Cine y Jazz

Cine y Jazz.

Pues no, este mes no cocinamos. Para este mes hemos decidido hacer una salida nocturna e irnos de garitos. A esos garitos, casi clandestinos, de atmósfera densa y Bourbon de contrabando, en los que a medida que avanza la noche, la banda suena cada vez mejor. Este mes, nuestro ciclo está dedicado a “Cine y Jazz”.

Cine y Jazz.
Jazz y cine nacieron con el siglo y balbucearon sus primeras palabras casi al unísono; no es casualidad que la primera película sonora de la historia del séptimo arte se titulara allá por 1927: 'El cantor de Jazz'.

El jazz es un género musical nacido a finales del siglo XIX en Estados Unidos que se expandió de forma global a lo largo de todo el siglo XX.

La palabra jazz, referida a un género musical, aparece escrita por primera vez el 6 de marzo de 1913 en el periódico San Francisco Bulletin cuando, al reseñar el tipo de música ejecutada por una orquesta del ejército, señaló que sus integrantes entrenaban a ritmo de ragtime y jazz. En estos primeros años, la forma del nombre oscila entre jaz, jas, jass, jasz o jascz, y, según Walter Kingsley, colaborador del New York Sun, "el término es de origen africano, común en la Costa del Oro africana y en las tierras del interior".

No obstante, puede que fuese un término originario del minstrel o del vodevil, o incluso del mundo árabe. Varios autores han subrayado también su relación con el acto sexual en el argot norteamericano.

El primer disco en el que apareció la palabra jazz como definidora de la música en él contenida lo grabó la Original Dixieland Band en enero de 1917 en Nueva York; durante ese año, además, se popularizaría el término, que probablemente había sido ya de uso común en la lengua oral entre 1913 y 1915.

El concepto
El jazz se caracteriza por eludir la ejecución de las interpretaciones a partir de la lectura fiel de una partitura (a pesar de que muchos músicos de jazz dominen el lenguaje musical): la base de la interpretación y el estilo jazzístico es la improvisación. En cualquier caso, exceptuando al free jazz o algunas jam session (donde suele suceder que no se trabaje sobre ningún tema ya conocido), improvisar significa que el intérprete recrea libremente el tema en cada ejecución sobre una determinada estructura armónica, ya sea en público o en un estudio de grabación: la melodía funciona como tema principal e idea para desarrollar una posible interpretación.

En este sentido, la música de jazz se centra más en el intérprete que en el compositor. La improvisación diferencia de forma primordial al jazz de otros estilos musicales de la tradición musical occidental, como la música clásica europea. De este modo, el jazz recupera en la música occidental la improvisación como esencia musical, como existe en la mayor parte de las tradiciones musicales de origen no europeo, especialmente en los ritmos africanos, con predominio del uso de síncopas y de determinadas formaciones orquestales.

En cuanto a su repercusión pública, la subordinación de la melodía (el factor más valorado, por ejemplo, en la música pop) a la libertad creativa del artista, ha alejado históricamente al jazz de una presencia comercial masiva.

El patrón subyacente sobre el que se delinean melodías sincopadas y figuras rítmicas (frecuentemente, un ritmo aditivo) es metronómico y la organización armónica tonal emplea frecuentemente la escala del blues con fines melódicos. Son recursos habituales las blue notes, síncopas, ritmos múltiples, vibratos y glissandos. El formato de los temas de jazz es, en la
mayoría de las interpretaciones, el del blues y el de la canción popular.

El jazz es habitualmente interpretado por formaciones en las que se destaca un instrumento solista (concertino) acompañado de una sección rítmica (ripieno formado por una batería, un contrabajo o bajo eléctrico y algún instrumento armónico como el piano, el banjo o la guitarra). Las formaciones pueden ser muy variables, desde solistas sin acompañamiento, tríos, cuartetos o quintetos, hasta las grandes Big Bands en las que la improvisación juega un papel secundario.

La libertad interpretativa, que es definitoria del jazz, ha llevado al uso de un término histórico, swing, como sinónimo de una determinada calidad rítmica que es percibida de una forma completamente subjetiva. Los instrumentos de la sección rítmica adaptan las figuras de sus improvisaciones o acompañamientos de acuerdo al tempo elegido para la interpretación. Al ser variable y subjetivo, no existe consenso sobre la notación correcta del swing y se suele aceptar escrito en corcheas.

Evolución
Existen muchos debates sobre la definición y evolución del jazz. Mientras que algunos críticos y entusiastas hacen definiciones mas estrictas, las cuales dejan fuera a determinados tipos de Jazz, los músicos siempre se han mostrado reticentes a encasillar la música que hacían. Así, hay críticos que consideran que Duke Ellington no es Jazz, ya que los arreglos y la orquestación, y lógicamente, la falta de improvisación, no se ajustan a las pautas del Jazz. En este sentido, y dado que nuestra intención no es crear polémica (o sí), diremos lo que dijo el propio Duke Ellington al respecto: “It’s all music”.

Con el fin de evidenciar esta diferencia de criterios, vamos a intentar mostrar dos formas distintas de ver la evolución del Jazz. Por una parte, está la visión que publican en la web apoloybaco, en la cual se echa en falta durante la década de los años treinta y cuarenta todo lo referente a las Big Bands, omitiendo nombres de la talla de Duke Ellington, Count Basie, Benny Goodman o Artie Shaw. Por otra parte, está la visión que aporta la wikipedia, en su artículo en Inglés, que intentaremos traducir y resumir lo mejor posible y cuya lectura es altamente recomendable.

En el principio (1885-1922) está el blues, las canciones de trabajo en las plantaciones de algodón o "worksong"; la comedia y el vodevil; la marginación del negro hasta denigrarlo en espectáculos atrozmente racistas y burlescos, intentando alargar la figura del "Tío Tom". La música no era jazz y sí, un batiburrillo de ritmos y sonidos (los rag, las pianolas, etc) que algunos blancos imitaban con algún éxito. Desde el último cuarto del siglo XIX, el jazz estaba, no obstante, incubándose en La Louisiana (New Orleáns).

Posteriormente, inaugurando la época del swing, (1923-1939) llegó King Oliver, con su "Creole Jazz Band" y grabó entre otras composiciones "Dippermouth Blues". Los tres solos a corneta de esa pieza, además de ser el punto de inflexión entre la música callejera y el jazz, fueron imitados sin contemplaciones hasta mucho tiempo después por un gran número de músicos. Louis Armstrong -segundo corneta de su banda y discípulo suyo- retomó en la orquesta de Fletcher Henderson el estilo, el virtuosismo y la flexibilidad rítmica de Joe Oliver, superándolo y marcando un camino imborrable en el tiempo.

El bebop (1940-1950), una revolución musical extraordinaria y base de todo el jazz moderno, coincidió con la huelga de grabaciones que desde el 1 de agosto de 1942 hasta noviembre de 1944 llevaron a cabo todos los músicos organizados en torno a la Federación Americana de Músicos (AFM). El efecto más "perverso" de esa huelga fue "retrasar oficialmente" el nacimiento de aquella nueva música que se estaba gestando en el norte del barrio de Harlem y en torno a un club ya histórico y desaparecido: El Minton's Playhouse de Harlem, en New York.

El cool y el hardbop (1951-1969) convivieron durante este periodo de tiempo en una clara pugna por la hegemonía musical del jazz. Mientras en la Costa Oeste de los Estados Unidos, Lennie Tristano, Lee Konitz, Dave Brubeck y otros músicos generalmente blancos, le daban al jazz una impronta estilísticamente más culta, y presuntamente más funcional, en la Costa Este, surgió con enorme fuerza alrededor del batería Art Blakey, Horace Silver y los Jazz Messengers, un estilo que los negros neoyorquinos no dudaron en considerarlo no sólo como una respuesta al presunto amaneramiento del jazz, sino como legitimo heredero del bebop. Luego llegaron al jazz aires renovados que inauguraron toda una época: llegó el jazz libre o "freejazz". Ornette Coleman fue acusado por los puristas de siempre de asesinar al jazz, pero cuando Miles Davis, entró en ese terreno con discos y aventuras musicales eléctricas, las criticas no sólo terminaron, sino que se volvieron alabanzas.

Ya en nuestro tiempo (1970-2005) el jazz sobrevivió a crisis existenciales importantes, superó una década de los ochenta dominada por dudosas experiencias y regresó en los noventa con fuerza inusitada, cual si fuese el Ave Fénix, resurgiendo de sus cenizas. La tenacidad de algunos músicos veteranos (Max Roach, Art Blakey, Betty Carter) y la aparición de jóvenes talentos (Joe Lovano, Wynton Marsalis), músicos con una técnica prodigiosa, aunque algunas veces exenta de originalidad, consiguió que el jazz entrara en el siglo XXI sin perder ni un ápice de la fuerza que un siglo atrás inventaron hombres como Louis Armstrong, Duke Ellington o Charlie Parker entre otros. Hoy en el siglo XXI, no se adivina nadie capaz de igualar el genio creativo de estos músicos de leyenda, pero hay algunos que apuntan fuerte y que en los próximos años tendrán que dar de sí todo lo que llevan dentro. Nos estamos refiriendo al maestro del piano, Brad Meldhau -posible sucesor del genial, Bill Evans-, o la extraordinaria cantante, Diana Krall.

Fuente: www.apoloybaco.com

Y según la wikipedia en ingles:

Los orígenes.

Para 1808, el tráfico de esclavos había llevado a Estados Unidos mas de medio millón de Africanos, principalmente de la costa occidental, que llevaron consigo sus tradiciones musicales. Estos esclavos organizaban bailes los domingos en “Congo Square” de Nueva Orleans. La música africana era muy habitual, tanto para el trabajo como para los ritos, y dio lugar a las work songs y field hollers. La tradición africana hace uso de una melodía lineal y una pauta de diálogo, pero carecía del concepto europeo de armonía, los ritmos reflejaban las pautas africanas y usaban las escalas pentatónicas dando lugar a las blue notes en el Blues y en Jazz.

A principios del siglo XIX, fue aumentando el número de músicos negros que habían aprendido a tocar instrumentos europeos, especialmente, el violín, el cual era utilizado para parodiar la música de baile europea en sus bailes cakewalk. A su vez, los americanos de origen europeo realizaban los llamados minstrel show, en los que actores con la cara pintada de negro (blackface)
popularizaron esta música, combinando las sincopadas con el acompañamiento armónico europeo. Louis Moreau Gottschalk adaptó esta música con melodías sudamericanas, caribeñas y de otras tendencias como música de salón. Otra influencia vino de los esclavos negros que habían aprendido la el estilo armónico de los himnos y lo incorporaron a su propia música a través de los spirituals […]

1890-1910

Ragtime

La abolición de la esclavitud permitió nuevas oportunidades de educación a los liberados Afroamericanos, aunque una estricta segregación limitaba las oportunidades de empleo de la mayoría de los negros, sin embargo, estos fueron capaces de encontrar trabajo en el espectáculo. Los músicos negros proporcionaban espectáculo a través de bailes, minstrel shows y vodevil, lo que propició la formación de múltiples bandas. Los pianistas negros tocaban en bares, clubs y burdeles, desarrollando el ragtime.

El ragtime se publicó en partituras, popularizado por músicos afroamericanos como Ernest Hogan, cuyas canciones se publicaron en 1895.

Dos años mas tarde, Vess Ossman grabó un popurrí de estas canciones con un banjo. Es el “Rag time medley”.

También en 1897, el compositor blanco William H. Krell publicó su “Mississippi Rag, la primera pieza de rag escrita para piano, y Tom Turpin publicó “Harlem Raga, que fue el primer rag publicado por un afroamericano.

El pianista con formación clásica, Scott Joplin produjo sus “Original Rags” al año siguiente y en 1899 obtuvo un gran éxito internacional con “Maple Leaf Rag”. Scout Joplin escribió numerosos rags muy populares, incluyendo “The Entertainer”, combinando síncopas, figuras de banjo y algunas veces llamada y respuesta, lo que permitió el desarrollo del lenguaje del rag y que este fuera incorporado por compositores clásicos, incluyendo Claude Debussy e Igor Stravinsky.

El blues fue publicado por W. C. Handy, cuyos “Memphis Blues” de 1912 y “St. Louis Blues” de 1914 pertenecen ya a los jazz standards.

Maple Leaf Rag (Vess Ossman, 1907) Ragtime Banjo Legend


Ragtime Piano: SCOTT JOPLIN. "The Entertainer" (1902)


Jim Hession interpreta Memphis Blues de W.C. Handy

La música de Nueva Orleáns (Dixieland)

La música de Nueva Orleáns tuvo un efecto muy profundo en la creación del Jazz. Muchos de los pioneros del Jazz tocaron en bares y burdeles del “red-light district”, el las proximidades de Basin Stree, llamado Storyville. Además, numerosas bandas tocaban en explendidos funerales organizados por la comunidad Afro-americana. Los instrumentos utilizados por estas bandas y orquestas de baile llegaron a ser los intrumentos básicos del jazz: instrumentos de metal y madera afinados en la escala europea de 12 tonos y tambores. Pequeñas bandas de músicos negros autodidactas, muchos de los cuales provenian de la tradición del funeral-procesión de Nueva Orleáns, tuvieron un papel fundamental en la expansion del jazz primitivo, viajando a través de las comunidades negras del “Sur profundo” desde 1914.

Los músicos mestizos y Afro-americanos que actuaban en vodeviles, llevaron el Jazz a las ciudades de norte y del oeste. Al cornetista Buddy Bolden se le considera “El primer hombre que hizo Jazz”. Tocaba en Nueva Orleáns en torno al año 1900. No se conserva ninguna grabación de Bolden, pero su canción “Buddy Bolden Blues” ha sido grabada por multitud de músicos. Hacia 1907 se volvió loco y pasó el resto de su vida en una institución mental.

El pianista mestizo Jelly Roll Morton comenzó su carrera en Storyville. Desde 1904, viajó con espectáculos de vodevil por las ciudades del Sur e incluso tocó en Chicago y Nueva York. Su ”Jelly roll blues”, que compuso en torno a 1905, fue impreso en 1915 como el primer arreglo de Jazz, introduciendo a más músicos en el estilo de Nueva Orleáns. En el noreste de los Estados Unidos, un estilo “caliente” de tocar el ragtime se estaba desarrollando, principalmente por la orquesta de James Reese Europe en el Clef Club.

El rag al estilo de Baltimore de Eubie Blake, estuvo influenciado por el desarrollo del "Stride"al piano de James P. Johnson, según el cual, la mano derecha toca la melodía mientras que la mano izquierda proporciona la base y el ritmo.

En 1917, The Original Dixieland Jass Band hizo las primeras grabaciones de Jazz: “Livery Stable Blues” se considera la primera grabación de Jazz. Ese año, muchas otras bandas hicieron grabaciones utilizando el Jazz en el título o en el nombre de la banda, pero eran Ragtime mas que Jazz. En Septiembre de 1917, la orquesta de W.C. Handy de Memphis grabó una versión del “Livery Stable Blues”. En febrero de 1918, los “Hellfighters de James Reese Europe llevaron el ragtime a Europa durante la primera guerra mundial. A su vuelta grabaron Darktown Strutters' Ball.

Original Dixie Land Jazz Band 1917


Jim Hession interpreta Original Jelly Roll Blues de Jelly Roll Morton

1920 y 1930

En la época de“La Prohibición” estaba prohibida la venta de bebidas alcohólicas, y como resultado, los garitos clandestinos se transformaron en animados locales de la “era del jazz”, una era en la que la música popular incluía canciones de baile, nuevas canciones y melodías de espectáculo. El jazz comenzó a tener una reputación de inmoral y muchas personas de generaciones anteriores lo vieron como una amenaza para los tradicionales valores culturales y una forma de promocionar los valores decadentes de los “locos años 20”.

En 1919 la Original Creole Jazz Band de Kid Ory con músicos de Nueva Orleáns, tocaba en Los Angeles y San Francisco y en 1922 fue la primera banda negra de Jazz de Nueva Orleáns que grababa discos.

No obstante, el principal centro de desarrollo del nuevo “Hot Jazz” era Chicago, donde King Oliver se unió a Bill Johnson. Ese año salió a la luz el primer disco de Bessie Smith, la cantante de blues más famosa de los años 20.

En 1924, Bix Beiderbecke formó la banda “The Wolverines”, También en 1924, LouisArmstrong estuvo durante un año en la orquesta de FletcherHenderson como solista. Posteriormente, formaría su propia banda de virtuosos, los Hot Five, popularizando el "scat singing", que consiste en cantar sílabas sin ningun tipo de sentido.

MJelly Roll Morton grabó con los New Orleans Rhythm Kings y en 1926 formó su propia banda, los Red Hot Peppers. También hubo un gran mercado para la música de baile interpretada por orquesta de blancos, como la orquestade Jean Goldkette y la orquesta de Paul Whiteman. En 1924 Whiteman encargo a George Gershwin Rhapsody in Blue, que fué estrenada por la orquesta de Whiteman'.

Otros grandes conjuntos son la Orquesta de Fletcher Henderson,la orquesta de Duke Ellington,el cual era un artista habitual en Cotton Club de New York, y la orquesta de Earl Hines en Chicago (quien abrió el Grand Terrace Cafe en 1928). Todo esto influyó significativamente en el desarrollo del estilo "swing" de las "Big Bands"

King Oliver's Creole Jazz Band - Dippermouth Blues (Sugarfoot Stomp) 1923


Steamboat Stomp -- Jelly Roll Morton's Red Hot Peppers 1926


Louis Armstrong and his Hot Five - Georgia Grind (1926)

Swing

En los años treinta se hizo muy popular el swing de las Big Bands, en las que algunos solistas virtuosos se hicieron tan famosos como los líderes de la orquesta. Las figuras clave del desarrollo de las big bands fueron Count Basie, Cab Calloway, Jimmy y Tommy Dorsey, Duke Ellington, Benny Goodman, Fletcher Henderson, Earl Hines, Glenn Miller y Artie Shaw.

El swing era además una música de baile. Se retransmitió de noche, en directo por radio, de costa a costa de los Estados Unidos durante años, especialmente por Hines y su Orquesta del Grand Terrace Café de Chicago, que estaba muy bien situada para aprovechar los usos horarios.

Aunque es un sonido colectivo, el swing ofrece la posibilidad a los músicos de interpretar un “solo” e improvisar una melodía. Los solos pueden llegar a ser muy complejos. A medida que pasaba el tiempo, las estructuras sociales de segregación racial comenzaban a debilitarse, y los líderes de estas formaciones empezaron a incorporar a estas músicos negros en el caso de las orquestas de blancos y músicos blancos en el caso de las orquestas de negros.

A mediados de los años 30, Benny Goodman invitó al pianista Teddy Wilson, el vibrafonista Lionel Hampton, y el guitarrista Charlie Christian a unirse a grupos pequeños.

En los primeros años 40, el estilo conocido como “jumping the blues” o simplemente jump blues usaba pequeños combos, música de ritmo rápido y progresiones de cuerda del blues. El jump blues derivó en en el boogie-woogie. El Kansas City Jazz de los años treinta está ejemplarizado en el saxofonista Lester Young, que marcó la transición desde las big bands al bebop.

COUNT BASIE Swingin' the Blues, 1941 HOT big band swing jazz


The Mooche - Duke Ellington and his Orchestra

El Jazz en Europa
Fuera de los Estados Unidos, los comienzos de un estilo europeo de Jazz emergieron en Francia, con el Quintette du Hot Club de France en 1934. El virtuoso guitarrista belga Django Reinhardt popularizó el gypsy jazz, una mezcla del swing americanode los años treinta, el baile francés "musette" y el sonido tradicionaldel este de Europa. Los instrumentos principales son la guitarra con cuerdas metálicas, el violón y el contrabajo. Los solos suelen pasar de un músico a otro mientras que la guitarra y el bajo suelen llevar el papel de la sección rítmica. Algunos investigadores sostienen que fueron Eddie Lang (guitarra) y Joe Venuti (violín), ambos de Philadephia los primeros que hicieron Gipsy Jazz y que luego fue llevado a Francia.

Django Reinhardt - J'attendrai Swing 1939


The Quintet of the Hot Club of France J'Attendrai Swing 1939

1940 y 1950

El resurgimiento del Dixieland
A finales de los años cuarenta tuvo lugar un resurgimiento de la música Dixieland, regresando al contrapunto original del estilo de Nueva Orleáns. Esto se debe en gran parte a la reedición de los discos de las formaciones de Oliver, Morton y Armstrong de los años 30. Había dos clases de musicos involucrados en este renacimiento, por un lado estaban aquellos que habían comenzado sus carreras tocando en este estilo y habían vuelto a él, o nunca lo habían abandonado como es el caso de Bob Crosby's Bobcats, Max Kaminsky, Eddie Condon, y Wild Bill Davison. La mayoría de estos músicos procedía del medio oeste, aunque también había un pequeño grupo de músicos de Nueva Orleáns, y por otro lado, el segundo grupo, eran músicos jóvenes como Lu Watters.

A finales de los cuarenta, Louis Armstrong y los Allstar eran el conjunto lider. Aunque durante los años 50 y 60, el Dixieland fue el estilo más popular y comercial en USA, Europa y Japon, la crítca no le prestó demasiada atención.

Louis Armstrong - Saint Louis Blues

Bebop
A principios de los años 40 los interpretes de bebop ayudaron a transformar el Jazz desde una música de baile hacia una música más desafiante para el músico. Con grandes diferencias con el swing, el bebop inicial se divorció de la música de baile estableciéndose más como una forma de arte, pero perdiendo su potencial popularidad y su valor comercial.

Dado que el bebop está pensado para ser escuchado pero no bailado, utiliza tempos mas rápidos. Los músicos de bebop introdujeron nuevas formas de cromatismo y disonancia en el jazz. El intervalo disonante tritono (o“quinta disminuida”) se convirtió en el intervalo más importante del bebop y los músicos se dedicaban a formas más abstractas de improvisaciones las cuales usaban acordes pasados, acordes sustituidos, y acordes alterados. El estilo de tocar la batería se volvió mas difícil y explosivo, el plato ride se utilizaba para mantener el ritmo y la caja y el bombo se utilizaban para los acentos.

Las divergencias con la corriente principal del jazz provocaron una división inicial, con respuestas, a veces hostiles entre los fans y los músicos, entre los músicos consagrados del swing, a los que molestaban los nuevos armónicos. Para los críticos hostiles, el bebop parecía estar hecho con carreras y frases nerviosas. Superadas las fricciones iniciales, en los cincuenta, el bebop llegó a ser aceptado como parte del vocabulario del jazz. Los músicos más influyentes del bebop son el saxofonista Charlie Parker, los pianistas Bud Powell y TheloniousMonk, los trompetistas DizzyGillespie y Clifford Brown, y el batería Max Roach.

Charlie Parker and Coleman Hawkins, Lester Young, et al 1950)


Dizzy Gillespie - "Salt Peanuts" - 1947

Cool Jazz
A finales de los cuarenta, el nerviosismo y la tensión del bebop fue sustituido por una tendencia hacia la calma y la suavidad, con el sonido del cool jazz que favorecía las líneas melódicas largas y lineales. El cool Jazz emergió en Nueva York como resultado de la mezcla de estilos de músicos predominantemente blancos y los músicos de bebop negros, y dominó la primera mitad de la década de los cincuenta.

La grabaciones de jazz de Chet Baker, Dave Brubeck, Bill Evans, Gil Evans, Stan Getz y el Modern Jazz Quartet tienen un sonido ligero que evita los ritmos agresivos y la abstracción de armónicos del bebop. Una grabación importante fue la del trompetista Miles Davis, Birth of the Cool, cuyas canciones se grabaron en 1949 y 1954 y se recopilaron en un Lp en 1957.

El cool jazz tuvo una gran repercusión en Europa, especialmente en Escandinavia, donde surgieron figuras como el saxofonista Lars Gullin y el pianista Bengt Hallberg.
Músicos como el pianista Bill Evans empezaron a buscar mas tarde nuevas formas de estructurar sus improvisaciones explorando los modos. Las bases teóricas del Cool Jazz fueron sentadas por el pianista ciego de Chicago Lennie Tristano.

El cool jazz sería identificado como el sonido de la Costa Oeste. Su influencia se extiende al desarrollo posterior de estilos como Bossa nova, modal jazz (especialmente desde la grabación de Kind of blue por Miles Davis en 1959), e incluso el free jazz.

Chet Baker - Time After Time


The Dave Brubeck Quartet - Take Five (1961)


Stan Getz / Oscar Peterson 1957 - Pennies From Heaven

El Hard bop es una extensión del bebop en la que se incorporan influencias del rhythm and blues, gospel y el blues, especialmente en la forma de tocar el saxo y el piano. El hard bop se desarrolló a mediados de los cincuenta, en parte como una respuesta al cool jazz de los primeros cincuenta. El estilo del hard bop surgió entre los años 1953 y 1954, en paralelo con el auge del rhythm and blues. La actuación de Miles Davis con su canción “Walkin” en el festival de Jazz de Newport en 1954, dio a conocer al mundo este estilo de Jazz. El quinteto Art Blakey and the Jazz Messengers, formado por Blakey y el pianista Orase Silver y el trompetista Clifford Brwon, fueron los líderes, junto con Miles Davis de este movimiento.

Miles Davis: Walkin'


Art Blakey & The Jazz Messengers Moanin'

Modal Jazz
El Modal jazz, que se desarrollo a finales de los cincuenta generalmente gira sobre un solo acorde, un pedal de bajo y una melodía. La improvisación es muy difícil de realizar debido al acorde estático de fondo, y es realmente donde el que improvisa debe mostrar sus recursos, se suelen tocar modos impropios del acorde, así como escalas alternativas como la melódica, la armónica, la semitono-tono, los arpegios disminuidos, y crear estructuras armónicas que concuerden con el acorde base.

Miles Davis fue el primer jazzista en improvisar y componer de acuerdo con la estructura modal; su Kindof Blue es el disco de jazz modal típico, y definitivo para muchos, y dos de sus acompañantes en la grabación (John Coltrane y Bill Evans) se convertirían después en innovadores modales. Las libertades de la música modal ayudaron a allanar el camino para la radical experimentación estructural del jazz de vanguardia, que empezaría a tomar forma a partir de los sesenta.
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Free Jazz
El Free jazz y su evolucion, el avant-garde jazz o jazz de vanguardia dieron paso a un espacio abierto de “tonalidad libre”, en el que la métrica, el ritmo y la simetría formal desaparecen y se mezcla con una variedad de World music, procedentes de India, Africa y Arabia para dar lugar a un estilo de tocar religiosamente extasiado o incluso orgiástico.

Aunque la música producida por los pioneros del free jazz ha variado mucho, el rasgo común era la insatisfacción con las limitaciones del bebop, hard bop y jazz modal que se había desarrollado en los años 1940 y 1950. Cada uno a su manera, los músicos del free jazz intentan modificar, prorrogar o eliminar las convenciones del jazz, a menudo por los descartes de las hasta ahora características invariables del jazz, tales como los cambios de acorde fijo, o tempo.

El free jazz se ha considerado también como un intento de devolver al jazz a sus raices primitivas, y a menudo religiosas y hacer énfasis en la improvisación colectiva. Al bajista Charles Mingus se le asocia con frecuencia al jazz de vanguardia, sus composiciones tienen multitud de géneros y estilos.

Los primeros movimientos de este género se dieron en la década de los cincuenta, con los primeros trabajos de Ornette Coleman and Cecil Taylor. En los sesenta figuran artistas como John Coltrane (A Love Supreme), Archie Shepp, Sun Ra, Albert Ayler, Pharoah Sanders entre otros. El free jazz entró rápidamente en Europa, debido en parte a que músicos como Ayler, Taylor, Steve Lacy y Eric Dolphy pasaban grandes temporadas en Europa. Keith Jarrett se ha destacado desde los años 90 como un defensor del free jazz

Ornette Coleman - Free Jazz

1960 y 1970

Latin Jazz
El Latin jazz combina ritmos de Africa y America Latina, a menudo interpretados con instrumentos como la conga, el timbal, el güiro y las claes, con las armonías típicas del jazz interpretadas por los instrumentos típicos del Jazz. Existen dos variantes, por un lado, el Afro-Cuban Jazz, que fue interpretado en los Estados Unidos justo después del periodo del Bebop y por otro, el Brazilian Jazz, que se hizo muy popular en los sesenta. El jazz afro-cubano comenzó como un movimiento a mediados de los cincuenta cuando músicos como Dizz Gilliespie y Billy Taylor empezaron a ser influenciados por bandas de música cubanas o de Puerto Rico con músicos como Xavier Cugat, Tito Puente, y Arturo Sandoval.

Tanto el brazillian Jazz como la bossa nova derivan de la samba, con influencias del jazz y otras músicas populares del siglo 20. La bossa suele ser moderadamente tranquila, con melodías que se cantan en Portugués o Inglés. Los pioneros de este estilo son los brasileños João Gilberto y Antônio Carlos Jobim. El término jazz-samba describe una adaptación de las composiciones de bossa nova al lenguaje del jazz realizado por artistas de jazz estadounidenses como Stan Getz y Charlie Byrd.

Xavier Cugat bim bam bum



Stan Getz / Astrud Gilberto - Corcovado

Post bop
Post-bop es la denominación de un pequeño grupo de músicos de jazz en los comienzos y mediados de la década de 1960. Se sitúa generalmente el comienzo del género en los trabajos de John Coltrane, Miles Davis, Bill Evans, Charles Mingus y especialmente de Herbie Hancock.
Generalmente, el término post-bop es utilizado para nombrar a aquellos músicos de jazz que fueron influidos por el hard bop (o bebop), y las vanguardias del free jazz, pero sin ser necesariamente similares ni asimilables con ninguno de los géneros anteriores.
La mayor cantidad de producciones del post-bop fueron grabadas en el sello musical Blue Note Records. Los denominados discos fundacionales del post-bop son SpeakNo Evil de Wayne Shorter; The Real McCoy (álbum) del pianista McCoy Tyner; Maiden Voyage de Herbie Hancock; y Search For the New Land de Lee Morgan.

La mayor parte de los músicos enmarcados en el post-bop son también encuadrados en otros géneros, principalmente el hard bop; y en los años de 1970,l a gran mayoría de estos artistas mutaron hacia otros estilos como el jazz fusion. En la década de 1980,Wynton Marsalis y Branford Marsalis ensayaron un revivir del género que continúa hasta nuestros días.

Herbie Hancock - "Dolphin Dance"(Maiden Voyage,1965)

Soul Jazz
Soul jazz es una evolucion del hard bop a la que se le incorporaron fuertes influencias del blues, el gospel y el rhythm and blues en música para pequeños grupos, habitualmente el organ trio, formado por un órgano Hammond, un bateria y un saxo tenor o un guitarra. A diferencia del Hard bop, el soul jazz esta enfatizado por grooves repetitivos y enganches melódicos. Las improvisaciones son a menudo menos complejas que en otros estilos de jazz. Horace Silver tuvo una gran influencia en el soul jazz, con canciones que utilizaban a menudo el funky y el gospel. Los principales músicos de este estilo son los organistas Jimmy McGriff, Jimmy Smith y Johnny Hammond Smith, y los saxo tenor Eddie "trismo" Davis y Stanley Turrentine.

"See See Rider" Jimmy Mcgriff (1965)

Jazz fusion
A finales de los años 60 y principios de los 70 músicos como Jimi Hendrix desarrollaban un híbrido entre el jazz y el rock, que combinaba la improvisación con los ritmos de rock, los instrumentos eléctricos y fuertes etapas de amplificación.

Miles Davis desarrolló este estilo en su álbum Bitches Brew de 1970. Los músicos que trabajaron con Miles Davis formaron los grupos más influyentes de este estilo: Weather Report y Mahavishnu Orchestra surgieron en 1971 y pronto le siguieron Return to Forever and The Headhunters.

Aunque algunos puristas del jazz renegaron de la mezcla de rock y jazz, algunos innovadores se pasaron del hard bop contemporáneo a la fusión. La música de fusión utiliza métricas mixtas, “odd time signatures”, sincopas y acordes y armonías complejas. Además emplean los instrumentos del rock, como son guitarras y bajos eléctricos, pianos eléctricos, sintetizadores y una gran amplificación.

Los principales músicos de esta tendencia, además del mencionado Miles Davis, son los teclistas Joe Zawinul, Chick Corea, Herbie Hancock, el vibrafonista Gary Burton, el batería Tony Williams, el violinista Jean-Luc Ponty, los guitarristas Larry Coryell, Al Di Meola, John McLaughlin y Frank Zappa, el saxofonista Wayne Shorter, y los bajos Jaco Pastorius y Stanley Clarke.

The first Mahavishnu Orchestra

Otras tendencias
Hubo un resurgimiento del interés por el Jazz y otras formas de expresión cultural Afro-americana durante el periodo del Black Arts Movement y Black nationalist a principios de los años 70. Músicos como Pharoah Sanders, Hubert Laws y Wayne Shorter empezaron a usar instrumentos africanos como Kalimbas, cencerros, calabazas de cuentas y otros instrumentos no tradicionales en jazz. Los músicos de jazz comenzaron a improvisar con instrumentos inusuales, como el arpa de jazz (Alice Coltrane), con amplficacion eléctrica o el violín con pedal wha-wha (Jean-Luc Ponty) o incluso la gaita (Rufus Harley).

El jazz continuó expandiendose y cambiando, influenciado por otros tipos de músicas, como las “world music”, la música clásica de vanguardia, el rock y el pop. El guitarrista John McLaughlin y su Mahavishnu Orchestra tocaban una mezcla de rock y jazz con influencias de la India. El sello ECM comenzó en Alemania con artistas como Keith Jarrett, Paul Bley, the Pat Metheny Group, Jan Garbarek, Ralph Towner, Kenny Wheeler, John Taylor, John Surman y Eberhard Weber, que establecieron una nueva estética en la música de cámara, con instrumentos principalmente acusticos y, a veces, la incorporación de elementos de la música popular.

Pharoah Sanders "Village Of The Pharoahs, Pt.1")

1980-2000

En la década de los 80, la comunidad del jazz se redujo drásticamente y se partió. Un público de más edad seguía manteniendo un interes en los estilos tradicionales y straight-ahead. Wynton Marsalis se esforzaba en crear lo que el entendía como tradición, creando extensiones de las formas grandes y pequeñas desarrolladas inicialmente por artistas como Louis Armstrong y Duke Ellington.

En 1987, la Cámara de Representates de Estados Unidos y el Senado aprobaron un proyecto de ley propuesto por el representante demócrata John Conyers, Jr. Para definir el jazz como una forma única de la musica estadounidense que afirma, entre otras cosas “que el jazz es designado como un raro y valioso tesoro nacional americano al que debemos dedicar nuestra atención, apoyo y recurso para asegurarse de que es conservado, entendido y publicado”

Wynton Marsalis "Cherokee"

Pop fusion y otros subgéneros
En los primeros años 80, surgió una forma ligera y comercial de jazz que se fusionaba con el pop, llamada pop fusion o "smooth jazz" que llegó a tener éxito y que obtuvo una significante difusión radiofónica. Los saxofonista del smooth jazz incluyen Grover Washington, Jr., Kenny G, Najee y Michael Lington. Los temas de smooth jazz se emitían con mas frecuencia que los de straight-ahead, sobre todo en los formatos nocturnos denominados quiet storm de las emisoras urbanas, ayudando a establecer las carreras de cantantes como Al Jarreau, Anita Baker, Chaka Khan,y Sade. A finales de los 80 y principios de los 90 varios subgéneros del jazz se fusionan con la música pop dando lugar al Acid jazz,

nu jazz y jazz rap
El acid jazz y el nu-jazz combinan elementos del jazz y las formas modernas de la música electrónica de baile. Si bien el nu-jazz esta influenciado por la armonía y las formas del jazz, generalmente no hay improvisación. El rap-jazz se fusiona con el hip-hop. Gang Starr grabó
"Words I Manifest," "Jazz Music," and "Jazz Thing" con “samplings” de Charlie Parker y Ramsey Lewis y colaborando con Branford Marsalis and Terence Blanchard. A principios de 1993, el rapero Guru grabó sus series Jazzmatazz con músicos de jazz.

“Straight-ahead” e interpretes experimentales
En la década del 2000, el “Straigth-ahead” continúa atrayendo a un núcleo de oyentes. Los músicos establecidos, tales como Dave Brubeck, Wynton marsalis, Sonny Rollins, Wayne Shorter y Jessica Williams continúan actuando y grabando discos.

En los 90 y 2000, un número de jóvenes músicos emerge, incluyendo los pianistas Brad Mehldau, Jason Moran y Vijay Iyer, el guitarrista Kurt Rosenwinkel, el vibrafonista Stefon Harris, los trompetistas Roy Hargrove y Terence Blanchard, y los saxofonistas Chris Potter y Joshua Redman.
La parte más experimental del espectro incluye a los trompetistas Dave Douglas y Rob Mazurek, el saxofonista Ken Vandermark, el pianista noruego Bugge Wesseltoft, el grupo sueco EST, EE.UU. y el bajista Christian McBride.
En el lado de la música de baile o pop está St Germain y Jamie Cullum, que interpreta una mezcla particular de “Jazz Standard” con sus propias composiciones orientadas al pop

Modern Creative
En la década de los 80 aparece en la escena del jazz un nuevo género formado en Nueva York llamado Modern Creative, que combina los viejos géneros como bop, free y la fusion, con estilos musicales modernos como el funk, el pop y el rock .

Los músicos que trabajan en y alrededor de este escena son los saxofonistas John Zorn,
Tim Berne, David Murray, y Chris Speed, trompetistas Butch Morris y Dave Douglas, el clarinetista Don Byron, el guitarrista Bill Frisell, pianistas Wayne Horvitz, Uri Caine, y Marilyn Crispell; bajistas Michael Formanek, William Parker, Mark Dresser, y Drew Gress;
chelista Hank Roberts, y los bateristas Joey Baron, Bobby Previte, y Jim Negro.

Otros músicos petenecientes al "Modern Creative" incluyen alemán clarinetista de jazz Theo Jörgensmann, el saxofonista tenor Gerd Dudek, innovador y Bay Area bajo Edo Castro.

En la siguiente imagen podemos observar el árbol genealógico del jazz.

fuente:purojazz.com

El jazz en el cine.

A pesar de que la primera película sonora fue El cantor de Jazz, el cine no siempre ha tratado bien al jazz. Durante los años 30 y 40 el jazz en el cine estuvo relegado a la comedia musical. El jazz se escuchaba en las emisoras de radio y en los clubes nocturnos mientras se expandía a lo largo de toda América. Las cosas empiezan a cambiar durante los años 50. Una buena explicación es la que figura en el libro “Speakin’ de cine en Jazz”:

"Durante la década de los cincuenta inician sus trabajos musicales Raskin y Bernstein, lo que significa una entrada de aire fresco en los estudios, al incorporar composiciones de música pop y jazz. Sus trabajos han servido de puente entre el Hollywood clásico y la situación actual de las BSO. Es necesario subrayar que hasta esta época el jazz era siempre interpretado por grupos que aparecían en la película, es decir, die-getic music, pero nunca se había utilizado como composición para acompañar a las imágenes. ¿Por qué entonces se acepta el jazz como música seria?. Hay dos razones: una de peso, que es la económica, ya que era más barato contratar a grupos de jazz que mantener orquesta propia de música clásica; la otra, menos importante para el público en general, es estilística, puesto que es fácil la relación entre este tipo de música y el entorno urbano en el que se desarrolla la acción, además del propio sentimiento de decadencia. Esto queda patente en las palabras del propio Bernstein, quien, a propósito de la utilización del jazz en The man with the golden arm dijo: «La acción se desarrolla en los barrios bajos de Chicago; la presencia de la heroína, la frustración, los deseos, la desesperación y la muerte me hacen buscar una música que identifique todas estas emociones en nuestro país y, por supuesto, en las ciudades. La única que puede hacerlo es el jazz». Más claro, el agua. Los blancos han tratado siempre de relacionar el jazz con todo lo peor, desde sus inicios, cuando se la llamó música del diablo. Afortunadamente, Francia acogió con los brazos abiertos a este tipo de músicos, que, perseguidos en su país, en París encontraron la libertad y el reconocimiento. Esto permitió a la nouvelle vague, tan lejos de los prejuicios americanos, incluir este tipo de música en sus películas y, en consecuencia, poner ésta en el lugar adecuado.”

La Nouvelle Vague incorpora el Jazz como fuente de inspiración narrativa y técnica, empleando la improvisación y el caos a la creatividad. El ejemplo de esta fusión es sin duda la impresionante Ascensor para el Cadalso (1957), cuya extraordinaria banda sonora fue grabada por Miles Davis mientras visionaba la película.

Volviendo a Estados Unidos, Anatomía de un asesinato (1959) de Otto Preminguer cuenta con un excelente banda sonora a cargo de Duke Ellington y su orquesta.

Actualmente el Jazz y el Cine, marchan juntos, con la colaboración inestimable de enormes directores y productores de cine, que a la vez eran y son grandes aficionados al jazz. Así: Bertrand Tavernier con su espléndida producción "Round Midnight", (1986) o Clint Eastwood con su portentosa "Bird" (1988), Francis Ford Coppola con "Cotton Club" (1984), o ya más cerca Robert Altman, con "Kansas City" (1996) y Woody Allen con "Acordes y Desacuerdos" (1999).