron a un correccional.

En 1947, a la edad de 15 años, funda un cineclub denominado "Cercle Cinemane". Allí conoce a André Bazin, uno de los grandes críticos de la época, que se convierte en su protector. Gracias a él empieza a trabajar en "Travail et Culture" y en 1950 empieza a escribir sus primeros artículos.

En 1950 se alista en el ejército (como consecuencia del trauma en el que le sume un fra­caso amoroso) y es enviado a Alemania, pero deserta y tras ser detenido es enviado a una prisión militar. Nuevamente, la intervención de André Bazin le permite salir de su prisión. Li­cenciado del ejército, a finales de 1952, con la gloriosa calificación de «en deshonor», es colocado por Bazin en el Servicio Cinematográfico del Ministerio de Agricultura. Pero a los pocos meses se despide por de­savenencias con sus superiores.

En 1953 publica sus primeras críticas cinematográficas en "Cahiers du Cinema", donde tanto él como otros colaboradores defienden apasionadamente lo que ellos mismos denominan cine de autor. Uno de sus más combativos artículos, «Una cierta tendencia del cine francés» (1954), levantó una gran polémica por lo que significaba de crítica hacia el estamento cinematográfico de su país. La reputación que obtiene como crítico duro y exigente es muy grande y sus escritos son esperados con curiosidad por sus seguidores y con temor por aquéllos a los que hace objeto de sus críticas, funda­mentalmente los directores franceses del cine de «qualité»: Claude Autant-Lara, Jean Delannoy, Julien Duvivier, etc. Todo ello redun­da en el desarrollo de «Cahiers du Cinéma» y de «Arts», que viven su mejor época, con un desarrollo espectacular de sus tiradas.

A raíz de todo esto, se planteó el salto a la dirección cinematográfica con el propósito de abrir una nueva vía de expresión, más realista y libre de los defectos y concesiones que él denunciaba, como el culto a las estrellas. En 1954 dirige su primer corto titulado Une visite. Du­rante tres años, 1955 a 1957, trabaja como ayudante de Roberto Rossellini, en la preparación de tres películas que no llegan a reali­zarse.

En 1957 se casa con Madeleine Morgenstern, hija de un importante distribuidor. La desahogada posición económica de su mujer le permi­tió fundar la productora «Les Films du Carrosse», nombre elegido en homenaje a Jean Renoir y su película La carrosse d’or. Con esta productora produjo casi to­dos sus films, además de otros de sus compañeros de la Nouvelle Va­gue. Ese mismo año dirige Les mistons, que puede realmente considerarse su primer trabajo cinematográfico.

En 1958 rueda Los cuatrocientos golpes, que tendrá al año siguiente un éxito espectacular. El guión era inicialmente para un cortometraje, La fugue d’Antoine, sobre la infan­cia y la adolescencia. Pero el guión de este corto va ampliándose hasta transformarse en el largo Les 400 coups. Con este film obtiene en el Festival de Cannes de 1959 el Gran Premio a la Mejor Dirección, cuando, paradójicamente, no estaba invitado al mismo, como represalia de la Dirección del Festival, por sus críticas de años ante­riores. Este film servirá de carta de presentación ante el mundo del movimiento de la Nouvelle Vague. Una parte de la filmografía de Truffaut está marcada por una infancia y una adolescencia difíciles, que reflejó fielmente en éste su primer largometraje, en el que su joven protagonista, Antoine Doinel, se convierte en el alter ego del realizador.

Desde esta película hasta su fallecimiento Truffaut va rodando con regularidad sus películas, con más o menos éxito. En algunas de ellas, como La habitación verde, La noche americana o El pequeño salvaje, entre otras, interviene como actor. También en esta faceta es recordado por su interpretación en la película de Steven Spielberg Encuentros en la tercera fase.

En 1959 y 1961 nacen sus hijas Laura y Eva, respectivamente.

En 1966 viaja a Estados Unidos. Durante varias semanas entrevista a Alfred Hitchcock y las grabaciones de dichas conversa­ciones, unas 50 horas, serán la base para escribir el libro Le cinema selon Hitchcock.

Pocos meses después tienen lugar los sucesos de mayo del 68. En el campo cinematográfico las consecuencias se plasman en la crea­ción de «Les Etats Generaux du Cinéma», la firma de un manifiesto contra el «Centre National du Cinéma» y la formación de la «Société des Réalisateurs Français». Pero Truffaut rehúsa participar en to­das estas actividades, incluso habiéndosele ofrecido la presidencia de la «Société».

En 1969 es invitado por Gregory Peck, Walter Mirish y Daniel Taradash, en representación de la Academia de Artes y Ciencias Ci­nematográficas de Hollywood, a formar parte de dicha sociedad. Truffaut acepta, siendo así el segundo director francés, después de Jean Renoir, que pertenece a la Academy Awards.

En 1982 nace su hija Josephine, fruto de su relación con Fanny Ardant.

En 1983 se le detecta un tumor cerebral. Truffaut, intuyendo, quizá, que le queda poco tiempo de vida, ultima algunos proyectos antiguos, tales como la reedición, puesta al día, de su libro Le Cinema selon Hitchcock, o la recuperación del material descartado de Les deux anglaises et le continent, la que él considera su mejor película, para resta­blecer el montaje original, que tuvo que alterar a instancias del dis­tribuidor, dada la mala acogida que había tenido el film por parte del público.

El 11 de octubre de 1984 cae en estado de coma y es ingresado en el Hospital Americano de Neuilly, en las cercanías de París, don­de diez días más tarde, el 21 de octubre, fallece.

EL CINE DE FRANÇOIS TRUFFAUT

El cine de François Truffaut está íntimamente unido a la Nouvelle Vague (Nueva Ola). Bajo la tutela de un grupo de críticos jóvenes y combativos (como Jacques Rivette, Jean-Luc Godard, Eric Rohmer o el mismo François Truffaut), agrupados en torno a la revista "Cahiers du Cinema", arremetieron contra lo que se llamaba el cine de "qualité" francés y consiguieron poder hacer cine de bajo coste, en 16 milímetros, con sonido directo, sin encadenados y en decorados naturales.

La Nouvelle Vague convulsionó el cine francés, rompiendo con las acartonadas películas que se hacían por entonces, para mostrar personajes vivos con un estilo narrativo directo, heredero del neorrealismo italiano. Según mostró Truffaut en su libro "El placer de la mirada", por primera vez en la historia del cine la pregunta ¿cómo hacer una película? fue reemplazada por otra más angustiosa y profunda: ¿por qué hacer películas?.

Gracias al entusiasmo provocador de Truffaut y de los otros críticos y a su ímpetu al polemizar contra un cine aletargado, el fenómeno de la Nouvelle Vague se vuelve imparable. Entre 1958 y 1962, noventa y siete jóvenes franceses filman su ópera prima. Claude Chabrol estrena en febrero de 1959 El bello Sergio, y en marzo Los primos. El festival de Cannes se rinde a los pies de Los cuatrocientos golpes de Truffaut y de Hiroshima mon amour de Alain Resnais. Un año después Godard realiza Al final de la escapada. Definitivamente el director se convierte en autor y ese movimiento germina y se esparce por todo el mundo.

Al igual que en su vida privada, sus temas favoritos fueron la pasión, las mujeres, la infancia y la infidelidad.

Entre sus películas cabe destacar la serie en la que aparece el personaje de Antoine Doinel, siempre interpretado por Jean-Pierre Léaud, que se inicia con catorce años en Los cuatrocientos golpes, y seguirá con El amor a los 20 años (un episodio), Besos robados, Domicilio conyugal y El amor en fuga.

Otro aspecto a tener en cuenta es la adaptación de diversas novelas, lo que no resulta raro, pues sabemos que Truffaut fue un lector infatigable. Entre varias destacamos las novelas de Henri-Pierre Roché Jules y Jim y Las dos inglesas y el amor, así como Fahrenheit 451 de Ray Bradbury.

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Bienvenidos al Norte

Bienvenidos al norte cuenta la historia de un director de una oficina de correos, que intentando conseguir el traslado a la costa azul, no duda en hacer trampas y al ser descubierto, le "destierran" a un pequeño pueblo del norte de Francia. Y es aquí cuando los tópicos entran en juego e incluso resultan entretenidos. Para el protagonista, los habitantes de esa región de Francia, son poco menos que una reencarnación de Asterix y Obelix, primitivos, medio salvajes, e incluso hablan un dialecto, el "Ch'tis", poco menos que ininteligible. Salvando las distancias, se podría comparar a un destino en el País Vasco y cuando uno llega espera encontrar "troncolaris" y "levantadores de piedras" por doquier. La realidad que se encuentra es bien distinta, ya que sus subordinados, a pesar de las diferencias, son gente muy abierta y agradable. A pesar de todo, el protagonista, Abram, miente a su mujer, de la que se estaba distanciando, sobre sus condiciones de vida, confirmando y exagerando todos los tópicos sobre esa región, enredando más la madeja de su relación de pareja. El desenlace llega cuando su mujer, apenada por las condiciones de vida de su marido, decide trasladarse ella también al norte.
La película transcurre a un ritmo bastante adecuado y en ningún momento se hace pesada, o se tiene la sensación de que los gags están demasiado forzados, si bien, estoy convencido de que a un francés le resultará más graciosa que a un español, de igual forma, la traducción al español del dialecto Ch'tis queda un poco artificial y forzada para mi gusto. El problema es que su visión en versión original subtitulada, tampoco resuelve el problema, salvo que se domine perfectamente el idioma y se puedan prescindir de los subtítulos.
En resumen, se trata de una comedia ligera y fresca, ideal para pasar un buen rato en una calurosa noche de verano.

Valoracion: 6,5 sobre 10

Alberto

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"¡Sube a recogerlo Frank!"

La película de Frank Capra, Dama por un día fue nominada en cuatro categorías, ¡y qué cuatro categorías!, mejor guión, mejor director, mejor actriz principal y mejor película. Podía establecer un nuevo récord y Frank no conseguía apartar de su vitalista pensamiento esa posibilidad.

Su amigo Will Rogers entregaría los Oscars. Y como dijo el propio Capra

No podía fallar

Comienza la ceremonia , primeros premios técnicos, la emoción se desbordaba, la ilusión los nervios, el enorme sentimiento e intensidad con el que Frank vivía se apoderaba de él…. Y llega el primer premio importante, el correspondiente al mejor guión…, ¡no hubo suerte! …, el resto mejor que lo cuente Él….

Me sentí sorprendido, pero no abrumado."Supongo que tendré que conformarme con tres" dije estúpidamente a mis amigos. Un vago temor se infiltró en nuestra mesa. Fue disipado inmediatamente por Will Rogers. ¡El siguiente premio era a la mejor dirección! Mientras Rogers leía las nominaciones, eché disimuladamente una última y rápida mirada bajo la mesa, a mi arrugado discurso de aceptación. Pero ni siquiera podía sostenerlo, y mucho menos leerlo.

Rogers dijo unas cuantas palabras amables acerca de los directores , luego "…y el mejor director del año es…, el sobre, por favor… [lo abrió, y se echó a reír] ¡Bien, bien, bien! He observado a este joven durante largo tiempo… Lo he visto subir desde el fondo, y quiero decir desde el fondo. No podía haber una persona más adecuada. ¡Sube a recogerlo, Frank!".

Mi mesa estalló en vítores y aplausos. Había un largo camino hasta la pista de baile , pero me abrí paso entre las atestadas mesas…, hasta que alcancé el espacio despejado de la pista de baile. El foco estaba intentando hallarme. "¡Aquí!", agité la mano. Luego, de pronto, se apartó de mí…, y se posó en un acalorado hombre de pie al otro lado de la pista de baile…, ¡Frank Lloyd! El aplauso fue ensordecedor mientras el foco escoltaba a Frank Lloyd por la pista de baile hasta el estrado, donde Will Rogers lo saludó con un enorme abrazo y un apretón de manos de todo corazón. Me quedé petrificado en la oscuridad, absolutamente incrédulo, hasta que una airada voz a mis espaldas gritó "¡Hey, ahí delante!".

El camino de regreso –entre VIPs que aplaudían al tiempo que gritaban: "¡Siéntese", "¡Ahí delante!", "¡Siéntese" puesto que obstruía su visión- fue el recorrido más largo, triste y desmoralizador de mi vida. Deseé poder meterme debajo de la alfombra como un miserable gusano. Cuando me dejé caer en mi silla me sentí como uno de ellos. Todos mis amigos en la mesa estaban llorando.

…..

Gran estúpido…, corriendo a recoger un premio muerto de excitación, solo para arrastrame de vuelta muerto de vergüenza.

Terminaron borrachos, y no se puede olvidar un comentario más como colofón a dicha jornada.

Pero Lu mantuvo su calma y sonrió…, como sólo las felices mujeres embarazadas y la Mona Lisa saben sonreír.

Un par de semanas después nació Frank Jr.

Y un poco más tarde Sucedió una noche.

Frank Capra fue un genio. Vitalista, humano y que vivía intensamente, muy intensamente.

Sus películas necesarias, indispensables.

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Home (Yann Arthus-Bertrand, 2009)

Un documental sencillamente imprescindible. Obligado para todos aquellos concienciados en que precisamos una transformación planetaria en profundidad. Recomendable para los que piensan que el cambio climático es un invento; no creo que los sólidos argumentos del guión les convenzan de nada, pero al menos podrán disfrutar con una impresionante fotografía aérea.

Se trata de un documental francés con un sólido contenido, no sólo en cuanto a la documentación de la información científica sino en lo que se refiere a la filosofía subyacente. La exposición es sobria, en contraste con otro documental made in Usa más conocido, con un perfecto equilibrio entre la dramática exposición de hechos y riesgos, y la esperanza que cierra la película.

Se acompaña de una fotografía sencillamente impresionante, la mayor parte desde tomas aéreas efectuadas en diversos rincones del planeta. Si la véis en blu-ray corréis el riesgo de que os atrape la alta definición.

El mensaje de fondo no es nuevo, pero es importante refrescarlo de vez en cuando para no bajar la guardia, y este documental cumple a la perfección esta función. Si los siglos XIX y XX fueron un aprendizaje (no demasiado afortunado) hacia la creación de sociedades más armónicas, el siglo XXI debe ser el de la armonización del hombre con el planeta Tierra y sus especies. El problema es que posiblemente no podemos permitirnos el lujo de suspender.

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Dama por un día

Frank Capra apunta directamente al corazón con esta película más conocida por el remake que el propio Capra dirigió casi treinta años después, Un gángster para un milagro (1961), con Bette Davis y Glenn Ford.

Capra dirigió esta película en 1933. Estamos en plena crisis financiera mundial. Esta película hace eco de este suceso: la principal protagonista es una mendiga, vendedora ambulante de manzanas, que protagoniza espléndidamente May Robson (estuvo nominada al Oscar a la mejor actriz, que aquel año consiguió Katharine Hepburn por Gloria de un día, 1933). La suerte no acompañó a esta película, que perdió en las otras dos nominaciones: la de mejor guión adaptado y la de mejor película. Una lástima, porque es de las grandes: enormes interpretaciones, fabuloso y sentimental guión con un irremediable happy ending (de hecho, no sería hasta el año 36 que veríamos películas de índole pesimista como El bosque petrificado), y una irreprochable dirección que mantiene el pulso de la película, representando un drama social desde la comedia.

¿Crees en cuento de hadas? Está claro que Capra sí. Y es que todo en esta película es encantador hasta la saciedad: la enorme bondad que destilan todos sus personajes, la gran cantidad de historias dramáticas endulzadas por las buenas intenciones de todos, representando las más variopintas condiciones sociales: mendigos, gángsteres, aristócratas, policías, políticos...

Obra maestra con un destino aciago, pero de visionado obligado. Si aún fuera posible, respetando el orden de los factores: primero ésta, y luego el remake.

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Un día en la vida de Andrei Arsenevich

Los que conocemos el cine de Tarkovski sabemos que no es un artista cualquiera, sabemos que es único y nos sabemos partícipes de su esencia más genuina al contemplar sus películas. Es una experiencia diferente, muy cercana a la religiosa, que nos acerca a lo innombrable e incomprensible a través de múltiples sugerentes metáforas. Tarkovski se sirve del cine (como hubiera podido ser escritor o escultor) para prodigar lo que él siente como verdadero, para paladear en pequeñas dosis lo que aquí, en la tierra y como seres humanos podemos vislumbrar de la trascendencia. Al igual que un músico con sus partituras, cada una de sus cintas forma parte de un todo, lo que es su obra: una unidad construida convincentemente con tesón y fervor.

Este documental representa un pequeño homenaje a su figura y a su producción. Realizado a modo de comparación y de alegorías entre sus películas y su vida, nos muestra al maestro ya en su estado más deprimente, cuando la enfermedad ya actuaba sin piedad. Diversas escenas con su mujer y su hijo conducen momentos de gran emotividad y confirman que vida y cine a veces son parte de una misma esencia.

Marker nos adentra con prudencia en sus películas sin desvelarnos los misterios, pero sí como mostrándonos el camino a seguir en caso de necesitarlo. Veneración, madurez, discernimiento, profundidad, además de una muestra de la tradición rusa de la que Tarkovski se sentía tan orgulloso y pertenecedor, son algunos de los aspectos que podemos disfrutar en el documental.

Puede haber quien espere un poco más del Tarkovski humano, un poco más de su ángulo casero y familiar, pero teniendo en cuenta cuándo se grabó y en qué circunstancias, me parece un documento insustituible y de gran valor histórico.

"Un día en la vida de Andrei Arsenevich"… para seguir venerando a nuestro profeta más querido, uno de los creadores más ambiciosos que han llegado más lejos en nuestra historia humana más reciente.

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Sharon Stone bañada en orina

En el rodaje de Las minas del Rey Salomón la rubia heroína se sumergió en un calderón de orina como premio a sus malos modos, así lo afirmó la propia Sharon Stone en alguna revista de cine americana. Los compañeros de rodaje de esta película que se rodó en España la bautizaron como "Charito Stone", en una de las escenas la rubia actriz, que había sacado de quicio a más de uno de sus compañeros de rodaje y tenía bastante mosqueados a unos cuantos integrantes del equipo técnico, había de meterse en una olla gigantesca donde supuestamente había agua hirviendo para que los indígenas de turno le aplicaran al personaje que interpretaba algunos de sus descubrimientos gastronómicos.

La olla debería haber estado llena de agua, pero los compañeros dela actriz se dieron cita la noche anterior para echar una larga y cálida meada en la misma, de manera que al día siguiente Sharon Stone se bañó en la orina de todos aquellos a los que había estado jorobando.

Tal escarmiento no sirvió de mucho a juzgar por su conducta posterior. Durante la filmación de su pelea contra Arnold Schwarzenegger en Desafío Total dirigida por Paul Verhoeven en 1990, se le fue la mano en el realismo y le largó un golpe al musculoso austriaco que estuvo a punto de dejarle seriamente lesionado. En el rodaje de Instinto básico en 1992"Charito" discutió por casi todo con el director Paul Verhoeven y el protagonista masculino, Michael Douglas, quienes terminaron incluso a tortas por su culpa y que incluso han puesto tierra de por medio con la Stone y se negaron a trabajar con ella en una secuela.

Al año siguiente cuando rodaba Acosada le propinó una bofetada a su compañero de reparto William Baldwin, cuando intentaban rodar una secuencia en la que él se acerca por detrás para darle un abrazo. En opinión de Stone, la aproximación resultó más intima y personal de lo que requería la ficción cinematográfica.

En cuanto al popular contencioso sobre si ella sabía o no que iban a utilizarse las imágenes de su destape en el cruce de piernas, sin ropa interior, de la secuencia del interrogatorio de Instinto básico, el director confirmó en una entrevista que la Stone no solo lo sabía que iba a incluir las imágenes en el montaje sino que incluso vio las tomas del día en el combo y estuvo totalmente satisfecha con el resultado de las mismas.

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Conciliación

Pues sí, de eso va la película. Pensaréis entonces que no puede ser de otra cosa que de la tan de moda conciliación entre la vida laboral y familiar. No exactamente.

Frank Wheeler (Leonardo DiCaprio) es un oficinista que trabaja en la misma empresa en la que lo hizo su padre, tiene un horario normal y cierta libertad para cogerse algún que otro rato libre. April Wheeler (Kate Winslet), frustrada aspirante a actriz de joven, es ama de casa y se ocupa de sus labores y de los dos hijos de la pareja. Viven en un barrio residencial de Connecticut, en una casita muy mona, y son la pareja más envidiada por el vecindario.

Así que no parece que tengan muchos problemas de conciliación, al menos entre lo laboral y lo familiar. Más bien su problema es para conciliar eso con la vida, sin apellidos. Se van haciendo mayores y la oportunidad de vivir otra cosa que no sea la rutina del trabajo, la aventura ocasional, el culito del niño o el amigo de todos los días se les escapa, no tanto por su edad, son jóvenes, sino porque los lazos, o mejor, las ataduras, son cada día más y más fuertes.

Evidentemente estos chicos tienen alguna tara mental, piensan que son especiales, de modo que no se conforman con tener una "vida" que no sea especial. Es posible incluso que piensen que todos somos especiales, ya ves qué tontería. El caso es que por ahí se desata el drama, por la lucha entre su voluntad de escapar, de vivir, y todo lo demás, incluso ellos mismos.

Sam Mendes vuelve a escarbar en los entresijos de la sociedad moderna, de la familia, como ya lo hizo en American Beauty, y el resultado es sobrecogedor.

Atentos al loco de la peli, el tipo más cuerdo que transita por Revolutionary Road. Atentos también al bocado en la yugular que supone la cinta para las asociaciones pro vida, o al menos a mí me lo parece.

Al final la sociedad se impone: mejor no pensarlo, mejor no escuchar, mejor olvidar... Títulos de crédito y vuelta a la rutina.

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Andrei Tarkovski

Andrei Tarkovski, nacido el 4 de abril de 1932 en la localidad soviética de Zavraje, a orillas del río Volga, manifestó desde su infancia una decidida vocación artística, que entonces no se concretaba plenamente: se interesaba por la música, la pintura y la literatura. A tal inclinación debió contribuir la esmerada educación que le proporcionó su padre, el poeta Arseni Tarkovski. Su madre fue Maria Ivanovna Vishniakova (Tarkovskaya). Tuvo una hermana llamada Marina.
A principios de los años 50 participa en una expedición geológica en Siberia, pero algún tiempo después se decide por los estudios en cinematografía, que inicia a la edad de veinte años, bajo el magisterio del director Mijail Romm en el célebre VGIK (Instituto Superior Cinematográfico del Estado). Allí produjo tres cortos y culminó su formación con un mediometraje que fue su tesis de graduación: El violín y la apisonadora, primer premio en el Festival de Cine de Escuelas en New York en 1961.
Su primer largometraje es La infancia de Iván, data de 1962 y en él se hallan los gérmenes de su creación de madurez. La película, en el conjunto de su producción, acusa la influencia de una cinematografía más convencional, que se evidencia en ese cierto apego a la narrativa del cine clásico. Sin embargo, esta primera gran obra contiene unos elementos que se proyectan hacia otro nivel de creación, fruto de una voluntad esteticista y aun propiamente poética. A ese intento responden los reiterados sueños del protagonista, la carga significativa de los tiempos muertos, las rupturas en la línea narrativa, la actitud reflexiva que con frecuencia se apodera del personaje, etc. Tales hallazgos la hicieron merecedora del León de Oro en el Festival de Venecia.
Los caracteres estéticos mencionados se intensifican en sus producciones posteriores, como Andrei Rublev, de 1966, que supuso el primer tropiezo de una larga serie de dificultades con la censura soviética. Ésta recrudece sus invectivas contra el artista en las películas siguientes: Solaris (1972), El espejo (1974) y Stalker (1979). Pero, pese a esas limitaciones que le impone el régimen de su país, Tarkovski sigue acudiendo a los certámenes internacionales de cine.
Largometrajes distanciados entre sí por largos períodos de inactividad como director, que Tarkovski alternaba con su tarea de docente. Producidos en condiciones dificultosas, con una relación de amor-odio entre él y las autoridades soviéticas, que adoptaron frente a su obra un criterio tan perverso como, al fin y al cabo, ventajoso. Le dejaban filmar con notables medios a su disposición, pero obstaculizaban en el mayor grado posible la difusión de su obra. Tarkovski respondía a la transacción con una actitud crítica pero sin pasar a una contestación abierta. El problema radicaba en que dentro de una sociedad que presumía de tener respuestas para todo, él se limitaba a hacer preguntas. En este equilibrio costoso pasó la mayor parte de su vida, sometido a una presión continua que, en pleno rodaje de Stalker, le produjo un infarto que lo dejó inactivo por varios meses.
En Italia rueda Nostalghia, en 1983. Y las conflictivas relaciones con las autoridades soviéticas se agudizaron: en 1984 proclamó públicamente su exilio. No obstante, rodar en Europa Occidental le costó tanto como en su tierra natal. Gravemente enfermo y tan sólo con el apoyo de amigos y algunas instituciones, lograría que su última película, Sacrificio (1986) se llevara a cabo. En Sacrificio su ideario artístico ya ha alcanzado la perfección prevista desde mucho tiempo antes. Andrei Tarkovski muere en París el 29 de diciembre de 1986. Pese a los insistentes reclamos de los funcionarios soviéticos de entonces, sus restos permanecieron en el cementerio ortodoxo de Sainte Genevève des Bois, una pequeña localidad a las afueras de París.

FILMOGRAFÍA

Estos son los títulos que filmó en su etapa como estudiante:

Ubiitsy (Los asesinos, 1956): Primer corto de juventud, co-dirigido junto a dos compañeros del VGIK (Instituto Superior Cinematográfico del Estado), en la que Tarkovski actúa en un pequeño papel.

Konsentrat (1958): Cortometraje del que sólo existe el guión, ya que jamás llegó a rodarse, a pesar de que muchos aseguran haberla visto.

Segodnya uvolneniya ne budet (Hoy no habrá salida, 1959): Segundo trabajo de escuela terminado y co-dirigido junto a su compañero A. Gordon. Muy pocos elementos pueden verse del verdadero Tarkovsky. Se trata de un film al estilo "propaganda" sobre los héroes del ejército soviético en tiempos de paz. Un simple ejercicio sobre cómo trabajar con actores profesionales y rodar una historia convencional con producción "comercial". Aún así mantiene su valor histórico por ser uno de sus primeros acercamientos al cine en la práctica.

Katok i skripka (El violín y la apisonadora, 1960): Mediometraje realizado como tesis de graduación y primera película enteramente dirigida por Tarkovsky. Obtuvo el primer premio en el Festival de Cine de Escuelas en New York, en 1961.

A partir de aquí, podemos considerar su filmografía "esencial", donde todas las claves éticas y estéticas están ya en plena madurez. Siete títulos imprescindibles:

Ivanovo detstvo (La infancia de Iván, 1962)
El primer filme de Tarkovsky narra cómo Iván, un niño ruso de fuertes convicciones, se embarca en una complicada misión contra los nazis. Como todos las obras del director ruso, es un relato complejo y visualmente fascinante, pero uno no puede dejar de sentir ciertas reservas ante la artificiosidad de la narración, palpable tanto en el formalismo "de vanguardia" como en las pretensiones del mensaje. Escenas como la de Iván corriendo por el agua resultan, no obstante, estremecedoras. La única película en la historia del Festival de Venecia que, siendo una ópera prima, ganó el León de Oro. Además el director de cine retomó un rodaje ya empezado, al ser despedio a los pocos días del rodaje el anterior realizador Eduard Abalov.
"Una poética y conmovedora obra maestra" (Time Out)

Andrey Rublyov (Andrei Rublev, 1966)
La vida del pintor ruso Andrei Rublev -Andrei Rubliov-, famoso por sus iconos, aparece en todas las listas de las mejores películas de la historia del cine. Un larguísimo biopic -182 minutos- le sirve a Tarkovsky para hacer un minucioso retrato de la vida social, política y artística en Rusia a principios del siglo XV.

Solyaris (Solaris, 1972)
La misión Solaris ha establecido su base en un planeta que parece albergar algún tipo de inteligencia. Un científico viaja hasta allí para sustituir a otro que ha desaparecido. Tras sus investigaciones, descubre una realidad alternativa de la que le será muy difícil huir. La película está basada en la novela de ciencia ficción del escritor polaco Stanislav Lem. Es una reflexión de temas como el cosmos, la tierra, el hombre, la conciencia humana, la vida, la muerte y la responsabilidad ante el futuro.

Zerkalo (El Espejo, 1975)
Un hombre habla con su esposa sobre su situación actual y los motivos por los que se han distanciado. Un pasado que es el suyo, pero también el de un país y el del acontecer mundial.

Stalker (Stalker la Zona, 1979)
En Rusia existe un lugar conocido como la Zona, donde un meteoro se estrelló años atrás. A pesar de que el acceso a la Zona está prohibido, los Stalker se dedican a guiar a quienes se atreven a aventurarse en este inquietante paraje.

Nostalguia (Nostalgia, 1983)
Andrei Gorèakov es un poeta ruso que se encuentra recorriendo Italia, investigando las vivencias de un compositor del siglo XVI. Con él viaja Eugenia. Ambos se toparán en su camino con el apocalíptico Domenico.













Offret - Sacrificatio (Sacrificio, 1986)
Alexander, un ex-actor convertido ahora en distinguido crítico de arte, festeja su cumpleaños con su esposa, sus hijos, su amigo médico Viktor y el cartero de la aldea Otto. La fiesta la preparan dos camareras, una de ellas Julia y la otra Maria, una misteriosa mujer islandesa con fama de bruja buena. De repente todo se sacude, a causa de una escuadrilla de aviones que pasa rozando el suelo. En un televisor se oye la voz triste de un gobernante que anuncia peligros y desastres: una guerra total y definitiva. El festejado Alexander cae de rodillas recitando el Padre Nuestro y pidiéndole a Dios que aleje los horrores que se anuncian, prometiéndole la renuncia a todo lo que posee: casa, afectos, familia.





No obstante, habrá que citar otros dos trabajos que forman parte de la filmografía de Tarkovski:

Boris Godunov (1982)
Filmación de la ópera homónima de Mussorgsky, dirigida por Claudio Abbado, con puesta en escena del mismo Tarkovski.

Tiempo de viaje (Tempo di viaggio, 1983)
Película rodada para la televisión, y dirigida junto a Tonino Guerra, documenta el viaje que ambos realizadores hicieron a Italia antes del rodaje de Nostalguia.

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No es país para viejos

Es una película entretenida, pero yo no la calificaría como la mejor película de los Coen, el comienzo es trepidante, te atrapa y te quedas maniatado en el asiento, la crudeza de las escenas de violencia ya sabemos todos que hay muy poca gente capaz de rodarlas como lo hacen los Coen. El personaje de Bardem me recordó en muchos pasajes a Henry retrato de un asesino pero el caso es que la historia llega un momento en que no progresa, quiero decir que noto como si en un momento dado no supiesen cuál es el giro que debían darle a la historia para hacerla creíble o para terminarla con éxito.

Mis peros vienen en la última media hora de metraje, la historia se para cual un loco maniático que en un estado de ansiedad y locura se para un instante y no sabe si tirarse por una ventana o dispararse a la cabeza. El personaje de Bardem me empieza a hartar e incluso la cara de Bardem que en los primero minutos de la peli me parecía genial ahora me resulta patética y ese peinado esperpéntico y absurdo.

El diálogo cuasi final entre Tomy Lee Jones y el viejo me pareció tedioso, al igual que la prejubilación del Sheriff, ahora estorbo en casa.

Pero no voy a quitar a mayo sus flores, la peli tiene calidad y está muy por encima de lo que tristemente es habitual en el cine actual, ese filtro fotográfico que imprimen los Coen a sus pelis me sigue cautivando.

6/10

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Solo ante el peligro

Gregory Peck rechazó Solo ante el peligro. El miedo a repetirse y una fobia temporal al western llevó a Gregory Peck a desperdiciar una de las mejores oportunidades de su carrera: protagonizar "High Noon" (Solo ante el peligro), dirigida por Fred Zinnemann en 1952.

Stanley Kramer tenía pensado darle a Gregory Peck el protagonismo de un western que iba a producir, "High Noon" (Solo ante el peligro). El guión le llegó al actor poco después de protagonizar "The gunfighter" (El pistolero), dirigida por Henry King en 1950. Peck leyó el guión por encima, quizás demasiado rápido, porque decidió que era excesivamente similar al western que acababa de protagonizar y rechazó la oferta. Además había tenido una mala experiencia con el cine del oeste encabezando el reparto de la que años mas tarde seguía calificando como la peor película de toda su carrera, "Only the valiant" (Sólo el valiente) dirigida en 1951 por Gordon Douglas.

Gregory Peck nunca se perdonó haber rechazado esa oportunidad: "no sé lo que pasaba por mi mente en aquella época" -declaró mas tarde-. Gary Cooper fue lo suficientemente inteligente com para aceptar el papel y lo hizo tan bien que probablemente yo no habría podido superarlo. Aún así hubiese sido una gran película conmigo de protagonista. Quizá no tan buena como con Cooper, pero buena de todas formas. Era una golosina. "Un papel a tiro fijo, un éxito seguro". Gary ganó el Oscar por Solo ante el peligro, que sirvió como eficaz reconstituyente para su carrera.

Aunque no se quedó solo ante el peligro, la carrera de Gregory Peck prosiguió con títulos tan destacados como "The world in his arms" (El mundo en sus manos), dirigida por Raoul Walsh en 1952, "The snow of Kilimanjaro" (Las nieves del Kilimanjaro) dirigida por Henry King en 1953, o "Roman Holiday" (Vacaciones en Roma) dirigida por William Wyler en 1953. Ninguno de estos films era un western, género con el que Peck no volvió a relacionarse hasta que protagonizó a las ordenes de William Wyler "The Big Country" (Horizontes de Grandeza) en 1958.

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